Notas de producción de Asesinato en el Expreso de Oriente

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TWENTIETH CENTURY FOX PRESENTA

DIRIGIDA POR KENNETH BRANAGH

GUIÓN DE MICHAEL GREEN

BASADA EN LA NOVELA DE AGATHA CHRISTIE

PROTAGONIZADA POR
TOM BATEMAN, LUCY BOYNTON, KENNETH BRANAGH,
OLIVIA COLMAN, PENÉLOPE CRUZ, WILLEM DAFOE, JOHNNY DEPP,
JUDI DENCH, JOSH GAD, MANUEL GARCIA-RULFO,
DEREK JACOBI, MARWAN KENZARI, LESLIE ODOM JR.,
MICHELLE PFEIFFER, SERGEI POLUNIN, DAISY RIDLEY

PRODUCTORES RIDLEY SCOTT, p.g.a.
MARK GORDON, p.g.a.
SIMON KINBERG, p.g.a.
KENNETH BRANAGH, p.g.a.
JUDY HOFFLUND, p.g.a.
MICHAEL SCHAEFER, p.g.a.

PRODUCTORES EJECUTIVOS ADITYA SOOD
MATTHEW JENKINS
JAMES PRICHARD
HILARY STRONG

DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA HARIS ZAMBARLOUKOS BSC, GSC

DISEÑADOR DE PRODUCCIÓN JIM CLAY

EDITOR MICK AUDSLEY

DISEÑADORA DE VESTUARIO ALEXANDRA BYRNE

DISEÑADORA DE PEINADOS Y MAQUILLAJE CAROL HEMMING

CONTENIDO

Introducción 3

Acerca de la producción:
Todos son sospechosos 4
El Detective 10
El Gánster 13
El Asistente 14
El Mayordomo 15
La Viuda 16
La Misionera 17
El Profesor 18
La Condesa 18
El Conde 19
La Princesa 20
La Criada 21
La Institutriz 22
El Doctor 22
El Administrador 23
El Conductor del Tren 24
La Pista Falsa 25

Acerca del Diseño de Producción:
El Diseño de Producción de Asesinato en el Expreso de Oriente 25
Filmar en 65mm 27
Construyendo la Montaña 28
Mudándose a Malta 31
El Expreso de Oriente 31
Confeccionando el Vestuario 34

Antecedentes:
Agatha Christie 37
Algunos sucesos mundiales de 1934 38
Biografías del reparto 39
Acerca del equipo de producción 56

INTRODUCCIÓN

En la historia de misterio más perdurable de todos los tiempos, ASESINATO EN EL EXPRESO DE ORIENTE sigue al reconocido detective Hercule Poirot (KENNETH BRANAGH) mientras intenta resolver lo que podría llegar a ser uno de los crímenes más infames de la historia.

Después del impactante asesinato de un adinerado hombre de negocios en el lujoso tren europeo, que, a mitad del invierno, corre raudo y veloz hacia el oeste, el detective privado Poirot deberá utilizar todo recurso disponible para descubrir quién de los eclécticos pasajeros es el asesino, antes de que él o ella vuelva a atacar de nuevo.

Publicada en 1934, la novela de Agatha Christie, Murder on the Orient Express es considerada una de las historias más ingeniosas jamás concebidas. A más de 80 años de su publicación, la novela de Christie sigue siendo muy querida por las nuevas generaciones de lectores. El espectacular recuento de Kenneth Branagh del apreciado misterio, con un aclamado ensamble e imágenes maravillosas, invita a las audiencias a tomar el viaje en tren más intrigante de sus vidas.

ACERCA DE LA PRODUCCIÓN

TODOS SON SOSPECHOSOS

El clásico misterio de Agatha Christie, con personajes delineados finamente que se encuentran confinados en un lujoso tren de pasajeros, con sus escenas tensas y con sus diálogos incisivos, ha fascinado a las audiencias desde el debut de la novela en 1934. The Times of London escribió después de ser publicado, “Las pequeñas células grises resuelven una vez más lo que parece ser irresoluble. La Sra. Christie hace muy real una historia improbable, y mantiene a sus lectores cautivados y suponiendo hasta el final”.

Generación tras generación, los lectores han estado fascinados con el misterio, el crimen, la historia y el personaje de Hercule Poirot. El atractivo del Expreso de Oriente fue magnificado por la obra de Christie, y, hasta la fecha, los viajeros continúan yendo en manada para descubrir los compartimientos y servicios ilustres. La habitación 411 del hotel Pera Palace, en Estambul, donde Christie escribió la novela supuestamente, también sigue siendo un destino popular de visita. Hay sociedades y clubes en todo el mundo dedicados a redescubrir los misterios de Christie, en particular aquellos en los que aparece Hercule Poirot.

¿Por qué la fascinación interminable?

“Agatha Christie es experta en darle profundidad (con economía) a la percepción de personajes, al hacerlos distintos y originales, pero también creíbles. Me parece que ella disfruta el resplandor literario que ello trae consigo, pero en el Expreso de Oriente también tienes glamur. Tienes nieve. Tienes elegancia y la época dorada del romance al momento de viajar. Y, desde luego, tienes un asesinato”, comenta Kenneth Branagh. La película le presenta a otra generación de cinéfilos una interpretación nueva y fascinante de uno de los misterios más queridos de todos los tiempos. Un “cara a cara” de actores distinguidos y un equipo de producción aclamado dispuestos a emprender el viaje.

Cuando se trata de Agatha Christie, todo siempre comienza con la historia. Pero para hacer una película, desde luego, necesitas conseguir los derechos de esa historia —y para los productores Mark Gordon y Simon Kinberg eso probó ser un viaje que duró casi cinco años. Al principio, ambos hombres habían preguntado por los derechos por separado, pero pronto se dieron cuenta que la mejor estrategia era si unían fuerzas.

Gordon y Kinberg se asociaron a la postre con Ridley Scott. Ahora, había llegado el momento de encargar un guión…

Un gran admirador de Agatha Christie y colaborador antiguo del productor Ridley Scott, el guionista Michael Green (LOGAN, BLADE RUNNER: 2049) estaba encantado cuando le pidieron que llevara esta historia fabulosa a la pantalla. El productor Scott, también un aficionado de Christie, y admirador de la versión de 1974 de Sidney Lumet, Murder on the Orient Express, no dejó pasar la oportunidad de explorar de nueva cuenta el libro, ya que lo vio como una oportunidad maravillosa para presentar la obra de la autora ante una audiencia contemporánea. Green concuerda.

“Son historias increíbles con personajes que quieres ver cada vez más y más”, comenta Green. “Y si eres lo suficientemente afortunado de leer un libro o ver una obra de Agatha Christie a la edad correcta, va a permanecer en ti y seguirá siendo encantadora en tus recuerdos”.

Pero incluso a pesar de ser aficionado de Christie, una historia sobresale para Green: “Soy muy afortunado que mi novela favorita de Agatha Christie es, sin lugar a duda, Murder on the Orient Express. No sólo aparece Poirot, mi personaje favorito de ella, sino que también es una historia que tiene un final sorpresivo, junto con gente fascinante que conoces a lo largo del camino. La locación es grandiosa y todo acerca de ella hace que tenga un lugar muy especial en mis recuerdos”.

Green se reunió con la gente encargada del patrimonio de Christie para discutir el proyecto: “Todos teníamos el mismo objetivo: queríamos llevarla al mundo moderno sin cambiar lo que era esencial en ella, sin alterar su alma, para que una audiencia contemporánea pudiera experimentarla, creerla y emocionarse con ella”.

Para Green, su interpretación del clásico misterio criminal cobró sentido cuando Kenneth Branagh (HENRY V, CINDERELLA) se sumó al proyecto. “Es probable que el día más emocionante en el proceso de desarrollo fue haberme enterado que Ken estaba interesado en dirigirla y protagonizarla”, comenta Green. “Le tengo un respeto y aprecio inmensos como actor y como director. De repente, este guión hipotético que había escrito se convirtió en una película —una que ahora me podía imaginar a través de la lente de Ken y el calibre de gente que atraería al proyecto”.

James Prichard, bisnieto de Agatha Christie y presidente de Agatha Christie Ltd., concuerda con Green: “Desde que era muy joven he visto las películas de Ken —vi su ‘Enrique V’, como requisito para obtener mi título universitario, y haberlo tenido en esta película, a un director de un talento inconmensurable y uno de los mejores actores de su generación, a alguien de esa talla que haya querido interpretar a Poirot, me genera una sensación inmensa de orgullo”.

Conocido por el amor que les tiene a los clásicos, Kenneth Branagh fue el maridaje perfecto desde el inicio. “Fox sabía que me encantaban los thrillers, así que me buscaron para ofrecerme el thriller de misterio más clásico que existe”, recuerda el actor/director. “Creo que incluso sabían que me gustaban los trenes —y ciertamente me gustaba este título, ‘Asesinato en el Expreso de Oriente’. Siempre ha tenido un cierto atractivo especial, además de que te lleva a la época de oro de los viajes. De igual manera, es una obra de ensamble que se desarrolla en un espacio muy confinado, bajo una tensión tremenda. Hay personajes dispares muy interesantes que interactúan para discutir temas y cuestiones de lo más profundos y peligrosos. Leí el guión de Michael Green y me atrapó de inmediato”.

Ante incontables maneras de interpretar la obra de Christie, el deseo de Branagh por retomar a estos personajes comenzó con la profundidad y compasión que Green les imprimió, así como por la exploración de una idea más siniestra del motivo para la venganza.

“Es evidente que a Michael Green le encantó el material y los personajes. No estaba intentando conseguir risas fáciles y tampoco se estaba burlando de los protagonistas —en particular de Hercule Poirot”, comenta Branagh. “Había compasión en el guión, y una de las cosas que me sorprendió y emocionó de la película fue que resulta más una experiencia emocional que lo que la gente podría llegar a imaginar. En ella, se profundiza mucho porque explora la aflicción, la pérdida y la venganza, con sofisticación y pasión”.

Después está el lugar. Para las audiencias modernas, viajar se ha convertido en una molestia, un medio para llegar a un destino final. La locación del Expreso de Oriente se remonta al cuidado y la precisión que se le daba al viaje, y al lujo auténtico de tal experiencia. El guión de Green capturaba el encanto de la época y los detalles meticulosos del famoso tren.

“Michael se da vuelo en la época dorada del transporte y en la atención al detalle en el Expreso de Oriente, el tren, así como en la forma en la que otras personas lo aprecian”, comenta Branagh. “Ambos experimentamos ese tipo de emoción infantil ante el hecho de poder cruzar Europa en este palacio rodante con sus espacios confinados, que también te ponen a pensar que ciertas cosas inusuales e inexplicables podrían suceder durante la noche. De tal modo, su sentir por la obra —tanto por las profundidades emocionales como por los matices en ella—, la sensación de diversión y emoción —donde la hay— y el respeto por el material, junto con el deseo por entretener, todo eso se desprendía del escrito. Su guión me pareció espléndido”.

No sólo Branagh estaba emocionado con el prospecto de trabajar con el guión de Green, sino que también estaba muy entusiasmado por colaborar con los encargados del patrimonio de Agatha Christie: “Mathew Prichard [nieto de Christie] y James Prichard [bisnieto de Christie] fueron dos de las primeras personas que conocí cuando me sumé al proyecto, y esta conexión en particular fue muy importante para mí. Matthew creció con Agatha Christie, y James no sólo es un miembro de la familia, sino que también es una influencia muy inteligente y creativa en cuanto a cómo es administrado el patrimonio, además de ser un buen colaborador. Todos sentimos que la obra de Agatha Christie está en un momento de evolución muy sólido. Ella ya ha dejado una contribución monumental al entretenimiento mundial, aunque ahora la están redescubriendo como alguien que abarcó áreas de experiencias humanas que en la actualidad tienen relevancia. Continúa entreteniendo y nos hace pensar de manera distinta”.

En cuanto a la relevancia de la historia, James Prichard explica: “Para mí, ‘Asesinato en el Expreso de Oriente’ es una de las historias más ingeniosas que Agatha Christie escribió. Existe una exploración sorprendente de la justicia, y este principio era muy importante para mi bisabuela. De igual manera, hay elementos en esta historia que me parecen únicos, y que van directo a la médula del porqué esta historia es tan poderosa. La historia de fondo es muy conmovedora y desafiante, y la manera en la que Poirot lidia con todo el incidente es extraordinaria”.

Matthew Prichard añade: “Es una mezcla de todo tipo de cosas. El glamur, la originalidad de la historia y lo increíble de la solución. Fue un libro escrito de manera brillante en la década de los ’30 y me parece que en la actualidad es difícil recordar cuán original debió de haber parecido en aquel entonces. Mi abuela viajaba hacia esa dirección y se detuvo en Estambul en su camino a Siria e Irak, así que para los amantes de Christie tiene un sentido de autenticidad probada en cuanto a los lugares adonde solía ir”.

Para Green, representó la primera vez en su carrera en la que desarrollaría un guión con alguien que es tanto el director como el actor principal. “Juntos, pensábamos no sólo en cómo iba a ser filmada, sino también en cómo queríamos representar momentos individuales. Podíamos ver un diálogo y discutir el tono y los ángulos de cámara, pero también lo escuchaba cuando me lo leía y me daba pie a poder ajustar los diálogos para él, al momento. Fue un proceso muy interesante y eficiente, ya que se logran hacer a un lado las conjeturas, en vista de que el director es el que sabe con exactitud cómo el actor principal va a estar diciendo las palabras”.

Branagh explica por qué le venía como anillo al dedo dirigir e interpretar a Poirot: “Sentí que había una manera en la que esas dos cosas eran muy congruentes con el hecho de que una persona hiciera el mismo trabajo. Esto, porque me parece de manera significativa que Hercule Poirot es, en esencia, un director. Dirige a los personajes, y, al igual que un director, Poirot intenta de manera instintiva escuchar la manera en la que puede ser específico y adaptarse para crear el ambiente necesario en cada interrogatorio”.

Como director, la concentración que Branagh le iba a dedicar a todos estos actores asombrosos, y a todo detalle en su interpretación, era exactamente lo que Poirot debía hacer, al buscar las señales delatoras del culpable, que, como Christie señala, es con frecuencia “Poirot observando tan sólo un destello en la mirada”.

“Poirot es un experto en observar el lenguaje corporal”, comenta Branagh. “No es ver a alguien con un objeto. Es lo que hace alguien con ese objeto. Es la manera en la que comen, o lo que dejan, o lo que no dicen, o qué constituye el humor para esa persona. Y desde su presunta perspectiva independiente, con frecuencia apela a esta noción porque es belga, autónomo y se congracia con la sensación de que otra gente lo ve como alguien diferente, algunos hasta dirían excéntrico, porque cuando dicen eso lo están menospreciando”.

Al actor nominado al Oscar Johnny Depp le intrigaba que la historia se sentía relevante y fresca. “Tiene todo lo que podrías esperar de Agatha Christie”, comenta Depp. “Muerte, asesinato, personajes interesantes, una situación inusual y con frecuencia glamorosa —todos estos elementos están ahí, adentro de una locación y viaje maravillosos. Pero lo que de verdad me impresionó fue retomar la historia y ver cómo no había envejecido, y, de hecho, que se había reinventado, lo que me parece que es una señal de una muy buena narrativa”.

El actor nominado al Oscar Willem Dafoe se sintió atraído al guión por su narrativa siempre impulsada por los personajes: “Para esta historia, es el tono lo que es muy importante, y el papel de Poirot es interesante y está escrito de una manera hermosa, así como el balance de los personajes. Tiene un filo agradable y es divertido, pero también tiene en su esencia un dilema moral”.

“Todos los giros argumentales importantes están ahí”, comenta Leslie Odom, Jr., “pero en realidad está contada para una audiencia moderna que lo ha visto y escuchado todo. ¿Cómo emocionas a estos chicos? ¿Cómo haces que se inclinen sobre sus asientos cuando han visto tantas cosas? Me parece que Ken y Michael han hecho un trabajo excepcional con ese aspecto del guión”.

El estilo, gracia y romance del guión de Green y la habilidad del escritor para permanecer fiel a la esencia de la historia, mientras la actualizaba para una audiencia moderna, sedujo al aclamado reparto. Manuel García-Rulfo explica: “Tiene el mismo ADN de la novela, pero es más dinámica”. Lucy Boynton concuerda: “Fue un balance perfecto entre una versión moderna de ello, mientras se mantenía fiel a todo lo que es sagrado en la historia de Agatha Christie. Ese elemento fue muy emocionante; ver la manera en la que había sido desarrollada”.

Cuando Josh Gad leyó por primera vez el guión, de inmediato supo que quería estar involucrado en el proyecto. Explica: “Llevaba como veinte páginas del guión y le llamé a mi representante y le dije, ‘No me importa si tengo que interpretar a un acomodador que está recibiendo los boletos, necesito formar parte de esta película, es extraordinaria’. Para mí, algo así de inteligente, algo así de épico, algo que casi se remonta a la época dorada del cine hollywoodense, como actor, pero también como cinéfilo, era muy emocionante”.

El otro gran atractivo fue la oportunidad de trabajar con el respetado Branagh. “Lo grandioso acerca de Ken es que llega al proyecto con la perspectiva de ser uno de nosotros”, comenta Gad. “Es actor, primero y antes que nada, así que entiende las cuestiones que nos planteamos, las inseguridades que podríamos tener, y es capaz de hablar de esas preguntas con la autoridad de alguien que ha estado en tus zapatos”.

Dafoe ve muchas similitudes entre el trabajo de Branagh como director y su papel como Poirot. Explica: “El papel del director es similar al papel que Ken está interpretando en la historia, porque como director, es el maestro de circo que establece la escena y le dice a todos lo que necesitan saber para seguir adelante en la historia. Una cosa similar sucede con la historia misma, una vez que Poirot toma las riendas de la situación y dirige los eventos”.

Derek Jacobi, antiguo colaborador de Branagh, piensa que lo que hace a Ken un director muy bueno es que primero es actor. “El número de pelotas que tiene en el aire es impresionante, pero siempre he admirado su habilidad para actuar y después removerse y verse a sí mismo de manera objetiva…eso me parece extraordinario”, comenta Jacobi. “Es asombroso ver lo que hace porque su mirada y su mente están en todos lados al mismo tiempo”.

La actriz ganadora del Oscar Penélope Cruz también estaba impresionada con la habilidad de Branagh de hacer la transición de manera imperceptible entre dirigir e interpretar a Poirot. “Lo que está haciendo con las actuaciones y la cámara es muy poderoso, y siento que está realizando una película que se meterá a nuestras mentes de una forma que nos atrapará, como un tipo de magia extraña”, comenta Cruz. “Es como este baile asombroso que parece ser muy fácil para él, lo que resulta ser muy inusual, y todos nosotros estábamos impactados por la manera en la que puede hacerse tan presente. Somos un reparto muy grande y tiene mucha responsabilidad sobre sus hombros”.

Tom Bateman añade: “Branagh es un increíble líder de compañía, es un director maravilloso, pero es como actor donde creo que está depositada su energía y sangre. Quiere estar ahí y lo puedes sentir cuando estás actuando una escena con él. Se emociona por estar ahí, lo que es muy reconfortante, y casi no lo ves dirigir porque lo hace sin ningún esfuerzo”.

EL DETECTIVE (Hercule Poirot – Kenneth Branagh)

El querido detective ficticio Hercule Poirot, uno de los personajes más famosos de Agatha Christie, al haber aparecido en 33 novelas y más de 50 cuentos, fue pieza clave para asegurar que el filme funcionara. James Prichard, presidente de Agatha Christie Ltd. explica, “Yo leí por primera vez el guión hace ya mucho tiempo, y lo que me parece interesante es que las cosas han cambiado, pero el tono general y la esencia del guión no. Desde el principio, el guionista Michael Green consiguió eso, en particular con Poirot, ya que lo entiende y es muy evidente que lo transmite en el guión. Hay cambios y diferencias, sobre todo en lo que respecta a su apariencia, y de lo que uno pudo haber visto antes, pero la esencia de Poirot ahí está y para mí eso es de suma importancia”.

La preparación de Branagh para interpretar a Poirot fue extensa e incluyó haber leído todas las novelas donde aparecía Poirot. Comenzó un año antes del rodaje con un regalo de cumpleaños de la primera edición de libro de bolsillo de The Mysterious Affair at Styles.

Nueve meses antes de la filmación, comenzaron sus pruebas para sus trajes hechos a la medida. El elemento que más tiempo le tomó fue la anchura exacta y ángulo del nudo de su corbata, y su reproducción perfecta cada vez que la usaba. Esto requirió de tres meses de experimentar con telas, almidón y una buena cantidad de paciencia. También le tomaron medidas e hicieron pruebas para sus zapatos hechos a mano, que los utilizó durante un periodo de tres meses.

El actor también recabó toda descripción por escrito que Agatha Christie hizo de los bigotes de Poirot, al haber hecho uso de los vastos recursos del patrimonio de Agatha Christie. Después comenzó un proceso de nueve meses de investigación y desarrollo para que el mostacho que se requería estuviera a la altura de lo que la Srita. Christie describió como “el bigote más espléndido de toda Inglaterra”.

Branagh incluso revisó la obra de belgas famosos, incluyendo el surrealista Magritte, y Hergé, el autor de TinTin. Escuchó grabaciones de 27 acentos belgas distintos de caballeros hablando en inglés de la época de Poirot, y se reunió con un instructor de idiomas tres veces a la semana para estudiar y practicar el acento de Poirot. Éstas incluyeron las ocasionales sesiones por Skype en su camerino del teatro Garrick, durante su interpretación de Leontes en The Winter’s Tale, de Shakespeare.

Con Branagh ya comprometido para interpretar a Poirot, él y Green discutieron cómo pulir de manera precisa al personaje multifacético. Como Green lo explica: “Queríamos resolver cómo hacerlo excéntrico, extraño y pintoresco, pero también adorable en todas esas maneras en como es él, lo que lo hace tan memorable y querido. Pero, de igual manera, cómo hacerlo sentir como alguien que de verdad pudiera existir en este mundo”. Continúa: “Queríamos hacerlo emocionante, y sentir una tensión e inquietud genuinas. Poirot puede ser visto como un personaje cómico, pero en circunstancias muy serias, y parte de nuestro método fue mostrar ese contraste. Poirot está acostumbrado a ir siempre un paso adelante, en control de la situación, y en esta historia se topa con un caso que, en ese preciso momento, va más allá de su entendimiento”.

El cariño de Green por Poirot es evidente en el guión y explica el porqué: “Lo que siempre me encantó de él es que es muy inteligente, muy divertido y muy peculiar. Si puedes entrelazar todas estas cosas en su investigación, entonces tienes escenas maravillosas, ya que puedes valerte de su particularidad y peculiaridad para cambiar el rumbo de un interrogatorio a un sospechoso, y así poder hacerse de una pieza de información que necesita. También hacer que se frustre resulta ser muy divertido, porque es tan perfecto y particular, que cuando lo sacan de balance, se vuelve muy interesante. Eso es lo que lo enciende y hace que se ponga en marcha”.

Hercule Poirot ha sido descrito por Agatha Christie en una variedad de formas a lo largo de su obra. Como Kenneth Branagh explica: “Se divirtió en haberlo hecho evolucionar y no haber sido muy estricta con reglas que quizás y le haya impuesto. En ocasiones, me parece que Poirot la frustraba en cuanto a que él era su creación más popular, pero creo que aprendió a quererlo una y otra, y otra vez. Su característica distintiva es su amabilidad, y con frecuencia se repite cuán amable es. También es muy quisquilloso por lo que respecta a su apariencia personal, pero en particular por su inmenso y magnífico bigote. Un detalle de vanidad que Christie apunta con frecuencia y que Poirot reconoce. Christie también es bastante irónica al sospechar que su cabello quizás y no sea del todo natural, y que bien le pudieron haber ayudado varios ungüentos para adquirir ese color. Su agudeza de mente y su innegable brillantez como detective es algo que nunca pone en tela de juicio. Me parece que también disfrutaba su habilidad para ver el detalle, y, en particular, para ver la psicología humana a profundidad y con matices. Ella, como individuo mismo, me parece que lo tenía. Christie hace muchos juicios precipitados acerca de la gente, en su vida y en sus cartas. Ella misma viajó mucho, y era una persona que pensaba de manera independiente, además de ser muy, muy observadora. Así que le da todos esos atributos a Poirot”.

El diseño del bigote de Poirot fue un componente clave para encontrar al personaje. Branagh dice: “Nos llevó varios meses diseñar el bigote —Carol Hemming [Diseñadora de peinados y maquillaje] estuvo detrás de ello, y se le ocurrió una referencia brillante. Comenzamos con esta descripción de Agatha Christie cuando se refirió a Poirot como alguien que tenía los mostachos más espléndidos de Inglaterra. Así que “mostachos” fue una clave. Sabíamos que se refería a ellos en sentido antiguo, pero la idea de Carol fue que casi debía de existir este efecto de bigote doble. Tenía que ser así, porque Christie no dejaba de usar las palabras “majestuoso, inmenso”. Fue casi como una máscara. Era el superpoder de Poirot. Mantenía a la gente a raya. Su apariencia precisaba ser por sí misma agradable desde un punto de vista estructural y de lujo, y necesitaba provocar una gran impresión. Tenía que ser así, porque las reacciones de los personajes ante él en la historia y en muchas otras, requerían de ello”.

Después de la etapa inicial de diseño, comenzaron a hacer pruebas del bigote en Branagh. Fue un ensayo retador según lo que recuerda el director: “No dejábamos de preguntarnos todo el tiempo si el bigote hacía lo que se necesitaba para el personaje. Y en un misterio de asesinatos, con un hombre como éste, el mostacho está haciendo por ti en gran medida la labor de pensar la mayoría del tiempo. Así que sabíamos que era un tema de suma importancia”.

El hombre debe portar los atuendos, y los atuendos le deben quedar al hombre. En cuanto a su guardarropa, Branagh comenta: “Poirot no sería un dandi en el sentido de portar colores extraordinarios, o tener una cantidad inmensa de ropa, o andarse cambiando de manera constante, pero sí sería preciso en extremo, y sabíamos que el diseño de todos los trajes (no son muchos, debido a que está viajando) sería preciso y categórico, y eso trajo consigo un proceso constante de reajustes. Pasamos mucho tiempo pensando qué haría con sus manos —¿usaría bolsillos de chaleco?, ¿qué tanto iba a usar el bastón?, ¿cuán largo iba a ser éste? Por todos lados había algo que podrías esperar de la época, como un reloj o una cadena de reloj, y todo se hizo de manera muy concreta, con una especificidad inspirada en Poirot. Lo mismo sucedió con la forma en la que se pone sus corbatas; insistiría, al igual que con el bigote, en el grado del nudo, dónde se asentaría y que quedara de igual manera todos los días”.

Así como en gran medida el personaje está fascinado por la alineación y la perfección de la simetría, la creación de Poirot se convirtió como en la de un reloj clásico: distintivo, puro y con una precisión absoluta. “Estábamos buscando una apariencia inmensamente precisa, culta, fresca, nítida y pulcra, y encontrar en esos diseños y colores un tipo de elegancia eterna”, acota Branagh.

El impecable ojo de la diseñadora de vestuario Alexandra Byrne para esta apariencia exacta mejoró de manera dramática la presencia de Poirot en pantalla. “La primera plática que tuvimos fue acerca del bigote, así que eso comenzó con Ken y Carol Hemming, y ayudó a definir el personaje”, comenta Byrne. “Después me sumé a la conversación, en la que Ken estaba convencido de que Poirot debía tener antecedentes militares. Hicimos mucha investigación de lo que eso significaba; ser belga con un historial militar específico. Nos enfocamos en su vanidad para que fuera una ‘vanidad de precisión’, en vez de una vanidad ostentosa —sentimos que Poirot habría desarrollado un estilo de traje que sólo le funcionara a él. No está interesado en la moda —tiene su estilo propio, tiene su sastre, y es con él con quien va. Tiene dos trajes del diario y uno de noche, que sería lo apropiado para un hombre de su clase. Son bellos y han sido perfeccionados hasta la precisión que él siente es la correcta, y cuenta con esta simetría y pulcritud absolutas, así que cuando se involucra en una pelea y su cuello se desordena o un botón se desprende, eso es muy inquietante e inaceptable para él”.

Para actualizar la versión de Branagh de Poirot, había espacio para hacerlo más ágil que en representaciones previas. Igual de inteligente, pero con un toque más muscular y diestro. Les presentamos al coordinador de dobles de riesgo James O’Donnell: “Pasé algún tiempo pensando en cómo podíamos involucrar a Poirot en la acción sin que tuviera que destacar mucho ante un público”, recuerda O’Donnell. Después de haber platicado con Ken, quería que Poirot fuera un experto en Aikido con su bastón, que fuera magistral, no sólo en su forma de analizar e interpretar los crímenes, sino también en su manera de pelear. No lo haría mano a mano, sería inteligente, como David vs. Goliat, que le venía muy bien al personaje”.

EL GÁNSTER (“Edward Ratchett” – Johnny Depp)

Si bien muchos de los personajes en la película están forcejeando con las fronteras entre el bien y el mal, Ratchett, en apariencia, es el único personaje malvado por naturaleza en el tren. “Ratchett es un gánster, de poca monta supuestamente, que va en el tren con su secretaria y su mayordomo”, comenta Kenneth Branagh. “Tiene dinero, pero no tiene la conciencia tranquila”.

Ratchett está perturbado e inquieto, ya que alguien está tras él, y de esto se entera gracias a una serie de notas provocadoras y mensajes amenazadores que son encontrados en el tren. Busca la ayuda de Poirot, pero la conversación que tienen entre ellos no es fácil. En cambio, las audiencias podrán ver que Ratchett no va a tener un viaje fácil en el Expreso de Oriente.

“Desde el primer momento en que Ratchett es presentado en la historia, puedes ver su sensación de paranoia y su urgencia por hacerse amigo de Poirot y protegerse”, comenta Depp. “La elegancia del tren, el fanfarroneo de gánster de Ratchett, combinados con su confianza repulsiva, son la culminación de un personaje extremadamente convincente y divertido de interpretar”.

Branagh describe lo que Depp aportó: “Un glamur maravilloso y sórdido a este mafioso agudo, evidentemente peligroso e inteligente. La actuación de Johnny es sombría, peligrosa y muy divertida”.

“De muchas formas, es la antítesis de Poirot, lo que hace que sus intercambios sean muy tensos”, comenta Depp. “Ratchett quiere el respeto de Poirot, pero nunca lo va a obtener”.

RATCHETT
Tú eres el mundialmente famoso Hercule Poirot. Vengador de los inocentes. ¿No es así como te llaman en los periódicos?

POIROT
¿Y tú eres inocente?

RATCHETT (ríe)
Eres muy simpático.

“Johnny Depp irradia carisma, encanto y confianza, y es la coestrella más amorosa, placentera y divertida que pudieras imaginar”, agrega Josh Gad. “Y después se puede convertir en este personaje como Ratchett, quien es el polo opuesto en todos los sentidos, y eso es increíble de ver. Ya se ha vuelto costumbre que cada vez que Johnny crea un nuevo personaje, te emociona ver cómo se va a ver. Cada uno posee muchas capas, física y emocionalmente —es capaz de caracterizarlo de una manera muy específica”.

EL ASISTENTE (“Hector MacQueen” – Josh Gad)

Hector MacQueen es el secretario de Ratchett y un individuo muy nervioso. Ha viajado mucho y es erudito, un abogado calificado y que habla varios idiomas de manera fluida, pero no es un hombre feliz, y es propenso al exceso. “Parece que bebe y fuma un poco más de lo que es bueno para él, pero luce intranquilo”.

El papel fue una desviación para Gad, quien entiende la dinámica entre MacQueen y Ratchett. “MacQueen es un tipo complicado”, dice Gad. “Tiene una historia que parece ser demasiado obvia, pero después está todo lo que hay detrás de ella. Es como una especie de esclavo de Ratchett. Es un secretario tembloroso e inseguro de su jefe bastante abusivo, que espera mucho de él y le exige todavía más”.

“Josh tiene un naturalismo fantástico en el papel. Sabemos cuán divertido puede ser, y desde luego también es bastante musical”, comenta Branagh. “Aquí, interpreta a su personaje con una gran simplicidad y vulnerabilidad. MacQueen es alguien que siente, hasta cierto punto, como si algún daño o algunas heridas le han ocurrido en la vida, que Josh, a través de su actuación, parece interpretar de una manera que no le pesan. Lo hace muy intrigante, y hace del trío conformado por Ratchett, Masterman y MacQueen un grupo muy unido, pero también uno en el que hay conflictos. Son un trío emocionante”.

Al hablar del personaje con Branagh, Gad explica la cantidad de antecedentes que eran necesarios para personificar de manera genuina a MacQueen. “Nos fijamos mucho en los detalles que hacen a este hombre y cómo fue su crianza — ¿de dónde viene? ¿Cómo llegó hasta este lugar? La belleza de esta película es que crees saber lo que sabes, pero en realidad no sabes nada. Y MacQueen es sólo una pieza del rompecabezas”.

EL MAYORDOMO (“Edward Masterman” – Derek Jacobi)

Masterman es el mayordomo leal de Ratchett. Parece ser totalmente obediente y servil —muy inglés y muy educado. Pero en manos de Derek Jacobi es interpretado más como un oficial del ejército con una fanfarronería populachera y de comportamiento práctico.

“Entendemos que Masterman puede ser muy amable y muy solícito”, comenta Branagh. “Y es muy estricto al momento de ejecutar sus labores, pero también nos enteramos de que también tiene algo de tipo duro en él. Es un hombre con un bello signo de interrogación sobre su cabeza”.

Jacobi y Branagh han colaborado en múltiples ocasiones en teatro y producciones de cine. Cuando le pidió que interpretara a Masterman, Jacobi aceptó sin vacilar. “Es un personaje interesante”, comenta Jacobi. “Durante la guerra fue asistente, y después ayudante de cámara, y ahora es ayudante de cámara de un personaje bastante desagradable, Ratchett. Masterman es un poco reservado, pero también está muy enfermo, quizás a punto de morirse, y también tiene un grado de venganza en algún lugar de su psique”.

“Derek tiene la habilidad de interpretar y sugerir múltiples capas de dimensión a ese tipo de persona”, explica Branagh. “Derek proviene del East End [de Londres], así que fue agradable para él interpretar a un mayordomo inglés, no como un tipo de personaje constipado, sino más como una especie de individuo dispuesto a hacer el trabajo duro, que pudiera cuidarse a sí mismo y a su amo, de tenerlo que hacer”.

A petición de Branagh, Jacobi interpretó el papel con un acento del este de Londres. “Lo disfruté bastante”, comenta Jacobi, “ya que creo que en ocasiones soy considerado un poco sofisticado como actor, sabes: clásico y Shakesperiano, ¡así que fue muy agradable poner ocasionalmente los pies en la tierra!”.

LA VIUDA (Caroline Hubbard – Michelle Pfeiffer)

Michelle Pfeiffer deslumbra como Caroline Hubbard —un tipo de personaje que Agatha Christie conoció en sus propios viajes, y que con frecuencia es bastante despiadada al momento de describirla.

“Hubbard es una caza-maridos”, acota Pfeiffer. “Al menos eso dice. En ciertas formas, es una mujer solitaria, bastante dulce y amable, y con frecuencia divertida, pero puede ser muy enérgica, y ante algunas personas un poco irritante e intensa. Fue divertido meterme en sus zapatos”.

“Michelle representa el tipo de soledad interna que Agatha Christie conocía bien”, comenta Branagh. “Así como los retos de ser una mujer solitaria y viajar en circunstancias difíciles. Una vez a bordo del Expreso de Oriente, con todo su glamur y en la época dorada de los viajes, fue distinto. Pero viajar al Medio Oriente en aquella época era una cosa desafiante. Y así, la osadía, esa pionera que fue Christie, está reflejada en Christine Hubbard. Y con Michelle Pfeiffer, quien es una comediante tremenda, puedes apreciar un sentido maravilloso de diversión”.

“Lo que buscas en un papel es que tenga rango”, comenta Pfeiffer. “Donde haya humor y ligereza, y después ver en qué momento cambia. Quieres construir para lograr esos momentos. Y, para mí, esa fue una de las fuerzas impulsoras cuando me uní al proyecto. Y la época…el guardarropa fue mágico y muy elegante. Hay una apreciación tal por el estilo y el glamur, que cuando te llevas esa sensación después de haber visto esta película”.

La diseñadora de vestuario Alexandra Byrne describe vestir a Hubbard como: “La más divertida y la más desafiante, porque está descrita como una mujer a quien escuchamos venir antes de que incluso entre al cuarto, y que es demasiado grande para el espacio. Eso es muy difícil de conseguir en una película porque se trata de crear un personaje con muchas contradicciones, que no todas te llevan a una misma dirección. Ella deber ser creíble —extraordinaria, pero creíble. Cuando la conocemos por primera vez, debemos de creer en ella y nos tiene que agradar y tenemos que apostar en ella”.

LA MISIONERA (Pilar Estravados – Penélope Cruz)

Pilar Estravados es el nombre de un personaje que aparece en otra historia de Poirot, Hercule Poirot’s Christmas. Sin embargo, es sólo su nombre, y no las características de su personaje, ¡lo que se ha tomado “prestado”!

“En nuestros intentos encantadores y deliciosos por sorprender a la gente con la trama, y después de consultarlo con Agatha Christie Limited, que es el guardián de su obra, le permitimos al personaje de Greta Olson hacer una salida, y al personaje de Pilar Estravados hacer una entrada”, comenta Branagh.

Penélope Cruz interpreta a la apasionada e intensa misionera con un fervor por viajar a todos lados y hacer lo que pueda para mejorar un mundo imperfecto —tanto de manera espiritual como filosófica. En ella se puede apreciar tanto dedicación como misterio:

“Al principio de la historia no sabemos mucho acerca de Pilar”, reconoce Cruz. “Sólo que parece ser muy religiosa porque camina por todos lados con su biblia y su cruz, y le encanta hablar de Dios y de las razones por las cuáles es tan importante en su vida. Pero sólo comparte algunas de ellas. Tiene una cicatriz y piel que ha sido dañada por quién sabe qué. La cicatriz representa su trauma más grande y la ha hecho convertirse en una persona distinta. Cuando el trauma sucedió, cambió su estilo de vida de muchas maneras. Es una persona muy lastimada y está encontrando alivio y una razón para vivir al ayudar a otras personas y convertirse en misionera”.

Considerada con frecuencia como una de las mujeres más bellas del mundo, en esta película Cruz interpreta a un personaje que parece inclinado a ocultar su belleza. La apariencia y sentir de su personaje es austero y solemne.

La diseñadora de vestuario Alexandra Byrne fue capaz de revelar al personaje de Pilar a través de su vestuario, como aquí lo explica. “Es una mujer que quiere negar cualquier feminidad, así que sus atuendos deben de tener una condición práctica. De una casa de vestuario en Canadá, conseguí algunas piezas; tenían estas bragas de viaje asombrosos y robustas, y parecían perfectas, ya que para que una mujer de la década de los ’30 usara pantalones era toda una manifestación de moda, pero estas bragas parecían ser un balance perfecto de pragmatismo y un artículo asexual de vestir”.

EL PROFESOR (Gerhard Hardman – Willem Dafoe)

El arrogante profesor Gerhard Hardman molesta a sus compañeros de viaje casi de inmediato. Sus visiones políticas, conforme son reveladas, les parecen odiosas a los pasajeros, pero le tiene muy sin cuidado lo que sientan. En cambio, Gerhard es muy particular en cuanto a dónde duerme, qué come y lo que hace.

“Gerhard tiene un tema favorito del qué hablar, que es de sí mismo”, bromea Branagh. “Es un provocador y un individuo peligroso, porque es un catalizador para hacer que otra gente discuta, y en ocasiones provoca que a raíz de ello entren en conflicto”.

Para interpretar a este personaje complejo, Branagh recurrió al actor nominado al Oscar Willem Dafoe. “Willem tiene una facilidad para hacer agradables a personas desagradables”, comenta Branagh. “No tiene miedo de caer en esa trampa. Es un placer verlo liberarse de situaciones, una vez que es atrapado”.

“Cuando conocemos a Hardman, es un profesor austriaco de ingeniería que está en camino a Turín para dar un discurso del uso militar del Bakelite”, comenta Dafoe. “Es un hombre que expresa opiniones que con frecuencia son ofensivas para los demás pasajeros, porque está muy consciente del lugar, la jerarquía y la raza. Dado que es 1934, en Europa, es bastante conservador; un tipo bastante serio y alguien a quien no hay que perderle la vista”.

Poirot parece darse cuenta de que hay un juego que Hardman está jugando, pero la cuestión es, ¿por qué lo está haciendo? Al ser de los primeros sospechosos, Poirot parece monitorear cada sílaba que sale de las bravatas de Hardman.

“Un punto clave en la historia es que los personajes no son lo que parecen ser, y Hardman no es la excepción”, comenta Dafoe.

LA CONDESA (Condesa Andrenyi – Lucy Boynton)

La Condesa Andrenyi está casada con el Conde Andrenyi, y ambos son bailarines de balé. Él es húngaro y sus antecedentes no son del todo claros. Lo que es evidente es que ella tiene algún tipo de adicción o perturbación que la mantiene fuera de la vista de los viajeros a bordo del Expreso de Oriente. Hace unas cuantas apariciones, pero cuando las hace son dramáticas y reveladoras.

“Lucy, quien es una actriz muy bella y talentosa, encontró una manera de habitar la soledad y aislamiento de este personaje, y nos mantuvo intrigados por saber a qué se debía eso”, comenta Branagh. “La vemos al principio y estamos muy interesados por saber más acerca de ella, y después se nos impide ese acceso, por la historia y por Agatha Christie, lo que incrementa nuestro deseo por saber más. Cuando la llegamos a ver se intensifica el impacto. Y Lucy logra darle cierta jocosidad al personaje, incluso en una parte muy siniestra de la historia, y en particular ante Poirot, a quien ella considera una persona absolutamente ridícula”.

“El Conde y la Condesa son ambos bailarines de balé ilustres, y si bien en los últimos años a la Condesa le ha dado por consumir cantidades copiosas de sedantes, lo que la hace ser una bailarina un poco grogui”, bromea Boynton. “Tiene una relación hermosa con su marido, interpretado por Sergei Polunin”.

Boynton continúa, “Puedes decir que su relación es muy apasionada y que están muy enamorados, y dependen mucho uno del otro. Desde que se metió a este estado ligeramente somnoliento por su adicción a las drogas, se ha vuelto muy dependiente de él, pero él la trata de manera muy gentil. Es triste verla encerrada en sí misma y en su mundo, pero hay un amor y confianza constantes que se puede apreciar”.

Boynton estaba ansiosa por sumergirse en la preparación para el papel: “Comencé a tomar clases de balé, porque ambos son bailarines de balé —aunque no la ves bailar porque está muy adormilada e inestable para cuando la conocemos. Yo sólo quería las bases para su postura y andar, y así no sentirme terriblemente apenada al pararme al lado de Sergei. Y esto me resultó muy informativo, ya que me ayudó a darle vida al personaje y construirlo de mejor manera”.

Los atuendos de Boynton para la Condesa fueron hechos de bellas telas antiguas, aunque no siempre queda del todo claro qué tipo de ropa está usando y por qué:

“Debido a que la Condesa también es nocturna, como resultado de su adicción, los atuendos que porta son tanto de día como de noche —así que no puedes descifrar con claridad si está en piyamas o en un satín espectacular de dos piezas”, comenta Boynton. “Ha sido muy divertido conjuntar todo el guardarropa y todo un sueño al momento de usarlo”.

EL CONDE (“Conde Andrenyi” – Sergei Polunin)

El Conde Andrenyi es un reconocido bailarín, y Branagh afirma que “fuimos muy afortunados” en contar con Sergei Polunin, quien es un bailarín soberbio. La capacidad de Polunin para un cierto tipo de movimiento, en especial a través de una violencia que vemos expresada en este personaje, lo hace muy diferente.

“Andrenyi es muy protector de su esposa y siente cada paso que da ella”, comenta Polunin. “Están a punto de separarse porque ella tiene un problema que debe resolver —él sólo quiere que las cosas mejoren para ella. Su mujer es una fuente de luz en su vida y él no quiere que ella se vaya a la oscuridad”.

“Te llevas una sensación genuina de la clase de intérprete que es”, comenta Branagh. “En cuanto a su manera de moverse, cuenta con gracia, peligro y destreza, que es muy excitante y muy perturbadora”.

Con sus antecedentes como bailarín de balé, el papel de Andrenyi representó la primera incursión de Polunin en la actuación. Polunin disfrutó encontrar su personaje con el director Branagh y su coestrella Lucy Boynton.

Polunin explica: “Kenneth es muy preciso con lo que quiere y te hace preguntas interesantes para conseguirlo, tales como ‘¿En qué soñó Andrenyi? ¿Cuál es su pasado? ¿Qué es lo que siente por su esposa?’ Para mí, fue muy interesante desarrollar el personaje de esta manera, ya que nos dio libertad artística”.

“Sergei le aporta al papel un refinado talento en la interpretación y una presencia física memorable, además de intriga y un atributo sombrío y muy romántico”, acota Branagh. “Tiene este tipo de congoja eslava, que te hace sentir de manera intensa que, si te llegas a acercar a su mujer, por poco que lo hagas, habrá problemas. Y este problema se pone en marcha porque Poirot los investiga”.

Lucy Boynton añade: “Nunca hubiera pensado que este era el primer trabajo de Sergei como actor, porque tiene una serenidad hermosa, una gran compostura y toda la disciplina que viene cargando por ser bailarín. Es un compañero brillante con quien intercambiar diálogos y jugar con él”.

LA PRINCESA (Princesa Natalia Dragomiroff – Judi Dench)

Cuando conocemos a la princesa Dragomiroff, estamos ante la presencia de un miembro de la realeza rusa, que parece estar pasando un mal momento por abordar el vagón de pasajeros de Calais, porque para sus estándares se siente como algo inferior. En este papel encontramos a la legendaria actriz Judi Dench.

“Creo que Judi Dench se la pasó genial interpretando la arrogancia imperiosa, despectiva y superior de Dragomiroff, y la suma indignación de lo que pasaba a su alrededor, que nunca fue como a ella le hubiera gustado”, agrega Branagh. “Nunca lo suficientemente rápido. Nunca lo suficientemente pronto. Nunca lo suficientemente caliente. Nunca lo suficientemente agradable. Y cuando no se estaba quejando de lo que no era correcto, estaba exigiendo que cuidaran a sus perros. Nos brinda la oportunidad de ver un personaje que es muy severo e intimidante, pero también travieso y divertido. Judi Dench es alguien que puede jugar con todas esas cosas con un gran deleite. Al mismo tiempo, es tremenda, ya que como puede ser divertida, también puede ser muy secreta y disimulada”.

La diseñadora de vestuario Alexandra Byrne se sentía honrada por crear los atuendos para Judi Dench. “Lo maravilloso acerca de Judi es que tiene estos asombrosos ojos resplandecientes, y para interpretar a una princesa se requiere de mucha joyería, que bien pudo sacar de Rusia durante la revolución y a la que quizá y le dio un propósito nuevo”, comenta Byrne “Adopté una línea sencilla para su guardarropa para que la joyería y su mirada pudieran brillar”.

LA CRIADA (Hildegarde Schmidt – Olivia Colman)

En la película, una de las múltiples dinámicas personales que hay en juego es la relación entre el sirviente y el amo. La vemos con Ratchett y MacQueen, así como con la princesa Dragomiroff y su criada, Hildegarde. Agatha Christie, a través de Poirot, está explorando de manera constante las complejidades de estas relaciones.

Hildegarde Schmidt trabaja para la princesa Dragomiroff como su criada. Cocina para ella, lidia con su guardarropa y con su aguda personalidad, que es quejarse de manera constante, como parece. Es de piel dura, tan dura, que, como Branagh describe “no se sentiría deshecha o aplastada por lo que probablemente la mayoría de la gente se sentiría denigrada”.

Hildegarde es respetuosa e inteligente sin lugar a duda, pero es callada. Es discreta a un grado tal que te lleva a preguntarte si tiene mucho que esconder. Poirot se cuestiona, “¿Acaso sabe algo que nosotros no?”.

“Hildegarde tiene un tipo de fuerza secreta y oculta, o, me atrevo a decir, ¿tendrá pruebas contra la princesa?”, comenta Branagh.

Para darle vida al papel, Branagh recurrió a la aclamada actriz Olivia Colman. “Las aguas tranquilas son profundas”, indica Branagh. “Y, desde luego, con Olivia Colman, aunque esté en reposo, puedes ver que está escuchando, y te sientes intrigado y obligado a verla”.

LA INSTITUTRIZ (Mary Debenham – Daisy Ridley)

Daisy Ridley se une al ilustre ensamble en el papel de Mary Debenham, una institutriz con una afición por la fotografía.

“Agatha Christie me parece que es una mujer muy moderna”, comenta Branagh. “De verdad, todo acerca de su biografía es pionero, y Daisy es una persona aguda, inteligente, divertida, comprometida, interesada y curiosa. Siento que tiene ese apetito por el interés en otras personas y cosas. Daisy le aporta eso al personaje, le aporta esa energía a Mary Debenham, al crear una apariencia y pensamiento muy de vanguardia, y bastante nuevo, osado e individual”.

Daisy Ridley añade: “Cuando conocemos por primera vez a Mary es un espíritu libre, que está viajando, aparentemente sola; es una institutriz a la que le gusta tomar fotos. Al inicio de la película tiene un intercambio maravilloso con Poirot y eso genera una dinámica agradable entre ellos, que continúa hasta el final”.

“Creo que el personaje de Mary Debenham es quizás lo más cercano a una versión de Agatha Christie”, sugiere Branagh. “Tiene la edad aproximada que Agatha Christie tenía cuando hizo una de sus giras mundiales, con su primer esposo —la gira en la que aprendió a surfear en Hawái; hasta donde sé, la primera mujer inglesa en hacerlo. Esto le dio a Christie el tipo de vigor y espíritu pionero e intrépido que le infunde a Mary Debenham. Y Daisy Ridley le aportó una modernidad tremenda”.

EL DOCTOR (Dr. Arbuthnot – Leslie Odom, Jr.)

En un viaje ordinario, el papel de Leslie Odom, Jr. como el Dr. Arbuthnot sería el de un tipo de defensor o pilar en el tren, como suelen ser los doctores. En situaciones difíciles, recurren a ellos para que sean la voz profesional de la razón, siempre con una palabra compasiva y orientadora. Pero este viaje está lejos de ser ordinario.

“Arbuthnot es un ex soldado, y ahora es doctor”, comenta Odom, Jr. “Trabajamos de manera muy ardua para ser lo más específicos que pudiéramos con esto; quién pudo haber sido este hombre de raza negra para poder lograr lo que consiguió, lo que debió de haber pasado para llegar al lugar en el que se encuentra y cuáles pudieron haber sido las circunstancias de su vida para poder tener un apellido como el de Arbuthnot”.

“Leslie Odom, Jr. tiene esta intimidad, calidez y compasión maravillosas, e interpreta al personaje con una gran ternura y sensibilidad, una vez que le aporta al Dr. Arbuthnot lo que bien podrías esperar de un doctor, pero también tiene en gran medida el alma de un romántico”, ofrece Branagh. “Ese carácter romántico es algo que pudiera estar en juego, y al servicio de uno de los otros personajes en el tren, pero hasta ese punto tiene que esconderlo. Su raza en aquella época es algo que la historia explora, y Arbuthnot tiene que mostrar el valor de ser diferente en una situación difícil, y defenderse, en sentido literal y filosófico. Se convierte en un personaje fascinante y complejo, que es parte fundamental de la acción”.

Los vastos antecedentes le daban a Odom, Jr. la oportunidad de colaborar en el pasado de su personaje con Branagh, Carol Hemming, diseñadora de peinados y maquillaje, y Alexandra Byrne, diseñadora de vestuario.

“Alexandra fue maravillosa en su investigación cuando se trató de encontrar fotos e información que podíamos tomar de la vida de un grupo de personas, para hacer que la vida de Arbuthnot fuera tan específica y espléndida como nos fuera posible”, comenta Odom Jr. “Es ex militar”, añade Byrne, “que porta confección inglesa, pero un hombre que no siempre ha tenido mucho dinero a su disposición, y creo que al ser de raza negra y doctor debería de ser muy correcto, y no querría romper ninguna regla o pasarse de la raya. La cosa más importante del estilo inglés de vestir en aquella época era que no excedieras los límites de tu clase”.

EL ADMINISTRADOR (Bouc – Tom Bateman)

Tom Bateman ha trabajado con The Kenneth Branagh Theatre Company en la temporada del teatro Garrick, donde actuó en The Winter’s Tale y Harlequinade, y se sintió honrado por haber tenido la oportunidad de hacer el papel de Bouc, quien, como Bateman explica, ha sido reinterpretado de su encarnación original en la novela de Christie: “En el libro es coetáneo de Poirot. Supuestamente tienen la misma edad, es francés, y son estos dos hombres mayores que hablan y se ríen del mundo. Le hemos dado vuelta a eso con el fin de darle una dinámica interesante, en la que un hombre belga mayor y un inglés más joven se profesan un cariño agradable. A mi consideración, tienen una perspectiva común del mundo —ambos ven lo bueno y lo malo en todos— y es ahí donde coinciden”.

Branagh también reconoce la amistad que hay entre Poirot y Bouc: “El Sr. Bouc es el administrador del Expreso de Oriente, y, cuando lo conocemos, no está en lo absoluto involucrado en la administración. Está involucrado en el esparcimiento…con una joven con la que está pasando poco tiempo, pero de calidad, en la cocina del restaurante Kiraz, justo antes de abordar el Expreso de Oriente. Sin embargo, está fascinado por haber encontrado a su viejo amigo Poirot, un compañero inusual, pero con quien comparte un respeto mutuo. Poirot le tiene un gran cariño. Bouc es la vida y alma de la fiesta. Durante el transcurso del filme, su inocencia le es arrebatada, al volverse responsable de manera repentina de un tren en el que un crimen muy violento se ha cometido, y que se encuentra varado en las montañas. Es una crisis para él, que lo podría llevar a perder su trabajo, y si este asesino se mantiene libre, hasta su vida”.

“Bouc es un vividor, un amante de la vida y tiene un trabajo maravilloso”, explica Bateman. “No tiene credenciales, pero puede encantar a la gente y hacerla sentir cómoda y emocionada, hasta que el asesinato sucede en el tren y después conocemos repentinamente un lado distinto de él”.

Desde la ligereza y frivolidad de las escenas iniciales en las que pasajeros abordan el Expreso de Oriente a la gravedad del asesinato, Bouc pasa por un arco de personaje que está muy influenciado por Poirot. Comienza a preocuparse por cosas que quizás y al principio de la historia no se hubiera fijado en ellas.

“La actuación de Tom Bateman tiene un encanto maravilloso, sencillo, grácil y refinado, y después una seriedad que nace de tener que enfrentar una situación muy sombría, y analizarla por lo que representa”, comenta Branagh. “Es una actuación encantadora, y las escenas que compartimos son muy naturales e instintivas”.

EL CONDUCTOR DE TREN (Pierre Michel – Marwan Kenzari)

Pierre Michel de Avignon es el conductor de tren y, sin querer, es arrojado al papel de un sospechoso, a pesar de que se siente engañado por haber estado en servicio toda la noche en la que el asesinato se pudo haber cometido, y del que seguramente fue testigo.

“Pierre Michel carga con congoja y dolor, una vez que su madre, y no mucho tiempo antes, su hermana, fallecieron. Es un personaje que sufre de una profunda tristeza, y que intenta hacer un trabajo bajo presión”, comenta el actor holandés Marwan Kenzari.

“Entre lo que aportó, Marwan pudo cargar con ese tipo de ternura y podía ser sensible sin sentirse débil”, comenta Branagh. “También dio la impresión de estar muy orgulloso de su trabajo, como conductor del Expreso de Oriente, y, por ende, sentir un tremendo shock y terror profesional al ser acusado potencialmente de estar involucrado en un crimen”.

Kenzari añade: “Pierre Michel es el conductor del tren que se encarga de los clientes de primera clase en el vagón de pasajeros de Calais, donde se lleva a cabo la mayor parte del filme. Ha formado parte de la compañía desde hace mucho tiempo y se toma su trabajo con seriedad. En mi imaginación, yo lo vería pasando la mayoría de su tiempo en el trabajo. Es una pieza importante en esta cadena de eventos extraordinarios porque tiene acceso a todos los compartimientos, y eso lo convierte en una materia prima valiosa”.

LA PISTA FALSA (Biniamino Marquez – Manuel García-Rulfo)

Biniamino Marquez, interpretado por Manuel García-Rulfo, es otro personaje nuevo que ayuda a despistar a la audiencia, en especial a aquellos que quizás crean conocer la historia.

Marquez parece guardar un secreto. No es del todo honesto y eso se puede apreciar de manera evidente desde un inicio, lo que hace que se convierta rápidamente en un objetivo de la mirada atenta de Poirot.

“Hemos tenido la oportunidad de modificar unas cuantas cosas para hacer lo que Agatha Christie siempre quiso hacer, que fue mantener a la gente suponiendo hasta el mero final”, comenta Branagh. “Y Manuel García-Rulfo es un actor estupendo, quien tiene una calidez y amabilidad maravillosas. Y brinda una actuación adorable, en la que mantiene a la audiencia, y a Poirot, preguntándose de manera constante si es el hombre genuino y compasivo que creemos que es, o que quizás y no sea todo lo que parece”.

EL DISEÑO DE PRODUCCIÓN DE ASESINATO EN EL EXPRESO DE ORIENTE

Las nubes de humo que provienen de la máquina del tren. Los inmensos montones de nieve que se aproximan de manera ominosa hacia los raíles del tren. El centelleo de la plata fina en el vagón del comedor. Las maderas finas, la piel y la porcelana que adornan el vagón de Calais. El descorche y el verter de la champaña Veuve Clicquot. Un solo disparo de un arma.

Estas son unas cuantas imágenes indelebles que permean la producción espléndida de Asesinato en el Expreso de Oriente.

Para los aficionados de Agatha Christie, la producción te lleva por todas las facetas del notable tren. Para los que no conocen, podrán saborear cada detalle de una locación que capturó la atención del mundo hace más de 80 años.

“La apariencia de la película es grandiosa, con elecciones brillantes de locaciones, en cuanto a que no todo se desarrolla en el tren”, comenta Derek Jacobi. “Hay muchas cosas que suceden fuera de la máquina”.

“Ken quería entrevistar a cada personaje en una locación distinta, adentro y afuera del tren. Creo que lo que quería era esta idea de que el tren estuviera varado, que no pudiera ir a ningún lado, y que pudiéramos jugar en él y en sus alrededores”, comenta Tom Bateman. “Así que nos pusimos por debajo del tren, a un lado, corriendo a través de él e incluso encima de él”.

Para Branagh, el equipo creativo a su alrededor es de suma importancia para mantener el nivel de detalle y precisión que siempre busca. Explica: “Lo mejor de haber trabajado con un grupo de personas en diversas ocasiones es que forjas un entendimiento, una especie de taquigrafía, y artistas como Carol Hemming, Alexandra Byrne, Haris Zambarloukos y Jim Clay están interesados en la narrativa, desde la perspectiva de su oficio en particular”.

El diseñador de producción Jim Clay estaba fascinado ante la posibilidad de trabajar en la película e inyectarle nueva vida. Explica: “Es una historia complicada y, en esencia, una historia sedentaria, al desarrollarse en un tren varado. Pero sabía que el reto era actualizarla y ayudar a incrementar el drama tanto como me fuera posible; darle algo de vida a ese tren. Así que las primeras conversaciones que tuvimos fueron acerca del lugar donde había quedado varado el tren después de la avalancha. Está escrito como un desfiladero, pero extendimos esa idea para que estuviera en un viaducto. Era evidente, en el guión, que Poirot iba a ser un personaje más joven y ágil, y había secuencias de persecución, que incorporamos al viaducto, y esto provocó que de inmediato comenzaran a fluir los jugos creativos…no es difícil cuando cuentas con esta calidad de escritura y el conocimiento de lo que este director ha hecho en el pasado —sabes que estás comenzando con el pie derecho”.

Leslie Odom, Jr. ha trabajado de manera extensa en teatro y estaba muy impresionado con el nivel de detalle en el diseño de producción del filme. Explica que, en el teatro, “es acerca de dar un salto de fe, es acerca de llenar los huecos que faltan. Pero en el cine, gran parte de ello es acerca de esa atención al detalle. Cuando estás lidiando con gente que sabes que está pendiente de cada servilleta y cristal, de todo el lino en la mesa y cada pieza de porcelana, se siente como si viajaras en el tiempo cada vez que entras a un set, y sientes cómo una gran parte de tu trabajo ya ha sido hecha para ti. Sólo pasas a habitar el espacio”.

FILMAR EN 65MM

El nivel de detalle fue de particular importancia, una vez que la película fue filmada en 65mm, un formato que amplifica cada elemento del proceso de realización cinematográfica.

“En nuestra era digital, es cada vez más raro que las películas sean filmadas en celuloide, y cuando sucede, es por lo general en 35mm”, comenta Branagh. “Nosotros rodamos en 65mm. Así que, en términos crudos, es casi el doble del tamaño de un negativo de 35mm. Te permite alcanzar otro nivel de definición en el color y en el rango de los tonos y los contrastes de la película, que, si te gusta el cine, algunos podrán debatir, se asimila más a la experiencia del ojo humano cuando ves las cosas. En esencia, significa que se ve más nítido, vasto y colorido, y sientes como si formaras parte de lo que estás viendo. Eso es lo que el formato de 65mm hace para mí, y quería subir a la audiencia a ese tren. Esa es la razón por la cual elegimos ese formato”.

Para el productor ejecutivo Matt Jenkins, el reto de filmar en 65mm fue aún de más largo alcance. Explica: “Es muy raro ver en estos días que la gente filme, incluso en 35mm, así que nosotros lo llevamos un paso más allá y encontramos el formato para cine más grande que pudimos. Desde un punto de vista de producción, fue muy desafiante porque no hay laboratorio en el Reino Unido que procese la película; el único laboratorio que existe está en Los Ángeles, y el estudio se oponía de manera tajante —con toda razón— de que nuestro negativo tuviera que cruzar la mitad del mundo cada noche. Así que, al final, abrí un laboratorio en Londres, a través de Kodak, que es el primer laboratorio de 65mm que hemos tenido en el Reino Unido quizás en poco más de 30 años. Esto debería ser de gran beneficio para ayudar a que la industria progrese, y eso ayudó a que el estudio se sintiera más tranquilo de que nuestro negativo no iba a tener que recorrer medio mundo todas las noches y que nuestros rushes [copia positiva del negativo de rodaje] iban a estar seguros”.

Jenkins continúa: “Lo que aporta a la película, esperamos, es un auténtico sentido de escala, sensación y emoción. Creo que hemos perdido algo de eso cuando tomamos la ruta digital. Con 65mm puedes ver el doble, así que para gente como Haris Zambarloukos, Alex Byrne y Jim Clay, en sentido estricto, también tuvieron que trabajar el doble, ya que teníamos que iluminar mucho más de lo que normalmente verías. Ahora bien, eso trajo consigo la oportunidad no sólo de construir secciones de la estación de Estambul, sino construirla toda, porque existía la posibilidad de verla completa con un formato de cine tan grande, ya que podíamos llenar cada encuadre y poner en él tanta vida como nos fuera posible”.

La película también se ha hecho de algunas estadísticas dignas de batir récords, como lo explica Jenkins: “Haris y Ken soñaron esta sublime toma en Steadicam, que sería la última de la película. Creo que es un récord mundial para una toma en Steadicam en 65mm, al ser la más larga de la historia. La ensayamos y ensayamos, y pasamos todo un día intentando conseguir la toma, que logramos en el último intento”.

Kenneth Branagh describe el movimiento de cámara: “Una de las partes más intensas de la película, después de haber generado una reacción muy emotiva ante el descubrimiento de quién ha llevado a cabo este acto violento, quién ha muerto, quién ha muerto en realidad, y quién es responsable de ello, es enfrentarte después, en el caso de Poirot, ante una decisión significativa y moralmente compleja con respecto a qué va a hacer al respecto. Y, así, el último compás de la película es una invitación a que la audiencia reflexione lo mismo. De tal forma, tenemos una toma que comienza con Poirot en su carruaje, que después lo sigue por todo el tren hasta el fondo, se cruza con todos los actores —todos y cada uno de ellos—, se da la media vuelta, y nos permite entender qué podría hacer Poirot o dejar de hacer, hasta que la cámara termina por seguirlo fuera de la locomotora. Una vez que se baja en la estación Brod y conoce a un soldado joven que le dice que ha surgido otro problema y quizás otro asesinato que tenga que resolver, es en ese punto que el Expreso de Oriente, dentro de la misma toma, parte. Poirot tiene que decidir si va a regresar o va a investigar el otro asesinato, si creemos que éste ha sido resuelto de manera satisfactoria. Esto involucra muchas partes móviles. Todos los actores, todo el equipo de producción, escondiéndose, en un tren real, que realmente llega y realmente se va, y una toma en Steadicam que duró quizás cinco minutos, con un equipo muy pesado, que termina arriba, en el aire, a 30 metros de altura. Creo que funciona y fue algo muy emocionante de hacer, porque el signo de interrogación al final de la película la provoca”.

CONSTRUYENDO LA MONTAÑA

La película fue filmada principalmente en los estudios Longcross, al oeste de Londres. Un ex sitio de pruebas de tanques del Ministerio de Defensa, el estudio tiene varios foros, una pista de prueba y un lote trasero de gran tamaño, lo que le dio al diseñador de producción Jim Clay una esfera de acción enorme para construir sus sets.

El productor ejecutivo Matthew Jenkins explica: “Trabajar con Jim Clay ha sido una experiencia fantástica porque su visión es insuperable. En esta película tenía una dura tarea por delante, ya que no sólo el 95% de nuestro trabajo fue en el estudio, sino que al filmar todo en 65mm significaba que todo detalle tenía que ser perfecto porque la cámara, a cada minuto, lo ve todo, y, además, lo ve a lo ancho. Así que, Jim construyó un set de 360º con la Estación de Estambul, un bazar de Estambul de 360º, dos trenes exactos y funcionales del Expreso de Oriente y una réplica de la locomotora a gran escala de 30 toneladas, así como un inmenso set del viaducto”.

El escritor Michael Green estaba fascinado de que la escala del filme podía ser amplificada: “Ya de por sí, en la novela original tenemos a un tren atrapado en la nieve. Para el guión, queríamos intensificar las ideas del libro, pero al mismo tiempo honrarlas —no necesariamente cambiarlas, sólo habitarlas de una manera un poco más profunda. Así que, en la novela, el tren queda atrapado en la nieve. En esta película, se vuelve un poco más emocionante en cuanto a que los pasajeros se quedan varados en la nieve en un lugar bastante inestable —un puente de viaducto decrépito, que es el último lugar donde te gustaría quedarte atorado por cualquier periodo, porque nunca dejas de escuchar rechinidos y crujidos de la madera vieja, además de que elimina por completo la posibilidad de escapar”.

Branagh añade: “Es emocionante que Agatha Christie haya elegido este espacio confinado para atrapar a sus personajes. Pero queríamos expandir el rango de esto para ver si, gracias a una avalancha, este tren quedaba atrapado encima de un viaducto, que ya de por sí sería potencialmente precario, y donde hubiera un gran riesgo a lo largo de un tramo de montaña muy elevado para evitar que cualquiera pudiera bajar caminando fácilmente. Eso trajo consigo un par de cosas. Expandió la idea de un diferente tipo de trampa, en cuanto a que no sólo estás atrapado en los vagones del tren y, por ende, en sus pequeños compartimientos, sino también en esta ladera con una vasta cantidad de peligro escarpado a tu alrededor. Esto nos permitió sacar a los personajes y la cámara, y ver un sentido de la escala de este lugar, en el que esta tragedia profunda, sombría, intensa y minúscula estaba sucediendo. Así, Jim Clay respondió de manera brillante ante la idea de hacer el lugar donde el tren queda atrapado, así como el paisaje a su alrededor, igual de emocionante a lo que estaba sucediendo al interior del tren”.

Clay construyó una montaña de diez metros de altura, con extensiones digitales que la hacían ver mucho más alta. Un set de esta magnitud requirió de la participación de ingenieros estructurales en el diseño para asegurar su seguridad, en vista de que el tren descansaría y andaría sobre él.

Matthew Jenkins añade: “Originalmente, el impacto de la avalancha ocurría en un ambiente boscoso, pero al inicio del proceso Jim Clay pensó que sería bueno que nuestra avalancha sucediera en un viaducto. Dado que un gran porcentaje de nuestra película se lleva a cabo cuando el tren ha sido golpeado por esta avalancha, tenía sentido pasar muchos de los recursos y energía en construir este viaducto y hacerlo tan grande y épico como fuera posible. Así, Jim lo diseñó y quizás abarcaba 200 o 300 metros de izquierda a derecha. Encima de ello, colocamos con una grúa nuestros cuatro vagones de tren, además de nuestro vagón de carga, el ténder y nuestra locomotora, que debieron de haber pesado fácilmente 150 toneladas. Después, toda el área fue llenada con nieve de punta a punta, y filmamos en ese set durante muchas semanas, del que obtuvimos un gran valor de producción”.

James Prichard, presidente de Agatha Christie Ltd., visitó el set del viaducto y dijo: “Cuando estás encima del viaducto, de verdad puedes sentir la nieve —sientes que debería de hacer más frío de lo que en realidad hace allá arriba, de lo real que se siente”.

La nieve también fue una proeza logística, como lo explica Matthew Jenkins: “Estuvimos muchas semanas trabajando en ambientes nevados, y no sólo estoy hablando de diez metros de nieve a la izquierda y a la derecha, digo, eran 100, 200, 300 metros hacia un lado y hacia el otro; todo el encuadre lleno de nieve, con nieve cayendo. Dave Watkins tuvo que invertir mucho trabajo en ello, ya que había cualquier variedad de tipos de nieve que caían, desde nieve en polvo a velas de nieve, y hasta humo. Además, cuando estábamos en los foros, tuvo que diseñar una manera de hacer que la nieve se viera pasar por las ventanas sin que hiciera ruido, por lo que construyó un sistema de conducción muy complicado, que corría por todos los foros, para asegurar que el viento y la nieve pasaran por las ventanas de nuestros vagones sin que nadie escuchara que estaba sucediendo”.

El set de la estación de Estambul fue construido en el foro 1 de los estudios Longcross.

“Cuando entramos a ese inmenso foro y todo el interior de la estación de Estambul había sido recreado, fue impresionante”, comenta Lucy Boynton. “El detalle y artesanía que le invirtieron fue increíble. Todo está ahí, frente a ti. Estás sentada en el tren perfecto, que, además, parte de la estación”.

Que el Expreso de Oriente salga del set de la estación de Estambul es una proeza logística por sí sola, como explica el diseñador de producción Jim Clay: “El foro 1 es el más grande en Longcross, y decidimos que ahí era donde teníamos que construir la estación”.

La investigación que llevó a cabo la producción reveló que la mismísima estación de Estambul es, de hecho, mucho más pequeña de lo que originalmente pensó el equipo. El equipo de producción llenó el foro con columnas y plataformas inmensas con dos pistas. Debido a que Longcross fue en un inicio una fábrica para construir y probar tanques de guerra, el foro tiene dos grandes puertas en su extremo final, lo que les permitió construir toda la pista.

Clay añade, “De hecho, salía del foro y llegaba hasta el estacionamiento, que nos llevó, incluso, a cerrar parte de la calle del estudio. Esto nos permitió sacar todos los vagones del tren afuera de la estación”.

MUDÁNDOSE A MALTA

Aunque la mayoría de la película fue filmada en los estudios Longcross, los realizadores tuvieron que viajar a Malta para capturar la fascinante escena inicial.

“El inicio de nuestra película es en el Muro de los Lamentos en Jerusalén, y el primer problema que Poirot tiene que resolver es, en teoría, uno que tiene que ver con una disputa religiosa, o lo que podría parecer ser una disputa tal, en un lugar muy vibrante, ruidoso y abarrotado”, comenta Branagh.

En Malta, la producción fue capaz de encontrar y construir un muro de lamentos y sus ambientes. Esto le permitió dar inicio a la película con esta visión grande, amplia, abierta y llena de sol, que a la postre se iba a obstruir y reducir más, y a alejar del sol, para adentrarse en la oscuridad y la nieve.

Para Branagh, era importante que la audiencia viera al principio cómo funciona la mente de Poirot antes de llegar al Expreso de Oriente. “Una cosa es haber visto en acción a alguien que es reconocido como el mejor detective del mundo, y otra nada más escuchar una mención de ello”, explica Branagh. “Así que tenemos la oportunidad de presentarlo en pantalla grande, y, además, en un lugar más exótico, e intriducir a un hombre que viaja por el mundo con esa mente extraordinaria, inquisitiva y deductiva. Esto lo pudimos hacer en Malta, que tiene unas locaciones y ruinas antiguas increíbles”.

EL EXPRESO DE ORIENTE

En esta historia, el grandioso y glamoroso Expreso de Oriente deja Estambul y viaja a través de los Alpes Dináricos en la ex Yugoslavia, donde una avalancha lo detiene. A la postre, es liberado y pasa por Brod a través de Italia, Suiza, Francia, y termina en la estación Victoria de Londres.

Cuando los realizadores comenzaron sus discusiones logísticas para cuando empezara la filmación de la película, se volvió aparente que iba a funcionar mucho mejor que construyeran su propio Expreso de Oriente.

“He trabajado con trenes antes”, recuerda Branagh. “Y te toma mucho más tiempo estar encima de una montaña en Suiza —detener el tren, regresarlo en una sola pista, y que otros cincuenta trenes con pasajeros reales te estén esperando a que acabes— que construir, de manera ambiciosa y emocionante la estación de Estambul en Longcross”.

Tanto la estación como el Expreso de Oriente fueron construidos en Longcross, y después colocados a placer, para permitirle al equipo de producción estar con cámaras de 65mm adentro y afuera, arriba y abajo, en los vagones un poco más grandes.

“Nos permitió tener más control con la manera en la que presentas el viaje”, comenta Branagh. Contábamos con una investigación específica que el diseñador de producción Jim Clay y su equipo habían proporcionado. Pero después Jim aplicó su destreza para brindar la visión perfecta, que era apropiada para nuestra versión más sombría de la historia”.

“Justo al principio del trabajo”, comenta Clay, “tomamos un viaje en el Expreso de Oriente real, sólo para experimentar cuán viable sería filmar en un tren genuino. Desde luego, de inmediato se volvió obvio que las restricciones eran enormes. Los pasillos son angostos y estamos filmando en 65mm, así que una cámara grande con rieles para el dolly no iba a funcionar en un tren verdadero. Así que tomamos la decisión de construirlo, y, de hecho, lo hicimos dos veces. Primero, construimos los vagones completos y la locomotora, tanto interiores como exteriores, con capacidad absoluta de movimiento sobre los raíles de tren. Después construimos lo mismo otra vez, aunque sólo los interiores y las paredes, que podían removerse y dar todavía más oportunidad al momento de filmar”.

Además, Clay diseñó una serie de contenedores, coches camas individuales y autónomos, en los que se podían remover paredes y techo, para que las escenas se pudieran filmar de manera más fácil en su interior. El coche cama de Poirot, así como los de Ratchett y Hubbard, todos fueron construidos de esta manera.

James Prichard, presidente de Agatha Christie Ltd., estaba impresionado con la magnitud de lo que se había conseguido en términos de diseño: “La escala de toda la producción es emocionante —el detalle de los vagones, el hecho de que cuatro vagones y una locomotora hayan sido construidos de la nada, para mí es extraordinario”. En cuanto a la precisión del tren, Clay explica: “En realidad, el Expreso de Oriente cruzaría el este de Europa y cambiaría locomotora en límites estatales o fronteras. Para nosotros, no es una manera práctica de contar la historia en una película, así que elegimos una locomotora. Está basada en una gran máquina de vapor francesa, que ahora se encuentra en Zúrich, y la nuestra, a escala real, es bastante exacta. Con la colaboración de los efectos especiales y visuales, para todo efecto práctico, el tren es auténtico”.

David Watkins, supervisor de efectos especiales, y su equipo, fueron responsables de construir la locomotora del Expreso de Oriente de tal forma que se pudiera mover de verdad. Para tal efecto, envió a Suiza a sus supervisores de taller Jim Machin y Josh Marsh para que se reunieran con el custodio del único tren 484 que existe.

“Jim y Jason regresaron con una biblia —un compendio grueso del diseño original del tren que estábamos estudiando, para que pudiéramos hacer la escala correcta. Así, partiendo de las escalas de ese libro, pudimos construir todo nuestro diseño”, comenta Watkins.

A resumidas cuentas, Watkins y su equipo construyeron una locomotora y un ténder, que fueron lo suficientemente prácticos para que se vieran como si fueran partes funcionales de un tren y que la producción no dependiera de los efectos visuales para aportar la atmósfera alrededor de la máquina. Watkins explica: “El reparto se puede involucrar un poco más cuando puede oler de verdad el vapor, porque huele a un motor real”.

Tim Parkin fue el asesor de trenes de la película y se aseguró que la recreación del tren del departamento de construcción fuera tan precisa como fuera posible. Además de la locomotora y el ténder, David Watkins y su equipo también construyeron todo un vagón de almacenamiento, un coche cama, un vagón comedor y un vagón bar/salón, y como Parkin explica: “Cada uno pesa aproximadamente 25 toneladas, con el ténder un poco menos. Cuando sea que movíamos nuestro tren, para hacerlo usábamos un par de guardagujas de diésel, que se anexaban a la parte frontal de nuestra locomotora réplica. Ahora bien, a pesar de su aspecto real, hay artificios creados por nuestro maravilloso equipo de efectos especiales, bajo la batuta de Dave Watkins”.

El productor ejecutivo Matthew Jankins añade: “Desde el principio tomamos una decisión de que queríamos intentarlo y obtener tanto como nos fuera posible a través de la cámara. Obviamente, estábamos haciendo una road movie en un lote de estudio, así que eso trajo consigo algunos retos severos. No queríamos poner un vagón en un foro y forrarlo con pantalla verde, queríamos intentar que se viera tan auténtico como fuera posible”.

El director de fotografía Haris Zambarloukos y un equipo habían ido a Nueva Zelanda antes de que diera inicio la producción para filmar muchas horas de material desde un tren, viajando por todo el paisaje montañoso neozelandés. Después, el supervisor de efectos visuales George Murphy “cosió” todo digitalmente y, en el set, dos pantallas de rock and roll de 400 LED’s fueron montadas a cada costado de los vagones, donde el material fue reproducido.

Además, David Watkins, supervisor de efectos especiales, se dio a la tarea de intentar darle al tren algo de movimiento, con la ayuda de una plataforma por debajo del vagón de tren, que contenía suspensión neumática e hidráulica que sacudía el aire, haciendo que el tren se moviera a la izquierda y derecha, así como hacia adelante y hacia atrás. Explica: “Pasamos mucho tiempo analizando el material de Haris y viendo lo que en realidad hacía el vagón y el movimiento que creaba. Después, a través de un software controlado de manera hidráulica, pasamos mucho tiempo jugando con él, y yo quedé muy impresionado con el movimiento que fuimos capaces de obtener de la plataforma que se encontraba por debajo del vagón”.

Como señala el actor Josh Gad: “Incluso con el tren parado, se sentía como si estuviéramos en movimiento, y eso hace mucho para uno como actor, porque no tienes que imaginar demasiado”.

Para Matthew Jenkins: “Fue bastante surrealista cuando te paras en un vagón en movimiento con el metraje moviéndose a tu izquierda y derecha. Se sintió como si de verdad fueras en un tren. Fue un poco como subir caminando por una escalera eléctrica que no funciona y sentirte un poco mareado, pero creo que trajo grandes dividendos”.

El filmar en 65mm también le presentó a Clay y a su equipo numerosos desafíos. Explica: “65mm es como alta definición, y cuando lo ves proyectado en una pantalla grande puedes alcanzar a apreciar cada cabeza de clavo. Así que el acabado tenía que ser real y nuestro equipo de construcción produjo una cantidad sorprendente de marquetería y revestimiento, que, cuando te sientas en el interior, se ve real de una manera absoluta y convincente. Queríamos que el espectador sintiera esa manera muy opulenta de viajar y vivir, y llevar a la audiencia durante parte de ese viaje, y hacerlo especial”.

Clay continúa: “Los interiores actuales del Expreso de Oriente son de estilo art Nouveau, pero necesitábamos una apariencia menos cargada, para que no nos distrajera de la acción. Adoptamos un enfoque más minimalista y, en cuanto a los paneles de madera y el decorado, apostamos por un estilo más Art Deco, para poder generar fondos limpios para nuestro reparto”.

CONFECCIONANDO EL VESTUARIO

Branagh ha trabajado con la diseñadora de vestuario Alexandra Byrne durante más de treinta años en teatro y cine, y como él explica: “Su principal característica es la atención al detalle, e investigar, investigar e investigar, así que, de hecho, una vez que Alexandra se compromete, pasan meses antes de que vuelvas a saber de ella. No se junta para conversar contigo a menos que pueda llenar un cuarto con referencias y posibilidades de vestuario. Con frecuencia, es un proceso de ir a través de lo que no funciona para poder sugerir lo que sí”.

Byrne terminó una inmensa cantidad de investigación, leyó la novela, vio adaptaciones previas de la historia e hizo referencias cruzadas de todas cuando leyó el guión. También creó tableros de actitudes y explica: “No siempre son históricas, sólo imágenes totalmente eclécticas de algo que siento que tiene que ver con el personaje, con un punto narrativo o con un momento de emotividad en el filme. Recabé miles de imágenes y después las destilé hasta colocarlas en los tableros, y al hacer eso estás editando tus ideas. Son maravillosos porque son un recurso visual desde el cual puedes tener un diálogo con Ken y los actores para crear la apariencia del personaje”.

“Los atuendos son casi como una novela de detectives”, comenta Byrne. “En cuanto a que muy pocos personajes visten como deberían vestir. Necesitábamos entender los antecedentes de cada uno de ellos para saber cómo hubieran tomado las decisiones de vestirse de la forma en la que lo hacen, asumiendo otro rol, y qué recursos debieron de haber tenido para poderlo lograr. Debes de tener un conjunto de reglas de donde debes tomar decisiones fundamentadas, así que hicimos mucha investigación, además de haber disfrutado el hecho de que no quieres dar mucha información con la ropa, pero, de igual manera, debe de tener una integridad y certeza intrínsecas”.

Willem Dafoe (Gerhard Hardman) también confió en la pericia de Alex Byrne para ayudarlo con el vestuario de su personaje. Explica: “Algo que no sabía es que hay un tipo de estilo de sastrería muy distinto para estadounidenses y europeos, e incluso entre los europeos hay una diferencia entre los del norte y los del Mediterráneo, así que, desde luego, en vista de que mi personaje está intentando hacerse pasar por austriaco, aunque en realidad es estadounidense, tuvimos pláticas para ver cuán notorio íbamos a hacer eso a través del ropaje”. Continúa: “Siempre estás caminando sobre una línea entre encontrar algo muy distintivo, pero no ostentoso, que sobresalga o llame la atención por sí mismo. En una película de esta índole la apariencia se vuelve una pieza clave para el personaje”.

Byrne estaba encantada con la época, ya que todavía es posible encontrar tela original que podía ser copiada, lo que le permitía darle una veracidad extra a la apariencia. Explica: “Todavía podemos encontrar medio metro de tela original de la década de 1930, aunque cuando la estiras está echada a perder y se deshace, pero te brinda información del tipo de peso y color que estás buscando…también trajimos muchos muestrarios de telas antiguos, que habían estado cerrados, por lo que no se habían desteñido con el sol, y fueron una gran referencia para lo que estábamos intentando conseguir”.

***

Pero, sin lugar a duda, por todo lo que amas debes de pagar algún precio.
– Agatha Christie

“Agatha Christie sabe cómo contar una historia con una intensidad íntegra, fascinante y emocionante”, concluye Branagh. “Si te gusta un misterio auténtico, esta es una historia apasionante. En este caso, sucede que está poblada por actores sensacionales que, creo, intensifican el misterio. Es inquietante. Es sorprendente. Y, si te gustan los misterios de asesinatos con alma, pasión y corazón, me parece que vale la pena ir a verla”.

MURDER ON THE ORIENT EXPRESS fue filmada a lo largo de trece semanas en los estudios Longcross, cerca de Londres y en locaciones de Malta, de noviembre de 2016 a marzo de 2017.


ANTECEDENTES

Agatha Christie

• Su prolífica carrera como escritora abarcó cinco décadas, con 66 novelas criminales, 6 novelas no criminales y 150 cuentos.
• Escribió más de 20 obras, de las cuales la más famosa, ‘The Mousetrap’, es la obra en el mundo que más tiempo ha estado en cartelera, después de haber debutado en 1952.
• Con más de 20 billones de libros publicados, sólo se han vendido más biblias y libros de Shakespeare.
• Sus libros, que son fáciles de traducir, han sido publicados en más de 100 idiomas, lo que la convierte en la escritora más traducida de todos los tiempos.

Agatha Mary Clarissa Miller nació el 15 de septiembre de 1890 en Torquay, al sudoeste de Inglaterra, de madre inglesa y padre estadounidense. A los cinco años, ella se enseñó a sí misma a leer, y comenzó a escribir sus propios poemas a una edad temprana. Su educación fue una combinación de tutoría informal en casa (principalmente de sus padres) y en instituciones educativas de París, donde se convirtió en una cantante de ópera y pianista consumada. Para cuando tenía 18 años se entretenía escribiendo cuentos, algunos de los cuales fueron publicados en una forma mucho más revisada en la década de los ’30.

En 1914, Christie se convirtió en enfermera del Voluntary Aid Detachment (Destacamento de ayuda voluntaria) del hospital de la Cruz Roja en Torquay y, cuando el hospital abrió un dispensario, aceptó una oferta para trabajar ahí y completó el examen de la Sociedad de Boticarios. Esto despertó un interés de toda la vida por el uso de venenos, que fue de gran contribución para su primera novela, The Mysterious Affair at Styles. El uso de veneno del asesino estaba tan bien descrito que Christie recibió un honor sin precedentes para una escritora de ficción; una reseña en el Pharmaceutical Journal.

Fue incitada a escribir una historia de detectives después de haber sido retada por su hermana mayor, Madge. Como había refugiados belgas en la mayoría de los lugares de la campiña inglesa, sin que Torquay fuera la excepción, Christie pensó que un refugiado belga, quizás un gran ex policía, podía ser un excelente detective para su primera novela. Así, Hercule Poirot nació.

En 1919, Christie dio a luz a su primer hijo con su marido Archie; una hija, Rosalind. Este año, el editor John Lane también la contrató para escribir cinco libros más. A la postre, se convirtió en una de las primeras autoras que Penguin publicó en libros de bolsillo.

Después de la guerra, Christie continuó escribiendo y viajando con Archie, incluyendo una gran gira por el imperio en 1922, durante la cual aprendió a surfear en Sudáfrica y Hawái (de hecho, se convirtió en la primera mujer británica en surfear). Se divorciaron en 1928, y Christie después realizó una de sus ambiciones de toda la vida —viajar en el Expreso de Oriente al Medio Oriente. Éste y viajes futuros son reconocidos en libros tales como Murder on the Orient Express, Death on the Nile, Murder in Mesopotamia, Appointment with Death y They Came to Baghdad, así como en múltiples cuentos.

Durante un viaje a las excavaciones de Ur en 1930, Christie conoció al arqueólogo Max Mallowan —el hombre que se convirtió en su segundo esposo, y quien era catorce años menor que ella. Su matrimonio duraría cuarenta y seis años. Durante casi 30 de ellos, acompañó a Max a sus expediciones arqueológicas anuales. Las excursiones no hacían mas que incentivar su escritura, y su libro Come, Tell Me How You Live, publicado en 1946, describe de manera ingeniosa sus primeros días en las excavaciones en Siria, con Max.

Para 1930, después de haber escrito varias novelas y cuentos, ya había creado un nuevo personaje para que fungiera como detective. La Srita. Jane Marple era una amalgama de varias señoras de edad avanzada que solía conocer en pueblos que visitaba de niña. Cuando creó a la Srita. Marple, Christie no esperaba que se convirtiera en la rival de Poirot, pero con The Murder at the Vicarage, que representó la primera aparición de la Srita. Marple, pareció que había producido otro personaje popular y perdurable.

En 1971, Christie consiguió uno de los honores más ilustres de Inglaterra, cuando fue nombrada Dama del Imperio Británico. Su última aparición pública fue en la noche de estreno de la versión cinematográfica de ‘Murder on the Orient Express’, en 1974, protagonizada por Albert Finney como Hercule Poirot. ¿Su veredicto? Una buena adaptación con el pequeño detalle de que los bigotes de Poirot no eran lo suficientemente suntuosos.

Christie murió de manera pacífica el 12 de enero de 1976. Está enterrada en el cementerio de la iglesia de St Mary’s Cholsey, cerca de Wallingford.

Para más información: http://www.agathachristie.com/about-christie#christies-life

Algunos eventos mundiales de 1934

· El ascenso de Adolf Hitler, que fue reforzado cuando el presidente Hindenburg murió y Hitler se convirtió en jefe de estado, además de canciller, haciéndose llamar Führer.

· En Italia, todos los maestros de educación básica tenían que usar la camisa negra del partido fascista cuando estaban en la escuela.

· La Liga de las Naciones admitió a la Unión Soviética.

· Josef Stalin consolidó su control sobre la Unión Soviética una vez que comenzó su Gran Purga.

· Japón renunció a sus tratados navales con los EE. UU. y el Reino Unido en un intento por incrementar su marina.

· En Turquía, a las mujeres les otorgaron el derecho a votar en elecciones parlamentarias.

· En los Estados Unidos, el congreso aprobó el Acta Lindbergh, que hizo del secuestro un delito capital.

· Bruno Hauptmann fue arrestado y culpado por el secuestro y asesinato del bebé Charles Lindbergh Jr.

· El gobierno de los Estados Unidos inauguró una prisión de máxima seguridad en la isla de Alcatraz en San Francisco.

· El FBI asesinó a John Dillinger en Chicago después de abandonar un cine.

· Bonnie y Clyde fueron asesinados a tiros en una emboscada de la policía.

· ‘Cavalcade’, de Fox, ganó el Oscar a Mejor Película en la 6ª edición de los Premios de la Academia.

· ‘The Flying Scotsman’ se convirtió en la primera locomotora de vapor en registrar oficialmente los 160 kilómetros por hora.

BIOGRAFÍAS DEL REPARTO

Kenneth Branagh – Hercule Poirot/Director/Productor

Kenneth Branagh es un aclamado actor y director cuyo trabajo en cine, televisión y teatro destaca por su calidad, autenticidad y pasión. Ha sido nominado a cinco Premios de la Academia®, lo que lo convierte en uno de los primeros actores en recibir cinco nominaciones en cinco categorías distintas (Actor, Actor Secundario, Director, Guión y Cortometraje).

Branagh acaba de dirigir la adaptación de la clásica novela de misterio de Agatha Christie “Asesinato en el Expreso de Oriente”, para 20th Century Fox. Además de haber estado detrás de cámaras, Branagh también interpretará a ‘Hercule Poirot’, al lado de un reparto multiestelar, que incluye a Johnny Depp, Penélope Cruz, Michelle Pfeiffer y la dama Judi Dench. El estreno de la película está programado para noviembre de 2017.

En la actualidad, Branagh se encuentra en la preproducción de la adaptación de Disney de la serie de best-sellers infantiles “Artemis Fowl”, que sigue a un joven irlandés, y genio criminal, en una misión para rescatar a su padre.

En marzo de 2015, Branagh dirigió la película de acción en vivo “Cinderella” (La Cenicienta), para Disney. El aclamado filme, protagonizado por Cate Blanchett, Lily James, Richard Madden y Helena Bonham Carter, recabó más de $540 millones de dólares en taquilla mundial. En mayo de 2011, Branagh dirigió la película de acción y aventuras “Thor”, protagonizada por Chris Hemsworth, Natalie Portman y Sir Anthony Hopkins, para Marvel. La película recabó más de $448 millones de dólares en todo el mundo.

La primera incursión de Branagh en la realización cinematográfica se topó con un éxito instantáneo. Su producción en 1989 de “Henry V” (Enrique V), que protagonizó y dirigió, obtuvo una serie de reconocimientos internacionales, incluyendo nominaciones al Premio de la Academia® a Mejor Actor y Mejor Director. Sus créditos previos como director incluyen “Dead Again” (Volver a morir), “Peter’s Friends”, “Much Ado About Nothing” (Mucho ruido y pocas nueces), “Swan Song”, que recibió una nominación al Premio de la Academia®, “Mary Shelley’s Frankenstein”, “Hamlet”, que recibió cuatro nominaciones al Premio de la Academia®, “Love’s Labour’s Lost” (Pacto de amor), “As You Like It” (Como gustes), “The Magic Flute” (La flauta mágica) y “Sleuth” (Juegos siniestros).

Además de su trabajo detrás de cámaras, Branagh también es un actor talentoso y muy respetado. Este año, protagonizó el aclamado éxito taquillero “Dunkirk” (Dunkerque), de Christopher Nolan. Branagh interpretó al ‘Comandante Bolton’, un oficial británico que busca evacuar a soldados aliados de Bélgica, del imperio británico y de Francia, que están rodeados por el ejército alemán durante la Segunda Guerra Mundial. En el 2011, Branagh interpretó a ‘Sir Laurence Olivier’ en “My Week With Marilyn” (Mi semana con Marilyn), de Simon Curtis, al lado de Michelle Williams. El papel le valió a Branagh una nominación al Premio de la Academia® a Mejor Actor Secundario, así como nominaciones al Globo de Oro y al Screen Actors Guild (Sindicato de Actores de Cine). Sus créditos adicionales en la actuación incluyen “A Month In The Country”, “Othello”, “The Ginerbread Man”, “Celebrity” (El precio del éxito), de Woody Allen, “Alien Love Triangle”, “The Theory Of Flight”, de Paul Greengrass, “Wild Wild West” (Las aventuras de Jim West), “Rabbit Proof Fence” (Cerca de la libertad), de Philip Noyce, “Harry Potter And The Chamber Of Secrets” (Harry Potter y la cámara de secretos), “Pirate Radio” (Los piratas del rock) y “Valkyrie” (Operación Valkiria).

Su trabajo en la pantalla chica incluye una actuación nominada al Emmy® y al Globo de Oro® por su participación en la serie ganadora del BAFTA “Wallander”. También ha actuado en “Shackleton”; “Conspiracy”, por la que ganó un Emmy® a Mejor Actor y recibió una nominación al Globo de Oro®; “Warm Springs”, en la que interpreto a FDR [Franklin Delano Roosevelt] y fue nominado para un Emmy®, Globo de Oro® y SAG.

Además de su exitosa carrera en cine y televisión, Branagh es un director y actor distinguido en escena. Este otoño, Branagh dirigió una nueva producción de “Hamlet”, protagonizada por Tom Hiddleston, como un proyecto para recabar fondos para la Royal Academy of Dramatic Art, en la que Branagh es presidente. El año pasado, The Kenneth Branagh Theatre Company terminó su muy reconocida y exitosa temporada inaugural de obras en el teatro Garrick del West End de Londres. Las producciones incluyeron “The Winter’s Tale”, “Harlequinade”, “All on Her Own”, “The Painkiller”, “Red Velvet”, “Romeo And Juliet” y “The Entertainer”. El trabajo le valió a la compañía el prestigioso Premio Olivier.

El trabajo en escena de Branagh dio inicio cuando hizo su debut en la actuación en el West End en la obra “Another Country”, que le valió el Premio Olivier a ‘Actor Novel más Prometedor’. Fundó la Renaissance Theatre Company, para la que actuó o dirigió “Twelfth Night”, “Much Ado About Nothing”, “As You Like It”, “Hamlet”, “Look Back In Anger”, “Uncle Vanya”, “King Lear”, “A Midsummer Night’s Dream”, “Coriolanus” y “The Life Of Napoleon”. También escribió las obras “Public Enemy” y “Tell Me Honestly”. Numerosas apariciones en escena incluyen “Henry V”, “Love’s Labour’s Lost” y “Hamlet” para la Royal Shakespeare Company. Sus otros trabajos teatrales incluyen haber dirigido la exitosa comedia “The Play What I Wrote”, que se mudó del West End de Londres a Broadway, donde recibió una nominación al Tony; y actuaciones de altísima calidad en escenarios británicos en “Richard III”, “Edmond”, de David Mamet, “Ivanov”, y la nueva comedia “Painkiller”, en la temporada inaugural del teatro Lyric, Belfast, ciudad natal de Branagh.

Branagh se graduó de la Royal Academy of Dramatic Art, donde obtuvo una medalla de oro Bancroft. Recibió el prestigioso premio Michael Balcon de la British Academy of Film and Television Arts (BAFTA), por sus contribuciones sobresalientes al cine. La reina Isabel II lo nombró caballero por sus servicios al teatro y la comunidad en Irlanda del Norte, y, más tarde este año, recibirá el reconocimiento ‘Libertad de Belfast’ por parte del concejo municipal.

Michelle Pfeiffer – Caroline Hubbard

Michelle Pfeiffer, ganadora del Globo de Oro, nominada al Emmy y nominada en tres ocasiones al Premio de la Academia, ha cautivado a las audiencias de cine con su belleza asombrosa y actuaciones fascinantes a lo largo de tres décadas. Pfeiffer fue vista esta primavera en el drama “The Wizard of Lies”, para HBO, al lado de Robert De Niro, por la que obtuvo una nominación al Emmy. El dúo interpretó a Ruth y Bernie Madoff durante la caída de Madoff del 2008-2009, por su infame esquema Ponzi. El drama televisivo está basado en la novela homónima de no-ficción escrita por Diana B. Henriques. Pfeiffer puede ser vista en la actualidad al lado de Ed Harris, Jennifer Lawrence y Javier Bardem en el nuevo drama “Mother!”, de Darren Aronofsky. La película fue estrenada por Paramount Pictures en octubre.

Pfeiffer será vista este otoño en la adaptación venidera de 20th Century Fox de “Asesinato en el Expreso de Oriente”, junto a Johnny Depp, Judi Dench y Daisy Ridley. Kenneth Branagh dirige y protagoniza esta versión nueva, en la que interpreta a Hercule Poirot, el afamado detective de Agatha Christie. Adaptada de la querida novela de Christie de 1934, la película sigue a Poirot, mientras intenta identificar a un asesino a bordo del legendario tren. Pfeiffer interpretará a la Sra. Hubbard, una pasajera glamorosa y testaruda que guarda un secreto. La película se estrenará el Día de Acción de Gracias, que cae el miércoles 22 de noviembre.

En 1989, Pfeiffer recibió su primera nominación al Premio de la Academia en la categoría de Mejor Actriz Secundaria por su papel como la muy sufrida ‘Madame de Tourvel’ en “Dangerous Liaisons” (Relaciones peligrosas). En 1990, ganó un Globo de Oro a Mejor Actriz de Drama y recibió su segunda nominación al Premio de la Academia a Mejor Actriz por su actuación como la cantante sexy ‘Suzie Diamond’ en “The Fabulous Baker Boys”. En 1993, recibió su tercera nominación al Premio de la Academia a Mejor Actriz por su actuación como la ama de casa originaria de Dallas ‘Lurene Hallett’ en “Love Field”.
Pfeiffer también ha sido honrada con un Premio BAFTA, un Premio de la Los Angeles Film Critics Association (Asociación de críticos de cine de Los Ángeles), un Premio de la National Board of Review a Mejor Actriz y un Premio del New York Film Critics Circle (Círculo de críticos de cine de Nueva York), además de haber recibido una nominación al Premio del Screen Actors Guild y cinco nominaciones adicionales al Globo de Oro por sus actuaciones en “The Age Of Innocence” (La edad de la inocencia), “Love Field”, “Frankie And Johnny”, “The Russia House” (La casa Rusia) y “Married To The Mob” (Casada con la mafia).

La distinguida actriz llamó por primera vez la atención en el clásico de culto “Scarface” (Caracortada) en 1983, en el papel de ‘Elvira Hancock’, esposa de ‘Tony Montana’, interpretado por Al Pacino. El drama criminal americano de Universal Pictures, dirigido por Brian De Palma y escrito por Oliver Stone, se ha convertido en un icono cultural, y fue nombrado en junio de 2008 por el American Film Institute como una de las diez mejores películas de gánsteres de todos los tiempos.

En el 2013, Pfeiffer actuó al lado de Robert De Niro, Tommy Lee Jones y Dianna Agron en la película “The Family” (Una familia peligrosa), de Luc Besson. La historia se centra en la familia Manzoni, un infame clan de la mafia que es reubicado a Normandía, Francia, bajo el Programa de Protección de Testigos. Pfeiffer interpreta a Maggie Blake, la matriarca de la familia.

Pfeiffer fue vista en “Dark Shadows” (Sombras tenebrosas), una película que la reunió de nueva cuenta con Tim Burton para su versión en pantalla grande de la serie de televisión de vampiros góticos de la década de los ‘60. La película gira en torno a un vampiro que se desprecia a sí mismo, ‘Barnabas Collins’, interpretado por Johnny Depp, quien está viviendo en una mansión en Collinsport, Maine, y está en búsqueda de su amor perdido. La película también la estelarizan Helena Bonham Carter y Eva Green.

Además, Pfeiffer fue vista en “People Like Us”, para DreamWorks Pictures, donde actuó al lado de Chris Pine, Olivia Wilde y Elizabeth Banks. La película sigue a un hombre de negocios, ‘Sam’ (Pine), quien regresa a casa después de la repentina muerte de su padre que ha estado separado de él, sólo para descubrir un secreto familiar devastador que lo envía a un viaje inesperado de autodescubrimiento. Pfeiffer aparece como ‘Lillian’, la madre viuda de ‘Sam’.

En el 2011, Pfeiffer fue vista en “New Year’s Eve” (Año nuevo). Dirigida por Garry Marshall, la comedia romántica de ensamble también es protagonizada por Robert De Niro, Hilary Swank, Sarah Jessica Parker y Ashton Kutcher, entre otros. La película narra las historias entrelazadas de un grupo de neoyorquinos mientras se abren paso por medio del romance a lo largo de una noche de Año Nuevo. Pfeiffer interpreta a ‘Ingrid’, una frustrada secretaria ejecutiva que decide hacerle frente a sus resoluciones no cumplidas.

En el 2009, Pfeiffer protagonizó “Chéri”, para Miramax Films. “Chéri”, que se desarrolla en la lujosa Bella Época de París a principios del siglo pasado, es la historia del amorío entre una bella cortesana retirada, ‘Léa de Lonval’ (Pfeiffer), y ‘Chéri’, un joven interpretado por Rupert Friend. La película fue dirigida por Stephen Frears y está basada en la novela homónima del autor francés Colette.

En el 2007, Pfeiffer también apareció en el éxito mundial “Hairspray”, junto a John Travolta, Christopher Walken, Queen Latifah y Zac Efron, que fue nominada al Globo de Oro a Mejor Película Comedia-Musical. La película de New Line Cinema, una adaptación de la obra ganadora del Premio Tony en el 2003 a ‘Mejor Musical’ de Broadway, se convirtió en la tercera película musical en la historia en superar los $200 millones de dólares a escala internacional. Ese mismo año, Pfeiffer también apareció como la bruja malvada ‘Lamia’ en la épica de fantasía “Stardust” (Stardust: El misterio de la estrella), dirigida por Matthew Vaughn, para Paramount Pictures. La película, un cuento de hadas que se desarrolla en la Inglaterra antigua, fue adaptada de la novela de Neil Gaiman. El reparto incluía a Claire Danes, Robert De Niro, Ian McKellen, Rupert Everett y Sienna Miller.

En el 2003, Pfeiffer prestó su voz para la película animada “Sinbad: Legend of the Seven Seas” con Brad Pitt, Catherine Zeta-Jones y Joseph Fiennes. En el 2002, recibió una nominación al Screen Actors Guild por su papel como la madre asesina ‘Ingrid Magnussen’ en “White Oleander”, para Warner Bros. En el 2001, interpretó la aclamada “I Am Sam” (Yo soy Sam), al lado de Sean Penn. En el 2000, protagonizó el éxito taquillero de verano “What Lies Beneath” (Revelaciones), al lado de Harrison Ford.

Los créditos cinematográficos de Pfeiffer también incluyen “The Story of Us”, “A Midsummer Night’s Dream” (Sueño de una noche de verano), “The Deep End of the Ocean”, “The Prince of Egypt” (El príncipe de Egipto), “One Fine Day” (Un día muy especial), “To Gillian on Her 37th Birthday” (A Gillian en su cumpleaños), “Up Close & Personal”, “Dangerous Minds” (Mentes peligrosas), “Wolf” (Lobo), “Batman Returns” (Batman regresa), “The Witches of Eastwick” (Las brujas de Eastwick), “Tequila Sunrise” (Traición al amanecer), “Sweet Liberty” y “Ladyhawke” (El hechizo de Aquila).

Dama Judi Dench – Princesa Natalia Dragomiroff
Desde que interpretó a ‘Ofelia’ en Hamlet en el teatro The Old Vic hace casi sesenta años, Judi Dench ha sido objeto de una vasta admiración entre la gente y la crítica por una carrera que ha estado marcada por actuaciones sobresalientes tanto en papeles clásicos como contemporáneos. Ha ganado numerosos premios importantes —incluyendo un Premio de la Academia®, diez Premios BAFTA y ocho Premios Laurence Olivier, lo que representa un récord— por su trabajo en teatro y cine. En reconocimiento a sus múltiples logros, recibió un OBE (Orden del Imperio Británico) en 1970, se convirtió en DBE (Dama del Imperio Británico) en 1988, y en el 2005 le otorgaron el Companion of Honour (Compañera de Honor). También recibió el prestigioso reconocimiento Praemium Imperiale Laureate, otorgado por la prestigiosa Japan Arts Association, por sus aportaciones al cine y al teatro.

En la actualidad, la dama Judi Dench puede ser vista en “Victoria & Abdul”, dirigida por Stephen Frears, para Working Title y BBC Films, donde interpreta a la reina Victoria en pantalla por segunda ocasión en su carrera. Por su primera actuación en este papel, en “Mrs. Brown” (Su majestad la Sra. Brown), dirigida por John Madden, obtuvo el Premio BAFTA y el Globo de Oro y fue nominada para un Premio de la Academia.

La dama Judi recibió un Premio de la Academia y un Premio BAFTA, ambos a Mejor Actriz Secundaria, por otra actuación magistral como la reina Elizabeth I en “Shakespeare in Love” (Shakespeare enamorado), y ha recibido nominaciones al Premio de la Academia por actuaciones en otros cinco filmes: “Chocolat” (Chocolate), de Lasse Hallstrom, por la que también fue nominada para un Globo de Oro; “Iris” (Cartas a Iris), dirigida por Richard Eyre, por la que también ganó un Premio BAFTA; “Mrs Henderson Presents” (Mrs. Henderson presenta), dirigida por Stephen Frears, y por la que también fue nominada para el BAFTA y el Globo de Oro; “Notes on a Scandal” (Escándalo), dirigida de nueva cuenta por Richard Eyre, y que también le valió nominaciones al BAFTA y al Globo de Oro; y “Philomena”, dirigida por Stephen Frears y coprotagonizada por Steve Coogan, por la que también recibió nominaciones al BAFTA, Globo de Oro y SAG.

La Dama Judi es reconocida mundialmente por su legendario papel como ‘M’ en siete películas de James Bond, desde “Goldeneye” a “Skyfall”.

Sus otros créditos cinematográficos incluyen “Tea With Mussolini” (Té con Mussolini), dirigida por Franco Zeffirelli; “A Room With A View” (Un romance indiscreto) y “A Handful Of Dust”, por las que recibió un Premio BAFTA a Mejor Actriz Secundaria; “84 Charing Cross Road” (Nunca te vi, siempre te amé), dirigida por David Jones; “Henry V” y “Hamlet”, ambas dirigidas por Kenneth Branagh; “Nine” (Nine: Una vida de pasión), dirigida por Rob Marshall; “Jane Eyre”, dirigida por Cary Fukunaga; “My Week with Marilyn”, dirigida por Simon Curtis; “J. Edgar”, dirigida por Clint Eastwood; la muy exitosa comedia que se desarrolla en la India “The Best Exotic Marigold Hotel” (El hotel Marigold) y su secuela “The Second Best Exotic Marigold Hotel”, ambas dirigidas por John Madden; el telefilme reciente “Esio Trot”, original de Roald Dahl, al lado de Dustin Hoffman; “Miss Peregrine’s Home for Peculiar Children” (Miss Peregrine y los niños peculiares), dirigida por Tim Burton; y la película venidera “Tulip Fever”, escrita por Deborah Moggach y Tom Stoppard, y dirigida por Justin Chadwick.

La Dama Judi también es venerada por sus papeles en televisión. Más recientemente interpretó a ‘Cecily’, duquesa de York, en “The Hollow Crown”, para la BBC, y créditos pasados incluyen: “The Last of the Blonde Bombshells”, por la que recibió un Premio BAFTA, un Globo de Oro y una nominación al Premio Emmy; la perdurable y exitosa comedia de la BBC “As Time Goes By”; y la aclamada serie “Cranford” y “Cranford: Return to Cranford”, por las que recibió una serie de nominaciones para premios importantes.

Los logros de la Dama Judi en la pantalla son un reflejo de su ilustre carrea en escena. Recibió un Premio Olivier a Mejor Actriz Secundaria por su papel más reciente como ‘Paulina’ en la distinguida producción del West End de “The Winter’s Tale”, dirigida por Kenneth Branagh, y previo a ello ganó Premios Olivier por “Macbeth” y “Juno and the Paycock”, para el RSC; además de haber actuado en “Pack of Lies”, en el London Lyric; y “Anthony and Cleopatra”, “Absolute Hell” y “A Little Night Music”, todas en The National Theatre. Su actuación en “Amy’s View”, original de David Hare y dirigida por Richard Eyre, le valió un Premio Critics Circle y una nominación al Premio Olivier cuando se presentó en Londres en The National y en Aldwych, seguida de un Premio Tony a Mejor Actriz cuando la obra se mudó a Broadway. Sus otros créditos en teatro incluyen: “The Royal Family”, dirigida por Peter Hall; “The Breath of Life”, dirigida por Howard Davies y coprotagonizada por la Dama Maggie Smith; “All’s Well That Ends Well”, para el RSC; “Hay Fever”, dirigida por Peter Hall; “The Merry Wives of Windsor”, para el RSC; “Madame de Sade”, dirigida por Michael Grandage para The Donmar en el West End; la producción de Peter Hall de “A Midsummer Night’s Dream” en el teatro Rose, en Kingston; “Peter and Alice”, dirigida por Michael Grandage en el West End; y “The Vote”, dirigida por Josie Rourke para The Donmar en el 2015, que también se transmitió en directo durante la noche de elecciones generales en el Reino Unido, en lo que pasó a ser un evento televisivo memorable.

Johnny Depp – Edward Ratchett

Johnny Depp es un premiado actor que también está produciendo proyectos bajo los auspicios de su compañía, Infinitum Nihil.

Nominado en tres ocasiones al Premio de la Academia en la categoría de Mejor Actor, Depp fue honrado en el 2003 con su primera nominación al Oscar por su trabajo en el exitazo taquillero “Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl” (Los piratas del Caribe: La maldición del Perla Negra), de Gore Verbinski, que lanzó la muy exitosa franquicia cinematográfica. Por su creación del capitán Jack Sparrow, que se convirtió en un clásico instantáneo de la pantalla, también ganó un Premio del Screen Actors Guild (SAG) y un Premio Empire, además de haber recibido nominaciones al Globo de Oro y BAFTA. A la postre, Depp protagonizaría el papel en “Pirates of the Caribbean: Dead Man”s Chest”, por la que recibió otra nominación al Globo de Oro; “Pirates of the Caribbean: At World”s End” y “Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides”. Recientemente protagonizó “Pirates of the Caribbean: Dead Men Tell No Tales”.

Su siguiente nominación al Oscar se presentó en el 2004 por su actuación en el aclamado drama “Finding Neverland” (Descubriendo el país de nunca jamás), de Marc Forster. Por su interpretación en esa película de ‘James Barrie’, autor de Peter Pan, también recibió nominaciones al Globo de Oro, al Premio BAFTA y al Premio SAG. Su tercera nominación al Oscar la recibió por su trabajo en “Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street” (Sweeney Todd: El barbero demoniaco de la calle Fleet), la adaptación cinematográfica del director Tim Burton en el 2007, a partir del musical de Stephen Sondheim. Depp también ganó un Globo de Oro a Mejor Actor en una Película – Comedia o Musical, por interpretar el papel que le da nombre al título.

A la fecha, ha colaborado con Burton en ocho largometrajes, que inicio con el papel del título en “Edward Scissorhands” (El joven manos de tijera), por la que recibió una nominación al Globo de Oro. También recibió nominaciones al Globo de Oro por su trabajo bajo la dirección de Burton en “Ed Wood”, por la que obtuvo un Premio del London Film Critics Circle por el papel que le da nombre al título; “Charlie and the Chocolate Factory” (Charlie y la fábrica de chocolate), como Willy Wonka; y “Alice in Wonderland” (Alicia en el país de las maravillas), en la que interpretó al Sombrerero Loco. Además, protagonizó “Dark Shadows” y prestó su voz para el éxito animado “Corpse Bride” (El cadáver de la novia), de Burton.

Depp recibió recientemente elogios de la crítica por su actuación en “Black Mass”, de Scott Cooper, en la que interpretó a ‘James ‘Whitey’ Bulger’, infame líder criminal de Boston. El papel protagónico le valió una nominación al Screen Actors Guild (SAG) y una nominación al Critic’s Choice, ambas en la categoría de Mejor Actor.

Depp comenzó su carrera en la actuación como músico, antes de haber hecho la transición a la actuación. Hizo su debut cinematográfico en el éxito taquillero “A Nightmare on Elm Street” (Pesadilla en la calle del infierno), seguida del drama ganador del Oscar® “Platoon” (Pelotón), de Oliver Stone. En 1987, obtuvo el papel que lo puso en un primer plano en el exitoso programa de televisión “21 Jump Street”.

Después de haber protagonizado la serie durante cuatro temporadas, Depp regresó a la pantalla grande para “Cry-Baby”, de John Waters. Sus primeros trabajos en cine también incluyen “Benny & Joon” (Corazones en conflicto), por la que obtuvo una nominación al Globo de Oro; “What”s Eating Gilbert Grape” (¿A quién ama Gilbert Grape?), de Lasse Hallström; “Don Juan DeMarco”, con Marlon Brando; “Donnie Brasco”, de Mike Newell; y “Fear and Loathing in Las Vegas”, de Terry Gilliam. En 1997, Depp hizo su debut como guionista y director con “The Brave”, en la que también actuó junto a Brando.

Depp también ha protagonizado una amplia variedad de filmes, tales como “Chocolat” (Chocolate), de Lasse Hallström, por la que fue nominado para un Globo de Oro; “From Hell” (Desde el infierno), de los hermanos Hughes; “Once Upon a Time in Mexico” (Érase una vez en México), de Robert Rodriguez; “Public Enemies” (Enemigos públicos), de Michael Mann; “The Tourist” (El turista), que le valió otra nominación al Globo de Oro; “The Rum Diary” (Diario de un seductor), que también produjo; “The Lone Ranger” (El llanero solitario), de Verbinski; la adaptación para la pantalla grande del exitoso musical “Into the Woods” (En el bosque), de Rob Marshall, y recientemente repitió su papel como el Sombrerero Loco en la aventura “Alice: Through the Looking Glass” (Alicia a través del espejo). Además, le prestó su voz al personaje del título en la película animada ganadora del Oscar “Rango”, de Verbinski, y fue productor de la fantasía nominada al Oscar “Hugo” (La invención de Hubo Cabret), de Martin Scorsese.

Después protagonizará el thriller criminal “Labyrinth”, para Open Road, como un detective que investiga los asesinatos de Tupac Shakur y Notorious B.I.G., así como “Richard Says Goodbye”, para IM Global. En la actualidad, se encuentra rodando “Fantastic Beasts and Where to Find Them 2” (Animales fantásticos y dónde encontrarlos 2), de la escritora J.K. Rowling, dirigida por David Yates.

Derek Jacobi – Edward Henry Masterman

En cine, Jacobi colaboró recientemente con el director Kenneth Branagh, interpretando al ‘Rey’ en “Cinderella”. Trabajó previamente con Branagh en “Hamlet”, donde interpretó a ‘Claudius’, en “Dead Again” como ‘Franklyn Madson’, y en “Henry V”, en el papel de ‘Chorus’. Otros créditos cinematográficos recientes incluyen “Stratton”, de Simon West, “The History of Love”, de Radu Mihaileanu, y “Heareafter” (Más allá de la vida), de Clint Eastwood.

Sus numerosos y premiados créditos cinematográficos también incluyen “The King”s Speech” (El discurso del rey), de Tom Hooper, “Gosford Park” (Muerte a la media noche), de Robert Altman, “Gladiator” (Gladiador), de Ridley Scott, “Love is the Devil”, de John Maybury, y “Little Dorrit”, de Christine Edzard.

Mejor conocido por su trabajo teatral, Jacobi fue miembro fundador del Royal National Theatre y colaboró más recientemente con el director Kenneth Branagh en su producción de “Romeo and Juliet”, en el teatro Garrick, en la que interpretó a ‘Mercutio’. Un antiguo colaborador de Michael Grandage, Jacobi interpretó el papel que le da nombre al título en “King Lear”, a ‘Malvolio’ en “Twelfth Night”, por la que ganó un Premio Olivier, además de haber actuado en “Don Carlos” y “The Tempest”.

Otras actuaciones en teatro incluyen “A Voyage Round My Father”, de Thea Sharrock, “The Hollow Crown”, de John Barton, el papel del título en “Macbeth”, de Adrian Noble, “Kean”, de Sam Mendes, los papeles del título en las producciones de Clifford Williams de “Richard II” y “Richard III”, y en el papel de ‘Alan Turing’ en “Breaking the Code”, por la que fue nominado al Premio Tony. Por su trabajo en “Much Ado About Nothing” y “Cyrano de Bergerac”, ambas de Terry Hands, Jacobi ganó el Premio a Mejor Actor del London Critics Circle Theatre (Círculo de críticos de teatro de Londres), además de un Tony por su papel como ‘Benedick’ en la última.

Jacobi fue dirigido por Laurence Olivier en una producción del National Theatre/Old Vic Theatre de “Hamlet” y por Noel Coward en una producción de “Hay Fever”.

En televisión, Jacobi es quizás mejor conocido por interpretar el papel del título en la producción de la BBC de “I, Claudius”. Apariciones más recientes en televisión incluyen “Vicious”, con Ian McKellan, para ITV, “Last Tango in Halifax” y “Last Tango in Halifax 2 & 3”, para BBC, “Titanic”, de Ciaran Donnelly, y “The Borgias”, de Neil Jordan, para Showtime.

Entre sus demás créditos en televisión se encuentran “Miss Marple: Murder at the Vicarage”, “The Gathering Storm” y “Cadfael”, donde interpretó el papel del título. Jacobi también hizo recientemente la narración de la serie de televisión infantil “In the Night Garden”.

Educado en la Facultad de St. John’s, en Cambridge, en 1983, Sir Derek Jacobi fue nombrado caballero por sus servicios al teatro y, en 1989, fue honrado como Knight First Class of the Order of the Danneborg (Caballero de la primera clase de la orden de Daneburgo) (título de caballero danés).

Josh Gad – Hector MacQueen

JOSH GAD les aporta ingenio, humor y profundidad a todos sus papeles, desde un hombre de nieve que ama el verano a un misionero mormón chiflado.

Gad protagonizó recientemente la película de acción en vivo “Beauty and the Beast” (La bella y la bestia), en el papel de ‘Le Fou’, el compinche de Gaston, para Disney.

Recientemente terminó la producción de “Marshall”, para Open Road Film, acerca de Thurgood Marshall, miembro de la Suprema Corte de Justicia.

No tiene mucho tiempo que prestó su voz para “The Angry Birds Movie”, para Sony, una adaptación cinematográfica animada del popular juego.

Los siguientes proyectos de Gad incluyen la comedia “Heavy Duty”, para Paramount, basada en su idea original, y “Russ and Roger”, para STX, donde actuará al lado de Will Ferrell e interpretará el papel de Roger Ebert.

El año pasado, Gad actuó al lado de Billy Crystal en el programa “The Comedians”, para FX, acerca de un comediante veterano quien es emparejado de manera renuente con un comediante más joven y agudo, para un programa nocturno de sketches cómicos.

Créditos cinematográficos adicionales incluyen haber protagonizado junto a Adam Sandler y Peter Dinklage “Pixels” (Pixeles), para Sony; haber actuado al lado de Kevin Hart en “The Wedding Ringer” (Alquiler de padrinos); el proyecto independiente “Wish I Was Here”, de Zach Braff; haber protagonizado al adorable compinche ‘Olaf’ en la premiada película animada “Frozen” (Frozen; Una aventura congelada), para Disney; “Jobs” (Jobs: El hombre que revolucionó al mundo), película biográfica de Steve Jobs; “Thanks for Sharing” (Gracias por compartir), con Gwyneth Paltrow, Mark Ruffalo y Tim Robbins; “The Internship” (Aprendices fuera de línea), de Shawn Levy, al lado de Vince Vaughn y Owen Wilson; “Love & Other Drugs” (De amor y otras adicciones), de Ed Zwick, con Jake Gyllenhaal, Anne Hathaway y Hank Azaria; “The Rocker”, de Shawn Levy, junto a Rainn Wilson; “21”, junto a Kate Bosworth, Lawrence Fishburne y Kevin Spacey; y “Crossing Over” (Persecución inminente), con Harrison Ford, Sean Penn, Ray Liotta y Ashley Judd. Otros créditos de voz incluyen “Ice Age: Continental Drift” (La era de hielo 4), al lado de Ray Romano, Queen Latifah, Jennifer Lopez y John Leguizamo.

En el 2012, Gad fungió como productor ejecutivo, co-creador y estrella de la comedia familiar “1600 Penn”, para NBC. Interpretó a Skip Gilchrist, el hijo mayor y torpe del presidente (Bill Pullman), cuyos intentos sinceros por hacer lo correcto con frecuencia salen mal. Gad también prestó su voz a ‘Woodie’ en la serie animada “Good Vibes”, para MTV, e interpretó el papel que le da nombre al título en “Gigi: Almost American”, para BBC Worldwide. Ha aparecido como actor invitado en series exitosas, tales como “New Girl” y “Modern Family”.

Gad también gozó de un éxito rotundo en Broadway cuando interpretó a Elder Cunningham en la comedia musical “Book of Mormon”, ganadora del Premio Tony. Por su papel, Gad fue nominado para premios Tony, Drama League y Astaire, y ganó el Premio Outer Critics Circle. Hizo su debut en Broadway en la producción de “The 25th Annual Putnam County Spelling Bee”, ganadora del Premio Tony.

Después de haberse graduado de la escuela de teatro de Carnegie Mellon, Gad comenzó su carrera en el teatro. Después turnó su atención a la comedia, que lo llevó a cofundar su propia compañía, The Lost Nomads Comedy Troupe.

Penélope Cruz – Pilar Estravados

La ganadora del Premio de la Academia Penélope Cruz se ha demostrado a sí misma ser una de las actrices jóvenes más versátiles, después de haber interpretado una variedad de personajes interesantes, y haberse convertido en la primera actriz española en haber sido nominada y obtenido un Oscar.

Presentada por primera vez ante las audiencias norteamericanas en las películas españolas “Jamón, Jamón” y “Belle Epoque” (Bella época), en 1998 protagonizó su primera película en habla inglesa, “The Hi-Lo Country”, para el director Stephen Frears, al lado de Woody Harrelson, Patricia Arquette y Billy Crudup. En 1999, Cruz obtuvo el premio a Mejor Actriz en la treceava edición de los Premios Goya, otorgado por la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas Española, por su papel en “La chica de tus sueños”, de Fernando Trueba.

Para confirmar su estatus como la actriz española internacional más popular, Cruz obtuvo una serie de codiciados papeles. Apareció en “All the Pretty Horses” (Espíritu salvaje), de Billy Bob Thornton, “Woman on Top” (Las mujeres arriba), de Fina Torres, “Open Your Eyes” (Abre los ojos), de Alejandro Amenábar, “Twice Upon a Yesterday”, de Maria Ripoli, y “Talk of Angels”, de Nick Hamm. Además, Cruz coprotagonizó “Carne trémula” y la aclamada “Todo sobre mi madre”, ambas de Pedro Almodóvar. “Todo sobre mi madre” obtuvo el Globo de Oro y el Oscar a Mejor Película Extranjera.

Después vino un papel junto a Johnny Depp en “Blow” (Inhala), para el director Ted Demme, y “Captain Corelli’s Mandolin” (La mandolina del capitán Corelli), al lado de Nicolas Cage. Después de eso, Cruz actuó junto a Tom Cruise en el thriller erótico “Vanilla Sky” (Ídem), de Cameron Crowe. A la postre, actuó en “Masked & Anonymous”, “Fan Fan la Tulipe”, que inauguró el Festival de Cine de Cannes en el 2003, y “Don’t Tempt Me”. Cruz recibió críticas entusiastas por su actuación en “Don’t Move” (Non ti Muovere), por la que fue galardonada con un Premio David Di Donatello (Oscar italiano) y el Premio European Film a Mejor Actriz.

Para sumarle a su ya de por sí diversa y brillante variedad de créditos cinematográficos, Cruz actuó en las películas “Gothika” (Espíritus ocultos), “Head in the Clouds” (Días de pasión), “Noel” y “Chromophobia”. Penélope también coprotagonizó con Matthew McConaughey y William H. Macy el filme cargado de acción “Sahara” (Ídem), donde interpretó a la Dr. Eva Rojas.

En el 2006, Cruz protagonizó “Volver”, que la volvió a reunir de nueva cuenta con su director y querido amigo Pedro Almodóvar. Aclamada por la crítica por su papel como Raimunda, obtuvo premios a Mejor Actriz en los Premios European Film, los Premio Goya, el Festival de Cine de Cannes, además de haber recibido nominaciones al Globo de Oro y al Oscar.

Más adelante, Penélope estelarizaría “Elegy” (La elegida), al lado de Ben Kingsley, y “Vicky Cristina Barcelona” (Ídem), de Woody Allen, junto a Javier Bardem y Scarlet Johansson. Penélope obtuvo un Oscar, un BAFTA, un Premio del New York Film Critics Circle (Círculo de Críticos de Cine de Nueva York) y un premio National Board of Review a Mejor Actriz Secundaria por su actuación en “Vicky Cristina Barcelona”, lo que hizo del 2008 un muy buen año para ella.

En el 2009, Penélope y Almodóvar se reunieron por cuarta ocasión para la película “Abrazos Rotos”, por la que recibió elogios de la crítica por su interpretación de Lena. También ese año hizo mancuerna con el director Rob Marshall por primera vez, y actuó al lado de Daniel Day Lewis, Nicole Kidman y Marion Cotillard en la versión cinematográfica del musical “Nine” (Nine: Una vida de pasión). Su destacada interpretación de Carla le valió nominaciones al Screen Actors Guild® (Sindicato de Actores de Cine), al Globo de Oro® y al Premio de la Academia. Su tercera nominación al Oscar hizo historia, ya que representó la tercera ocasión en la historia que la ganadora del Premio de la Academia a Mejor Actriz Secundaria es nominada nuevamente para el mismo galardón al año siguiente.

En el 2011, Penélope actuó al lado de Johnny Depp en el exitazo taquillero internacional “Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides” (Piratas del Caribe: Navegando aguas misteriosas), la cuarta parte de la serie de películas dirigidas por Rob Marshall. En el verano de 2011, Penélope también filmó “To Rome with Love” (De Roma con amor), de Woody Allen, que fue estrenada el 22 de junio de 2012. La película, que se llevaba a cabo en Roma, también fue estelarizada por Alec Baldwin, Roberto Benigni, Judy Davis, Jesse Eisenberg, Greta Gerwig y Ellen Page. En el 2013, Penélope protagonizó el thriller “The Counselor” (El abogado del crimen), de Ridley Scott, al lado de Cameron Diaz, Michael Fassbender, Javier Bardem y Brad Pitt. A la postre, estelarizaría “Twice Born” dirigida por Sergio Castellitto, para quien protagonizó previamente su aclamado filme “Don”t Move”.

En el 2016, Penélope protagonizó “Zoolander 2”, la muy esperada secuela de la comedia del 2001 dirigida y protagonizada por Ben Stiller, así como “The Brothers Grimsby” (Grimsby), de Louis Leterrier, junto a Sacha Baron Cohen, Ian McShane, Rebel Wilson e Isla Fisher. A la postre, produjo y estelarizó “Ma Ma”, dirigida por el aclamado director español Julio Médem. La película se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Toronto en el 2015 y fue estrenada en cines en mayo de 2016. “La Reina de España”, de Fernando Trueba, fue estrenada en noviembre de 2016 y le valió a Penélope su novena nominación al Premio Goya.

Penélope protagonizó más recientemente “Loving Pablo”, junto a Peter Sarsgaard y Javier Bardem. Escrita y dirigida por Fernando León de Aranoa, la película sigue a una periodista que entabla una relación romántica con el infame capo de las drogas Pablo Escobar. En el 2017, la película se estrenó en el Festival de Cine de Venecia, y se presentó en el Festival Internacional de Cine de Toronto y en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

Después, estelarizará “Asesinato en el Expreso de Oriente”, para 20th Century Fox, con un reparto notable, que incluye a Johnny Depp, Michelle Pfeiffer, Daisy Ridley, Michael Pena, Judi Dench y Josh Gad, así como a Kenneth Branagh, quien también dirigió. Basada en la novela de 1934 de Agatha Christie, el misterio comienza después de que un hombre de negocios estadounidense es asesinado a bordo del tren, y el detective intenta resolver el asesinato, que lo lleva a descubrir que las trece personas tenían algún tipo de relación con la víctima del crimen. La película se estrenará en cines el 10 de noviembre de 2017.

Este enero, Penélope interpretará a Donatella Versace, hermana del diseñador de modas asesinado Gianni Versace, en “Versace: American Crime Story”, para FX; tercera parte de la serie de antología ganadora del Emmy, creada por Ryan Murphy, Nina Jacobson y Brad Sim. El programa representa el debut de Penélope en la televisión estadounidense.

Manuel García-Rulfo – Marquez

Manuel García-Rulfo nació en Guadalajara, Jalisco, México. Creció en un rancho en el seno de una gran familia, caballos y su querida pastor alemán Anya. Su abuelo, un aficionado al cine, creaba obras y películas pequeñas que protagonizaba Manuel, con muchos de sus primos. A la edad de 12 años, viajó a los Estados Unidos para quedarse un año con una familia norteamericana en Vermont para sumergirse de lleno en aprender a hablar inglés. En la preparatoria, Manuel se inscribió en el programa teatral y es ahí cuando supo que quería ir en búsqueda de una carrera en la actuación. Ahorró dinero y se mudó a Los Ángeles para estudiar en la New York Film Academy y el Larry Moss Studio.

Manuel después se regresó a México y obtuvo su primer papel protagónico en cine en “La última y nos vamos”, (“One for the Road”), dirigida por Eva López Sánchez, que le dio reconocimiento en la comunidad cinematográfica mexicana, y lo llevó a hacer películas tales como “180 Grados” y “La Noche de las Flores”.

“Bless Me, Ultima”, dirigida por Carl Franklin, fue la primera película estadounidense de Manuel. Aunque continúa apareciendo en cine y televisión en México, también actuó al lado de Jennifer Aniston en “Cake” y tuvo un gran papel recurrente en la serie “From Dusk Till Dawn”, del productor/director Robert Rodriguez.

Manuel fue visto más recientemente al lado de Denzel Washington, Chris Pratt y Ethan Hawke en “The Magnificent Seven” (Los siete magníficos). Dirigida por Antoine Fuqua, la película fue estrenada por MGM, y Sony a escala mundial, que la llevó a recabar $160 millones de dólares. La crianza de Manuel montando caballos fue una habilidad valiosa para interpretar el papel de Vasquez, pero sí tuvo que entrenar para saber manejar la pistola.

En 2018, Manuel será visto al lado de Benicio Del Toro en “Soldado”, secuela de “Sicario”, en “Widows”, de Steve McQueen, con Liam Neeson, Colin Farrell y Michelle Rodriguez, y en “Mary” junto a Gary Oldman y Emily Mortimer.

Vive tanto en Los Ángeles como en Guadalajara, en el rancho, y continúa estudiando actuación en The Actor’s Studio.

Olivia Colman – Hildegarde Schmidt

Olivia Colman es una actriz multi-premiada. Sus créditos cinematográficos incluyen la ganadora del BAFTA “Tyrannosaur” (2011), dirigida por Paddy Consodine, por la que obtuvo un Premio Especial del Jurado World Cinema a actuación revelación en Sundance, y premios a Mejor Actriz en los Premios British International y en los Premio Evening Standard.

En el 2015, protagonizó la comedia romántica distópica “The Lobster” (La langosta), dirigida por Yorgos Lanthimos. La película fue nominada para la Palma de Oro en Cannes y a la postre ganaría el Premio del Jurado. Por su papel, Colman obtuvo en el 2015 el premio a Mejor Actriz Secundaria en los Premios British Independent Film y fue nominada en la categoría de Mejor Actuación de Comedia en los Premios Evening Standard. Después, interpretará el papel protagónico de la reina Anne en “The Favourite”, dirigida por Yorgos Lanthimos, donde actuará junto a Emma Stone y Rachel Weisz. La película será estrenada en el 2018.

Otros créditos cinematográficos incluyen “London Road”, dirigida por Rufus Norris y también protagonizada por Tom Hardy, “The Iron Lady” (La dama de hierro), en la que interpretó a Carol Thatcher, al lado de Meryl Streep; “Hyde Park On Hudson” (La visita del rey); “Locke”; “Cuban Fury”; y “Hot Fuzz” (Hot Fuzz: Súper policías).

En el 2017, Olivia ganó un Globo de Oro por su interpretación de Angela Burr en la adaptación televisiva de la novela de intriga de John Le Carré “The Night Manager”, y, en el 2014, obtuvo el premio a Mejor Actriz Protagónica por su papel como ‘DS Ellie Miller’ en la exitosa serie “Broadchurch”, para ITV, que se transmitió durante tres temporadas.

En el 2013, Colman ganó dos Premios BAFTA Television, uno a Actuación Femenina en un Programa de Comedia por su interpretación de ‘Sally Owen’ en “Twenty Twelve”, el otro a Mejor Actriz Secundaria por su papel como ‘Sue’ en “Accused”. En el 2015, también fue nominada en los BAFTA a Mejor Actuación Femenina en una Comedia Dramática por su papel como ‘Alex Smallbone’ en la comedia clerical “Rev”, para BBC 2.

Créditos en televisión adicionales incluyen: “Flowers” (Channel 4); “Fleabag” (BBC/Amazon); “Accused” (BBC); “The Thirteenth Tale” (BBC); “Twenty Twelve” (BBC); “Mr. Sloane” (Sky Atlantic); “The Secrets” (BBC); “The Suspicions of Mr. Whicher II” (ITV1); “Peep Show” (Channel 4); “Exile” (BBC); y “Greenwing” (Channel 4).

En escena, Colman terminó recientemente una corrida en “Mosquitoes”, original de Lucy Kirkwood, en el National Theatre, dirigida por Rufus Norris. Otros trabajos en escena incluyen la producción de Howard Davies de “Hay Fever” (Noel Coward), así como “England People Very Nice” (National Theatre).

Willem Dafoe – Gerhard Hardman

En 1979, a Willem Dafoe le dieron un pequeño papel en “Heaven’s Gate”, de Michael Cimino, de donde fue despedido. Su primer papel en cine se presentó poco después en “The Loveless”, de Kathryn Bigelow. A partir de ese momento, actuaría en más de 100 filmes – en Hollywood [“John Carter” (John Carter: Entre dos mundos), “Spider-Man” (El hombre araña), “The English Patient” (El paciente inglés), “Finding Nemo” (Buscando a Nemo), “Once Upon A Time In Mexico”, “Clear And Present Danger” (Peligro inminente), “White Sands” (Arenas blancas), “Mississippi Burning” (Mississippi en llamas), “Streets Of Fire” (Calles de fuego), “American Dreamz” (Muriendo por un sueño)], en películas independientes de los EEUU [“Out of The Furnace”, “The Fault in Our Stars” (Bajo la misma estrella), “Bad Country”, “John Wick” (Otro día para matar), “The Clearing” (Secretos de un secuestro), “Animal Factory”(Fábrica de animales), “The Boondock Saints” (El quinto infierno), “American Psycho” (Psicópata americano)] y en el extranjero [“The Great Wall” (La gran muralla), de Zhang Yimou, “The Dust Of Time”, de Theo Angelopoulos, “Pavillion Of Women”, de Yim Ho, “Edges Of The Lord” (Más fuerte que el corazón), de Yurek Bogayevicz, “Faraway, So Close” (Tan lejos, tan cerca), de Wim Wenders, el segmento de Nobuhiro Suwa de “Paris Je t’aime” (París, te amo), “Tom & Viv”, de Brian Gilbert, “Farewell”, de Christian Carion, “Daybreakers” (La hermandad), de los hermanos Spierig, “The Hunter” (El cazador), de Daniel Nettheim, “A Most Wanted Man”, de Anton Corbijn, y el éxito de taquilla internacional , “Mr. Bean’s Holiday” (Las vacaciones de Mr. Bean)].

Dafoe elige proyectos por la diversidad de los papeles y la oportunidad de trabajar con directores de renombre. Ha trabajado en películas de Wes Anderson [“The Life Aquatic with Steve Zissou” (Vida Acuática), “The Grand Budapest Hotel” (El gran hotel Budapest) y “The Fantastic Mr. Fox” (El fantástico Sr. Zorro)], Martin Scorsese [“The Aviator” (El aviador), “The Last Temptation of Chris”) (La última tentación de Cristo)], Spike Lee [“Inside Man” (Plan perfecto)], Julian Schnabel [“Miral”, “Basquiat” (Ídem)], Paul Schrader [“Auto Focus” (Desenfocado), “Light Sleeper”, “The Walker” (El acompañante), “Adam Resurrected”, “Dog Eat Dog”], David Cronenberg (“Existenz”), Abel Ferrara [“Pasolini”, “444: The Last Day on Earth” (444: Último día en la tierra), “Go Go Tales”, “New Rose Hotel”], David Lynch [“Wild at Heart” (Salvaje de corazón)], William Friedkin (“To Live and Die in LA”), Werner Herzog (“My Son What Have Ye Done”), Oliver Stone [“Born on the Fourth of July” (Nacido el 4 de julio), “Platoon” (Pelotón)], Tommy Wirkola (“What Happened to Monday?”), Giada Colagrande (“A Woman”, “Before It Had a Name” y “Padre”) y Lars von Trier [“Antichrist” (Anticristo), “Manderlay” y “Nymphomaniac I & II” (Ninfómana 1 y 2)].

Ha sido nominado en dos ocasiones para el Premio de la Academia [“Platoon” y “Shadow of the Vampire” (La sombra del vampiro)] y una para el Globo de Oro. Entre sus otras nominaciones y premios, recibió un Premio LA Film Critics y un Premio Independent Spirit.

Entre sus películas venideras, se encuentran “The Florida Project”, de Sean Baker, “Aquaman”, de James Wan, para DC Comics, y “At Eternity”s Gate, de Julian Schnabel, donde interpretará a Vincent Van Gogh.

Dafoe es uno de los miembros fundadores de The Wooster Group, un colectivo de teatro experimental ubicado en Nueva York. Creó y actuó en todas las obras del grupo de 1977 al 2005, tanto en los EE. UU. como a escala internacional. Desde entonces, trabajó con Richard Foreman en “Idiot Savant” en The Public Theatre (NYC) y, más recientemente, en dos producciones internacionales con Robert Wilson: “The Life & Death of Marina Abramovic” y “The Old Woman”, junto a Mikhail Baryshnikov.

Daisy Ridley – Mary Debenham

Daisy Ridley es una actriz inglesa mejor conocida por la actuación que la puso en un primer plano como ‘Rey’ en la película “Star Wars: The Force Awakens” (Star Wars: El despertar de la fuerza), en el 2015. En “Star Wars: Episode VIII”, que será estrenada por Disney el 15 de diciembre de 2017, repetirá su papel.

Después de su aparición en “Star Wars VII”, Ridley le dio voz al papel protagónico de ‘Taeko’ en la edición del 25º aniversario de la clásica película animada “Only Yesterday”, de los estudios Ghibli, que se reestrenó a principios de este año. También fungió como productora ejecutiva del documental “The Eagle Huntress”, que se estrenó en el 2016 en el Festival de Cine de Sundance. Los derechos de distribución de la película, que trata de una joven cazadora de águilas llamada Ashol-Pan, que vive en las montañas del noroeste de Mongolia, fueron adquiridos por Sony Pictures Classics y Celluloid Dreams después del festival. Fue estrenada el 28 de octubre de 2016, y fue nominada recientemente para un premio del Producers Guild (Sindicato de productores) en la categoría Documentary Theatrical Motion Pictures (Documental largometraje para cine), además de haber sido nombrado uno de los ‘Mejores cinco documentales’ por parte de la National Board of Review, en el 2016.

Este año, también cantó el dueto ‘At the Ballet’ de “A Chorus Line” con Anne Hathaway para Encore: Movie Partners Sing Broadway Album, de Barbra Streisand.

Ridley tiene varias películas en puerta, tales como el drama sobrenatural “Kolma”. El filme, dirigido por Marielle Heller, la reunirá de nueva cuenta con J.J. Abrams, quien será el productor.

En el 2016, Daisy recibió el Premio Oscar Wilde. La alianza sin fines de lucro EE. UU.-Irlanda creó el evento para reconocer las contribuciones de los irlandeses en el cine.

Leslie Odom Jr. – Dr. Arbuthnot

El intérprete multifacético Leslie Odom, Jr. fue visto más recientemente en el exitoso musical de Broadway “Hamilton”, por el que obtuvo un Premio Tony a Mejor Actor Principal en un Musical por su papel como ‘Aaron Burr’.

De igual manera, ganó un Premio Grammy como solista principal de la grabación original del reparto en Broadway, que también obtuvo en el 2015 el premio a Mejor Álbum de Teatro Musical.

En el 2015, Odom, Jr. volvió a interpretar a Burr en una corrida ante localidades agotadas en el Public Theater, que le valió una nominación al Premio Drama Desk a Actor Protagónico Sobresaliente de un Musical y una nominación al Premio Lucille Lortel a Actor Principal Sobresaliente de un Musical.

Odom, Jr. hizo su debut en Broadway a los 17 años en “Rent”, antes de haber ingresado a la prestigiosa escuela de teatro de la Universidad de Carnegie Mellon, de la que se graduó con honores. En el 2002, obtuvo el Premio Princess Grace a la Actuación, que se dedica a identificar talento prometedor en el teatro, la danza y el cine.

Créditos de teatro adicionales incluyen “Leap of Faith”, en Broadway, por la que ganó en el 2012 el Premio Astaire a Bailarín Sobresaliente en Broadway, y fue nominado a un Premio Drama League; el musical “Venice” (2014), que también se presentó en el Public Theatre; y la producción del Encores! Off-Center de “Tick, Tick… Boom!”, que fue la primera vez que trabajó con el creador de “Hamilton”, Lin-Manuel Miranda.

En la pantalla chica, Odom, Jr. es mejor conocido por su interpretación de ‘Sam Strickland’ en la serie musical “Smash”, para NBC, y por su papel recurrente como el reverendo ‘Curtis Scott’ en “Law & Order: SVU”. También ha aparecido en episodios de “Gotham”, “Person of Interest”, “Grey”s Anatomy”, “House of Lies”, “Vanished” y “CSI: Miami”. En el 2012, protagonizó en la pantalla grande “Red Tails”, al lado de Terrence Howard, Cuba Gooding, Jr. y David Oyelowo.

Como artista discográfico, su álbum debut que lleva su nombre, alcanzó el primer lugar en las listas de iTunes Jazz y fue nominado para un Premio NAACP Image a Álbum Sobresaliente de Jazz.

Odom, Jr. fue criado en Filadelfia, y en la actualidad vive en Los Ángeles.

Lucy Boynton – Condesa Elena Andrenyi

Lucy Boynton es un talento, prometedor, cuyo aplomo afable y actuaciones enigmáticas están dejando una huelle indeleble a lo largo de la industria del entretenimiento. Boynton después será vista en “Asesinato en el Expreso de Oriente”, de Kenneth Branagh, protagonizada por Jonny Depp, Michelle Pfeiffer y la Dama Judi Dench. Basada en la novela homónima de Agatha Christie, la película detalla un lujoso viaje en tren a través de Europa, mientras se convierte rápidamente en un misterio emocionante que deja a trece extraños varados en un tren. Twentieth Century Fox estrenará la película el 10 de noviembre de 2017.

En la actualidad, Boynton se encuentra en la producción de “Bohemian Rhapsody”, de Bryan Singer, al lado de Rami Malik. La película biográfica se centra en Freddie Mercury, cantante de la icónica banda de rock Queen. Boynton interpreta a ‘Mary Austin’, compañera de toda la vida de Freddie (Malek). Fox tiene programado estrenar la película el 25 de diciembre de 2018.

Boynton también aparecerá en el venidero thriller de época “Apostle”, de Gareth Evans, al lado de Dan Stevens y Michael Sheen, para Netflix. La película sigue a un hombre que viaja a una isla remota para intentar rescatar a su hermana, después de que fue secuestrada por un culto religioso.

Boynton fue vista más recientemente en “Rebel in the Rye”, película biográfica del escritor J.D. Salinger, dirigida por Danny Strong, y protagonizada por Nicholas Hoult, Kevin Spacey y Sarah Paulson. La película es una adaptación de la biografía de Kenneth Slawenski, “J.D. Salinger: A Life”, y sigue al legendario y hermético autor a lo largo de su vida y se centra en la incepción de su novela icónica “The Catcher in the Rye” (El guardián entre el centeno). También este año, Boynton fue vista en la serie “Gypsy”, de Lisa Rubin, para Netflix, al lado de Naomi Watts. La serie sigue a Jean Holloway (Watts), una terapeuta que comienza a entablar relaciones peligrosas e íntimas con gente de la vida de sus pacientes. Boynton interpretó a ‘Alison’, una de sus pacientes de 19 años, que recién acaba de abandonar la escuela para apoyar su adicción a las drogas y está batallando por escondérsela a su madre. También apareció en la película de terror “The Blackcoat Daughter” (La enviada del mal), de Osgood Perkins, al lado de Emma Roberts y Kiernan Shipka.

El papel revelación de Boynton le llegó cuando obtuvo el protagónico femenino en el aclamado musical-comedia dramática “Sing Street” (Sing Street; este es tu momento), de John Carney, donde actuó al lado de Ferdia Walsh-Peelo. La historia sigue a un chico creciendo en Dublín durante la década de los ’80, que para escapar de las tensiones familiares conforma una banda de rock para impresionar a la chica que le gusta (Boynton). La película obtuvo críticas entusiastas y fue nominada para múltiples premios, incluyendo un Globo de Oro en la categoría de Mejor Película – Comedia o Musical. Boynton comenzó su carrera cinematográfica como la joven ‘Beatrix Potter’ en “Miss Potter”, de Chris Noonan, por la que recibió una nominación a Mejor Actriz Secundaria Joven en una Película en los Premios Young Artists.

Créditos cinematográficos adicionales incluyen “Let Me Go”, de Polly Steele, con Juliet Stevenson y Johdi May; la producción de la BBC de “Ballet Shoes”, al lado de la Dama Eileen Atkins, Victoria Wood y Emma Watson; “I Am The Pretty Thing That Lives In The House”, de Osgood Perkins, junto a Ruth Wilson y Bob Balaban; “Don’t” Knock Twice” (No toques dos veces), de Caradog James; “Lock In”, de Neville Pierce; el drama de la Guerra Civil de EE. UU. “Copperhead”, de Ron Maxwell; “MO”, de Philip Martin; y “Hymn To Pan”, de Ryan Vernav.

En la pantalla chica, Boynton es conocida por su papel de ‘Angelica Bell’, hija de la artista Vanessa Bell y sobrina de Virginia Woolf, en el drama de tres partes acerca del grupo Bloomsbury “Life In Square”, para la BBC 2. También es conocida por su papel de ‘Margaret Dashwood’ en la producción de tres partes de la BBC de “Sense & Sensibility”, que fue adaptada por el ganador del Premio BAFTA Andrew Davies, y fue protagonizada por Dominic Cooper y Dan Stevens. Boynton tuvo apariciones como actriz invitada en numerosos programas de televisión, incluyendo “Law & Order UK”, “Endeavour”, “Lewis”, y la serie nominada al BAFTA “Borgia”, para Channel 4.

En el 2012, Boynton también actuó en el video musical de Saint Raymond para su canción debut, “Fall At Your Feet”. Boynton nació en Nueva York y fue criada en Londres, donde vive en la actualidad.

Sergei Polunin – Conde Rudolph Andrenyi

Sergei Polunin antes fue el bailarín principal del British Royal Ballet y en la actualidad es bailarín principal del Stanislavsky and Nemirovich – Danchenko Moscow Academic Music Theatre y del Novosibirsk Opera and Ballet Theatre.

Después de que Polunin se graduó del Instituto Coreográfico de Kiev, se unió a la escuela British Royal Ballet a los 13 años en el 2003, patrocinado por la Rudolf Nureyev Foundation. En el 2009, se volvió solista del Royal Ballet. En junio de 2010, Polunin se convirtió en el bailarín principal más joven en la historia del Royal Ballet.

En el 2012, Plunin fue invitado a Rusia por Igor Zelensky, y se convirtió en el bailarín principal de
The Stanislavsky Music Theatre y del Novosibirsk State Academic Opera and Ballet Theatre.

Polunin ha recibido numerosos premios, incluyendo el Premio de Lausanne y el Premio Youth America Grand en el 2006, además de haber sido nombrado Bailarín Británico Joven del Año, en el 2007.

En el 2014, Polunin comenzó su colaboración con el afamado fotógrafo y director de videos musicales estadounidense David LaChapelle, y formó parte de sus nuevos proyectos, incluyendo el video de danza “Take Me to Church”, con música de Hozier, que se presentó en febrero de 2015.

El documental biográfico “Dancer”, dirigido por Steve Cantor y producido por Gaby Tana para BBC Films, fue estrenado en el 2016.

Entre sus numerosas presentaciones, se encuentran el papel del título en “Spartacus”, a ‘Rudolf’ en “Mayerling”, ‘Des Grieux’ en “L’histoire de Manon”, ‘Aminta’ en “Sylvia”, ‘Solor’ en “La Bayadère”, ‘Albrect’ en “Giselle”, ‘El Príncipe Cascanueces’ en “The Nutcracker” (El cascanueces), ‘El Príncipe’ en “Cinderella” (La cenicienta), ‘El Príncipe Désiré’ en “The Sleeping Beauty” (La bella durmiente), ‘Armand’ en “Marguerite and Armand”, ’Knave of Hearts’ en “Alice’s Adventures in Wonderland”, en la que fue el primer intérprete del papel y participante de su primer estreno, ‘Basilio’ en “Don Quixote”, ‘Ali’ en “Le Corsaire”, ‘Frantz’ en “Coppélia”, ‘El Príncipe Siegfried’ en “Swan Lake” (El lago de los cisnes), ‘El Lobo’ en “Peter and the Wolf” (Pedro y el lobo), ‘Slave Master’ (Hannibal) y ‘Shepherd’ (Il Muto) en “Phantom of the Opera” (El fantasma de la ópera), original de Andrew Lloyd Webber, en el Royal Albert Hall.

Entre sus demás proyectos se encuentran interpretar al fauno y a James Dean en “Men in Motion”; un proyecto de Dior llamado “Can I make the music fly?”; presentaciones para el proyecto ruso del Big Ballet (Bolshoi Ballet) en el canal de televisión Kultura (Cultura); interpretar al fauno en el concierto Bohemian Tune en Moscú, al lado de Gérard Depardieu, coreografiado por Sergei Polunin, Alexey Lyubimov y Lucien d’Hervilly; y el estreno de “Paquita grand pas”, que se llevó a cabo en la ópera estatal de Novosibirsk y en el Ballet Theatre, en el 2013.

Tom Bateman – Bouc

Tom Bateman apareció más recientemente en la comedia “Snatched” (Viaje salvaje), de Jonathan Levine, al lado de Goldie Hawn y Amy Schumer, estrenada en el 2017. Pronto será visto al lado de Liam Neeson en el próximo thriller de venganza “Hard Powder”, de Hans Petter Moland. También protagonizado por Emmy Rossum, Laura Dern y William Forsythe, la película es una adaptación de la película noruega de Moland “In Order of Disappearance”, a partir de un guión de Frank Baldwin.

En televisión, Bateman ha interpretado los papeles del título en “Jekyll & Hyde”, para ITV, y también ha aparecido en la serie “The Honourable Woman”, de Hugo Blick, para la BBC, “The Tunnel”, de Dominik Moll, “Da Vinci’s Demons”, de David Goyer, “Parade”s End”, de Susanna White, entre otros. Bateman, que regresó a la pantalla chica, se encuentra actualmente en producción de la adaptación de “Vanity Fair”, al lado de Olivia Cooke, para ITV y Amazon. Bateman interpretará al capitán ‘Rawdon Crawley’, uno de los dos hermanos que está en riesgo de perder su familia y fortuna a raíz de su pasión y deseo por estar con ‘Becky Sharp’, interpretada por Cooke. La serie de siete partes está basada en la novela homónima de William Makepeace Thackeray.

En escena, como miembro de la Kenneth Branagh Theatre Company, Bateman colaboró más recientemente con el director Branagh en sus producciones teatrales de “The Winter”s Tale” y “Harlequinade” en el teatro Garrick, del West End. Entre sus numerosos créditos teatrales también se encuentran el papel de Will Shakespeare en la producción de Declan Donnellan de “Shakespeare in Love”, en el teatro Noel Coward, y producciones de “Lizzie Siddal”, “The Duchess of Malfi”, “The Lion in Winter” y “Much Ado About Nothing”.

Bateman estudió en el LAMDA, en Londres, donde se hizo acreedor a la beca Leverhulme 2009-2011.

Marwan Kenzari – Pierre Michel
Marwan Kenzari es un premiado actor holandés. Recibió elogios de la crítica por su intensa e inquietante actuación en el drama criminal holandés “Wolf”, en el que interpretó a un inmigrante marroquí recién puesto en libertad condicional, que lucha entre convertirse en un boxeador prometedor o un sicario en ascenso. En el 2013, su actuación le valió un Premio Golden Calf a Mejor Actor en el Festival de Cine de Holanda. El Festival Internacional de Cine de Berlín eligió a Marwan como Shooting Star (Estrella del mañana) en el 2014, mientras que Variety lo presentó como un ‘talento internacional a seguir’ en febrero de 2014. En diciembre de 2016, The Hollywood Reporter lo reconoció como uno de los ‘15 talentos internacionales revelación del 2016’.
En el 2009, Marwan se graduó de la prestigiosa academia teatral Maastricht, una de mejores academias de teatro de Europa. Poco tiempo después, se unió al Amsterdam Theatre Group para trabajar con el aclamado director internacional Ivo van Hove (“A View from the Bridge”, “Lazarus”). Marwan fue visto en escena en obras tales como “Angels in America”, “Opening Night”, “Roman Tragedies” y “The Russians”, que no sólo interpretó en Holanda, sino también en Nueva York, Moscú, Viena y Londres.
En el 2009, Marwan hizo su debut cinematográfico en “Maite Was Here”, del director ganador del Premio European Film Boudewijn Koole. Ese mismo año, protagonizó “The Last Days of Emma Bland”, del director-autor Alex van Warmerdam, cuyo filme “Borgman” se presentó en la sección de competencia del Festival de Cine de Cannes, en el 2013.
Un año después, Marwan obtuvo un papel en “Loft”, que, en el 2013, fue reconocido como ‘El mejor drama criminal holandés de la última década’ y obtuvo el Crimezone Award of Honor. Ese mismo año, el director primerizo Jim Taihuttu y Marwan unieron fuerzas para “Rabat”. La película representó el inicio de una prolongada colaboración entre Jim y Marwan, que continuó con “Wolf” en el 2013 y un tercer largometraje, que se encuentra actualmente en desarrollo.
En el 2016, hizo su debut internacional en “Collide” (Persecución al límite), con Anthony Hopkins, Nick Hoult, Felicity Jones y Ben Kingsley, seguida de una actuación en “Ben-Hur” (2016), del director Timur Bekmambetov. Actúa al lado de Noomi Rapace y Glenn Close en “What Happened to Monday” (2017), y puede ser visto con Christian Bale y Oscar Isaac en “The Promise” (La promesa) (2016), de Terry George, que se estrenó en Toronto en el 2016. Previo a ello, terminó “The Mummy” (La momia) (2017), junto a Tom Cruise y Russell Crowe, y “Asesinato en el Expreso de Oriente” (2017), al lado de Johnny Depp y Michelle Pfeiffer.
Recientemente, terminó el drama de espías “The Angel”, para Netflix, y está por interpretar el icónico papel de ‘Jafar’ en la versión musical de acción en vivo de la película de Disney “Alladin”, de Guy Ritchie.


ACERCA DEL EQUIPO DE PRODUCCIÓN

Mark Gordon – Productor

Mark Gordon es un premiado productor de cine y televisión con más de 100 películas y proyectos de televisión en su haber.

Además de “Asesinato en el Expreso de Oriente”, los filmes de Gordon incluyen los proyectos venideros “The Nutcracker and the Four Realms”, con Lasse Hallström como director, y protagonizado por Keira Knightley, Morgan Freeman, Mackenzie Foy y Misty Copeland; y “Molly’s Game”, protagonizado por Jessica Chastain e Idris Elba, con Aaron Sorkin fungiendo como guionista y director. Créditos cinematográficos previos incluyen “Saving Private Ryan” (Salvando al soldado Ryan) (que le valió a Gordon nominaciones al Premio de la Academia y al BAFTA, así como un Globo de Oro a Mejor Película), “Steve Jobs”, “2012”, “The Day After Tomorrow” (El día después de mañana), “Speed” (Velocidad máxima), “Source Code” (8 minutos antes de morir), “The Messenger” (El mensajero) y “The Patriot” (El patriota), entre otras. Como productor ejecutivo y financiero, los créditos de Gordon incluyen “Tomb Raider”, “Wonder Boys” (Loco fin de semana), “The Painted Veil” (Al otro lado del mundo), “A Simple Plan” (El plan) y “Primary Colors” (Escándalo).

En el mundo de la televisión, Gordon fungió recientemente como productor ejecutivo de “Ray Donovan”, “Grey”s Anatomy”, “Criminal Minds” y “Quantico”. The Mark Gordon Company también funge como co-estudio con ABC Studios en “Designated Survivor”, protagonizada por Kiefer Sutherland, que se encuentra actualmente en su segunda temporada por ABC. En el 2015, Gordon fue honrado por el Producers Guild of America con el Premio Norman Lear por sus logros en televisión. Gordon ha sido nominado en cinco ocasiones al Emmy y lo ha ganado dos veces. Además, ganó un Globo de Oro por su trabajo en “Grey”s Anatomy”. Algunos de sus otros créditos en televisión incluyen el programa ganador del Premio Emmy “Warm Springs”, así como “Private Practice”, “Army Wives” y “Reaper”.

En el 2015, The Mark Gordon Company se asoció con Entertainment One (eOne) para crear un estudio independiente de cine y televisión. Gordon funge como director general de la compañía, que financia y produce contenido de alta calidad tanto de Mark como de otros productores.

Gordon es presidente emérito del Producers Guild of America, al haber fungido como su presidente del 2010 al 2014, donde encabezó la fundación de The Producer’s Mark.

Un devoto filántropo y defensor de la educación pública, Gordon es fundador de Citizens of the World Charter Schools (CWC), que sirve a más de 1,400 alumnos en seis escuelas a lo largo de Los Ángeles, Brooklyn y Kansas City. En la actualidad, Gordon es parte del concejo del Fulfillment Fund, y es ex presidente de Teach for America Los Angeles. También es ex miembro del concejo del Festival de Cine de Virginia, Chrysalis, el Motion Picture and Television Fund y de la escuela de talleres de la UCLA.

Judy Hofflund – Productora

Hofflund, quien es principalmente agente y representante de talentos, comenzó siendo la primera mujer en la sala de correos de CAA. Después, fundó la exitosa agencia boutique Intertalent, que más tarde se fusionó con UTA.

Más adelante, fundó su propia compañía de representación. Como representante, se ha encargado de la carrera de Branagh durante veinte años, y también tuvo y ha tenido prolongadas relaciones laborales con Julia Louis-Dreyfus, Kevin Kline, Sally Field y Alan Rickman, entre otros. Junto con Gavin Polone, produjo “Panic Room” (La habitación del pánico), para Columbia Pictures, y “Drop Dead Gorgeous”, para New Line Cinema. También produjo “As You Like It”, de Branagh, para HBO.

Ridley Scott – Productor

Ridley Scott es un reconocido realizador nominado al Premio de la Academia®, honrado con nominaciones al Oscar® a Mejor Director por su trabajo en “Black Hawk Down” (La caída del halcón negro) (2001), “Gladiator” (Gladiador) (2000) y “Thelma & Louise” (Un final inesperado) (1991). Por las tres películas también recibió una nominación al Premio DGA (Sindicato de Directores de los EE. UU.). El éxito más reciente de Scott fue el aclamado y taquillero fenómeno “The Martian” (Misión rescate), protagonizado por Matt Damon y Jessica Chastain. “The Martian” recibió numerosos premios y nominaciones, incluyendo Globos de Oro® a Mejor Película Musical o Comedia, y Mejor Actor en un Musical o Comedia, siete nominaciones al Premio de la Academia, incluyendo Mejor Película, una nominación al Premio DGA, y seis nominaciones al BAFTA, incluyendo una a Mejor Director. Su estreno más reciente se dio este año con “Alien: Covenant”, secuela de “Prometheus”, protagonizada por Michael Fassbender y Katherine Waterston. Y, como productor, “Blade Runner: 2049”, que está resultando tener un gran éxito en taquilla y entre la crítica. Después, dirigirá “Wraiths of the Broken Land”, para 20th Century Fox.

Scott ha recibido múltiples reconocimientos a lo largo de su ilustre carrera. Además de sus nominaciones al Premio de la Academia y al DGA, también obtuvo una nominación al Globo de Oro® a Mejor Director por “American Gangster” (Gánster americano), protagonizada por Denzel Washington y Russell Crowe. Como también fungió como productor de este drama de la vida real, Scott compartió una nominación al BAFTA a Mejor Película. Scott también recibió nominaciones al Globo de Oro y BAFTA a Mejor Director por su épica “Gladiator”. El filme ganó el Oscar®, Globo de Oro® y BAFTA a Mejor Película.

En 1977, Scott hizo su debut como director de cine con “The Duellists” (Los duelistas), por la que obtuvo el Premio a Mejor Ópera Prima en el Festival de Cine de Cannes. A esta película le siguió el taquillero thriller de ciencia ficción “Alien” (Alien, El octavo pasajero), que catapultó a Sigourney Weaver al estrellato y generó una exitosa franquicia. En 1982, Scott dirigió el icónico filme “Blade Runner” (Ídem), protagonizado por Harrison Ford. Considerado un clásico de la ciencia ficción, el thriller futurista pasó a formar parte en 1993 del National Film Registry de la Librería del Congreso de los Estados Unidos, y una versión con el corte del director fue estrenada ante nuevos elogios en 1993 y nuevamente en el 2007.

Créditos cinematográficos adicionales de Scott como director incluyen “Gods And Kings” (Dioses y reyes), protagonizada por Christian Bale y Joel Edgerton; “The Counselor” (El abogado del crimen), escrita por Cormac McCarthy, y con Michael Fassbender, Brad Pitt, Cameron Diaz y Javier Bardem en los roles protagónicos; el aclamado éxito “Prometheus”, protagonizado por Michael Fassbender, Noomi Rapace y Charlize Theron; “Legend” (Leyenda), con Tom Cruise; “Someone To Watch Over Me” (Peligro en la noche), protagonizada por Tom Berenger; “Black Rain” (Lluvia negra), con Michael Douglas y Andy García; “1492: Conquest Of Paradise” (1492: La conquista del paraíso), protagonizada por Gérard Depardieu; “White Squall” (La tormenta), protagonizada por Jeff Bridges; “G.I. Jane”, con Demi Moore y Viggo Mortensen; “Hannibal” (Ídem), protagonizada por Anthony Hopkins y Julianne Moore; “Body of Lies” (Red de mentiras), con Russell Crowe y Leonardo DiCaprio; “A Good Year” (Un buen año), protagonizada por Russell Crowe y Albert Finney; la épica “Kingdom of Heaven” (Cruzada), con Orlando Bloom y Jeremy Irons; y “Matchstick Men” (Los tramposos), protagonizada por Nicolas Cage y Sam Rockwell; y “Robin Hood”, que representó su quinta colaboración con la estrella Russell Crowe, donde también actuó Cate Blanchett.

En 1967, Ridley y su hermano Tony, ya finado, fundaron la compañía de producción de comerciales y publicidad RSA. La empresa tiene una destacada reputación por haber creado innovadores y revolucionarios comerciales para algunas de las marcas más reconocidas del mundo.

En 1995, los hermanos Scott fundaron la compañía productora de cine y televisión Scott Free. Con oficinas en Los Ángeles y Londres, los Scott han producido películas tales como “In Her Shoes” (En sus zapatos), “The A-Team” (Brigada A: Los magníficos), “Cyrus”, “The Grey” (Un día para sobrevivir) y la nominada al Premio de la Academia “The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford” (El Asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford).

En televisión, Scott fungió como productor ejecutivo del exitoso programa de televisión “The Good Wife”, para CBS, ganador del Emmy®, Peabody y Globo de Oro®; y de la aclamada adaptación del clásico de Philip K. Dick “The Man in the High Castle”, para Amazon.

Scott también ha sido productor ejecutivo de proyectos de gran formato de la compañía, incluyendo la miniserie “The Pillars of The Earth” (Los pilares de la tierra), para Starz, la miniserie “The Andromeda Strain”, para A&E, la miniserie “The Company”, para TNT, y las premiadas películas “RKO 281”, “The Gathering Storm” e “Into the Storm”, todas para HBO, así como los telefilmes “Killing Lincoln”, “Killing Kennedy” y “Killing Jesus”, todos para National Geographic Channels.

En el 2003, la Reina Isabel II le otorgó a Scott el título de Caballero de la Orden del Imperio Británico en reconocimiento a sus contribuciones a las artes. En el 2016, recibió el Premio 30th American Cinematheque en la gala anual de la organización.

Simon Kinberg – Productor

Simon Kinberg se ha establecido como uno de los realizadores más prolíficos de Hollywood, después de haber escrito y producido proyectos para algunas de las franquicias más exitosas de la era moderna. Sus películas han recabado más de cinco billones de dólares en todo el mundo.

Kinberg se graduó de la Universidad de Brown, y obtuvo su maestría en bellas artes de la escuela de cine de la Universidad de Columbia, donde su proyecto de tesis final fue el guión original “Mr. & Mrs. Smith” (El Sr. y la Sra. Smith). La película, protagonizada por Brad Pitt y Angelina Jolie, fue estrenada en el 2005.

En el 2006, escribió “X-Men: The Last Stand” (X-Men 3: La batalla final), que se estrenó el Día de los Caídos (Memorial Day) para imponer récords en taquilla, y comenzó su relación con la franquicia, que continúa hasta la fecha. En el 2008, Kinberg escribió y produjo la película “Jumper” (Ídem), de Doug Liman, para 20th Century Fox. En el 2009, Kinberg coescribió la película “Sherlock Holmes” (Ídem), protagonizada por Robert Downey Jr. y dirigida por Guy Ritchie. La película recibió un Globo de Oro a Mejor Actor y fue nominada para dos Premios de la Academia.

En el 2010, Kinberg fundó su compañía productora, Genre Films, con un contrato de primera opción en 20th Century Fox. Bajo sus auspicios, produjo “X-Men: First Class” (X-Men: Primera generación), fue productor ejecutivo de “Abraham Lincoln: Vampire Hunter” (Abraham Lincoln, Cazador de vampiros), y escribió y produjo “This Means War” (Esto es guerra). En el 2013, Kinberg produjo “Elysium”, protagonizada por Matt Damon y Jodie Foster, dirigida por Neill Blomkamp.

El Día de los Caídos de 2014, Fox estrenó “X-Men: Days Of Future Past” (X-Men: Días del futuro pasado), que Kinberg escribió y produjo. El filme ocupó el primer lugar en taquilla, recibió elogios de la crítica y a la postre recabaría $740 millones de dólares en la taquilla mundial.

En el 2015, Kinberg estrenó cuatro filmes. Volvió a hacer mancuerna con Neill Blomkamp para producir “Chappie”, protagonizada por Hugh Jackman y Sharlto Copley. Produjo la película nominada al Premio de la Academia “Cinderella”, protagonizada por Cate Blanchett, y dirigida por Kenneth Branagh, para Disney. Además, fue coescritor y productor de “The Fantastic Four”. Y su última película del año fue “The Martian” (Misión rescate), que produjo. El filme, dirigido por Ridley Scott y protagonizado por Matt Damon, recabó más de $630 millones de dólares en la taquilla mundial, ganó dos Globos de Oro (incluyendo Mejor Película), y fue nominado para siete Premios de la Academia (incluyendo Mejor Película para Kinberg).

En el 2016, Kinberg produjo “Deadpool”, protagonizada por Ryan Reynolds. La película fue estrenada en febrero y rompió récords de taquilla nacionales e internacionales, incluyendo haber sido la película para adultos (clasificación ‘C’) más taquillera de todos los tiempos a escala mundial. A la postre, la película ganó dos Premios Critics Choice (incluyendo Mejor Película – Comedia), y recibió dos nominaciones al Globo de Oro (incluyendo Mejor Película), una nominación en los WGA, y una nominación en los PGA a Mejor Película.

El estreno más reciente de Kinberg fue “X-Men: Apocalypse” (X-Men: Apocalipsis) el Día de los Caídos de 2016, que escribió y produjo. La película fue la doceava de Kinberg en estrenarse en primer lugar en taquilla.

Este año, fue productor de “Logan”, la última parte de la franquicia de Wolverine con Hugh Jackman en el papel protagónico. Fue elegida para clausurar el Festival de Cine de Berlín.

Kinberg también está vinculado para producir películas derivadas de los X-Men, incluyendo “Gambit”, protagonizada por Channing Tatum, “Deadpool 2”, protagonizada por Ryan Reynolds, y “New Mutants”, dirigida por Josh Boone. También está escribiendo y produciendo la siguiente película de los X-Men.

En el ámbito televisivo, Kinberg es productor ejecutivo de “Designated Survivor”, protagonizada por Kiefer Sutherland, para ABC. Y es productor ejecutivo de “Legion”, una producción Marvel TV/FX Network.

Kinberg también está escribiendo y produciendo una de las venideras películas de “Star Wars”. Fungió como asesor de “Star Wars: Episode VII” y “Rogue One”, y es creador y productor ejecutivo del programa animado “Star Wars: Rebels”, para las cadenas de Disney.

Aditya Sood – Productor

Aditya Sood es presidente de la compañía productora Genre Films, de Simon Kinberg. Sood fue productor de la película ganadora del Globo de Oro y nominada al Oscar “The Martian” (Misión rescate) (2015), y productor ejecutivo de “Deadpool” (2016). Es productor ejecutivo del thriller político “Designated Survivor”, protagonizado por Kiefer Sutherland. Genre Films tiene un contrato de primera opción en 20th Century Fox.

Antes de haber trabajado en Genre, Sood dirigió la compañía productora de Walter Parkes y Laurie MacDonald en DreamWorks y fue vicepresidente de producción en Warner Bros. Pictures. Comenzó su carrera en New Line Cinema y DreamWorks, y más tarde fue editor de historias para el productor Mark Johnson.

Michael Green – Escritor

Michael Green es un escritor y productor de cine y televisión que ha recibido numerosos reconocimientos por su trabajo, incluyendo una nominación al Emmy a Serie Dramática Sobresaliente por “Heroes”, en el 2007.

Entre sus proyectos cinematográficos actuales se encuentran “Blade Runner 2049”, dirigida por Denis Villeneuve, y que recién fue estrenada ante un gran éxito, “Alien: Covenant”, dirigida por Ridley Scott; y “Logan”, dirigida por James Mangold.

En televisión, Green funge actualmente como productor ejecutivo y codirector creativo de “American Gods”, para Starz, adaptada de la premiada novela de Neil Gaiman, de Green y Bryan Fuller.

Green también creó y fue productor ejecutivo de “Kings”, para NBC, y “The River”, para ABC. Además, ha escrito y producido numerosos programas, incluyendo “Heroes”, “Everwood”, “Smallville”, “Jack & Bobby” y “Sex and the City”.

Jim Clay – Diseñador de Producción

Nacido al norte de Yorkshire, Inglaterra, Clay estudió en un principio arquitectura antes de haberse unido al departamento de arte de la BBC Television, en la década de los ’70. Como diseñador de producción, Clay cree de manera apasionada en la calidad del diseño y considera que su función es ayudar a generar el clima psicológico para la narrativa del director. Este principio es evidente a lo largo de su diverso currículo, que va desde el fantástico diseño del clásico de la BBC “The Singing Detective” —que le valió su primera nominación al BAFTA—, hasta el mundo distópico y muy realista de “Children of Men” (Los niños del hombre), de Alfonso Cuarón, por el que obtuvo un Premio BAFTA. Su trabajo reciente incluye “Woman in Gold” (La dama de oro), de Simon Curtis, “Red 2” (Retirados extremadamente duros 2), para el director Dean Parisot, y “Closed Circuit” (Circuito cerrado), de John Crowley.

Algunos de los demás créditos de Clay incluyen filmes ejemplares, tales como “Match Point” (La provocación) y “You Will Meet a Tall Dark Stranger” (Conocerás al hombre de tus sueños), ambas de Woody Allen, “Love Actually” (Realmente amor), de Richard Curtis, “About a Boy” (Un gran chico), de Chris y Paul Weitz, “Felicia”s Journey”, de Atom Egoyan, “The Crying Game” (Juego de lágrimas), de Neil Jordan, “The Debt” (Al filo de la mentira), de John Madden, y “Great Expectations”, para el director Mike Newell.

Alexandra Byrne – Diseñadora de Vestuario

La diseñadora de vestuario Alexandra Byrne cursó la carrera de arquitectura en la Universidad de Bristol antes de haber estudiado diseño teatral en un curso múltiple de la English National Opera, bajo la tutela de la legendaria Margaret Harris. Ha trabajado de manera extensa en televisión y teatro, tanto como diseñadora de sets como de vestuario. Sus créditos en televisión incluyen “Persuasion”, de Roger Michell, por la que recibió un Premio BAFTA a Mejor Diseño de Vestuario, y “The Buddha of Suburbia”, por la que obtuvo una nominación al BAFTA y un premio RTS.

En teatro, Byrne recibió una nominación al Tony a Mejor Diseño de Sets por “Some Americans Abroad”, que se mudó de la Royal Shakespeare Company al Lincoln Center en Nueva York.

Después de su trabajo en teatro, Byrne diseñó el vestuario para “Hamlet”, de Kenneth Branagh, por la que obtuvo su primera nominación al Oscar. Otros créditos incluyen “Phantom of the Opera” (El fantasma de la ópera), “Sleuth”, también con Branagh, y “The Garden of Eden”. Recibió dos nominaciones más al Oscar por su guardarropa en “Elizabeth” y “Finding Neverland” (Descubriendo el país de nunca jamás). Por la primera, obtuvo finalmente el codiciado premio Oscar.

Byrne trabajó con Kenneth Branagh de nueva cuenta en “Thor”, su primera producción con Marvel, y por ella ganó el Premio Saturn. Más adelante, trabajaría con Joss Whedon en “The Avengers” (Los vengadores), para Marvel. Después de diseñar el vestuario para “300, Rise of an Empire” (300: El nacimiento de un imperio), para Warner Bros., Byrne regresó a Marvel para diseñar “Guardians of the Galaxy” (Guardianes de la galaxia), de James Gunn, y para trabajar de nueva cuenta con Joss Whedon en “Avengers, Age of Ultron” (Avengers: Era de Ultrón) (Premio Saturn), seguida de “Doctor Strange” (Doctor Strange: Hechicero supremo), dirigida por Scott Derrickson.

Byrne está casada con el actor Simon Shepherd, y tienen cuatro hijos.

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