Notas de Producción El Renacido

REVENANT: EL RENACIDO
Inspirada en hechos reales, REVENANT: EL RENACIDO es una historia épica de supervivencia y transformación que se desarrolla en el antiguo oeste americano. Durante una expedición por la naturaleza virgen, el legendario explorador Hugh Glass (Leonardo DiCaprio) es atacado de manera brutal por un oso, y después abandonado por los miembros de su propio equipo de caza. Solo y moribundo, Glass se rehúsa a sucumbir. Impulsado por pura voluntad y el amor a su esposa e hijo, ambos nativos americanos, emprende una odisea de 320 km. a través del vasto e indómito oeste en busca del hombre que lo traicionó: John Fitzgerald (Tom Hardy). Lo que comienza como una misión implacable de venganza se convierte en una saga heroica contra todo pronóstico por llegar a casa y lograr la redención. REVENANT: EL RENACIDO es dirigida, producida y coescrita por Alejandro G. Iñárritu.

ACERCA DE LA PRODUCCIÓN

Con Revenant: El Renacido, el director ganador del Premio de la Academia® Alejandro G. Iñárritu lleva a la pantalla grande la leyenda de Hugh Glass; una aventura épica en el inexplorado viejo oeste americano del siglo XIX. El filme, que sumerge a las audiencias en la belleza, misterio y peligros incomparables de la vida en 1823, en los Estados Unidos, explora la evolución de un hombre en una misión por sobrevivir. Parte thriller, parte viaje por la naturaleza salvaje, Revenant: El Renacido explora el instinto primario no sólo por la vida misma, sino también por la dignidad, la justicia, la fe, la familia y el hogar.
Conocido por filmes tales como 21 Grams, Babel y la ganadora del Premio de la Academia® a Mejor Película Birdman, Revenant: El Renacido es la primera épica histórica de Iñárritu. Le aporta su distintiva mezcla de inmediatez visual e intimidad emocional a una historia que transporta a las audiencias a una época y lugar que rara vez se ha experimentado a través de una realización cinematográfica moderna y visceral.
La producción del filme, que se asentó en medio de la naturaleza, fue un reflejo de las condiciones rigurosas que Glass y compañía en realidad vivieron a lo largo del siglo XIX. Iñárritu y todo el reparto y equipo de producción estuvieron a la altura de todo a lo que se tuvieron que enfrentar, y darle la bienvenida a los retos de rodar en Canadá y Argentina, regiones conocidas por sus climas impredecibles y sus lugares inhóspitos, para poder entender a cabalidad la experiencia de los cazadores a principios del siglo XIX.
Iñárritu colaboró de manera estrecha con el actor ganador del Globo de Oro y nominado al Premio de la Academia® Leonardo DiCaprio, en un excepcional papel tan intenso desde un punto de vista físico como crudo desde un punto de vista emocional. Junto con el actor ganador del BAFTA Tom Hardy y los reconocidos actores Domhnall Gleeson y Will Poulter, Iñárritu guió a un reparto diverso de actores internacionales y nativos norteamericanos a un pasado jamás visto. Volvió a hacer mancuerna con el cinefotógrafo ganador del Premio de la Academia® Emmanuel “Chivo” Lubezki para llevar su característico estilo cinematográfico a exteriores, con una cámara que flota a través del paisaje —y en ocasiones se acerca tanto que el aliento de los mismísimos personajes está presente en la imagen. De igual manera, Iñárritu se asesoró de manera estrecha con consultores históricos para analizar de manera genuina las guerras territoriales de las tribus nativas, que más tarde se convertirían en material mítico.
La mitología de Glass comenzó en 1823 cuando era parte de los miles que se unieron al comercio de pieles; una fuerza nueva e impulsora de la economía de los EEUU. Fue una época en la que muchos vieron a la naturaleza como un vacío espiritual que necesitaba ser domado y conquistado por los hombres más duros. De tal forma, se lanzaron a lo desconocido, atiborrando ríos vírgenes, desapareciendo en bosques con una vegetación casi impenetrable, buscando no sólo emociones y aventuras sino también ganancias —con frecuencia bajo una competencia feroz con las tribus nativas, para quienes estas tierras llevaban mucho tiempo siendo su hogar.
Muchos de esos hombres murieron en el absoluto anonimato, pero Glass entró en los anales del folclor americano por simple y sencillamente rehusarse a morir. Su leyenda se desató después de haber enfrentado a uno de los peligros más temidos del oeste: un oso grizzli alterado. Para incluso los más probados colonizadores eso hubiera sido el fin. Pero no para Glass. En la historia de Iñárritu, un Glass malherido se aferra a la vida —después sufre una traición humana que lo impulsa a continuar a cualquier precio. A pesar de una pérdida tremenda, Glass logra salir de una muerte prematura —al abrirse paso a través de una serie de peligros desconocidos y culturas extrañas, en un viaje en el que no sólo busca ajustar cuentas, sino también encontrar la redención. Mientras Glass se mueve a través de la agitación del lejano oeste, termina por rechazar esa urgencia de destrucción que alguna vez le sirvió de motor. Se ha convertido en una “aparición” (revenant) —uno que ha regresado de entre los muertos.
Iñárritu comenta: “La historia de Glass plantea las preguntas: ¿Quiénes somos cuando se nos despoja de todo? ¿De qué estamos hechos y qué somos capaces de hacer?”.
Leonardo DiCaprio añade: “Revenant: El Renacido es un viaje increíble a través de los elementos más inhóspitos de un Estados Unidos desconocido. Es acerca del poder del espíritu de un hombre. La historia de Hugh Glass es material de las leyendas que se cuentan en las fogatas de campamentos, pero Alejandro usa ese folclor para explorar lo que en verdad significa tener todo en tu contra, para ver qué es lo que puede soportar el espíritu humano y qué te sucede cuando logras sobrevivir”.
Para Iñárritu, Revenant: El Renacido es un giro de 180º con respecto al mundo interior de Birdman. Iñárritu, después de haberse enfocado en la neurosis de la actualidad, ahora cambió todos los componentes para hacer una historia a gran escala del pasado norteamericano, con sus tensiones perpetuas entre el salvajismo y la civilidad, la serenidad y la ambición.
“Durante cinco años este proyecto fue un sueño para mí”, comenta Iñárritu. “Es una historia intensa, emotiva, que tiene un fondo épico y hermoso, y que explora las vidas de los cazadores que crecieron de manera espiritual a pesar de haber sufrido mucho físicamente. Si bien gran parte de la historia de Glass es apócrifa, intentamos ser muy fieles a lo que estos hombres vivieron en estos territorios nada desarrollados. Vivimos condiciones físicas y técnicas difíciles con la intención de exprimirle toda emoción honesta a esta aventura increíble”.
Iñárritu estaba fascinado de cómo el peligro cruel nos reduce al mínimo y nos ofrece un vistazo de lo que nos sostiene; cómo puede hacer que descubramos cosas que quizás y hayan permanecido escondidas si esa puerta a la mortalidad nunca se hubiera abierto. El montañista Reinhold Messner una vez comentó acerca de enfrentar peligros en la naturaleza: “No estamos aprendiendo cuán grandes somos. Estamos aprendiendo cuán frágiles y débiles somos, y qué tanto miedo tenemos. Sólo puedes obtener esto cuando [estás expuesto] a un gran peligro”. La diseñadora de vestuario Jacqueline West concuerda con él, al señalar, “Glass es un personaje que se está poniendo en contacto con su propia mortalidad, y eso es algo muy poderoso”.
Ese enfrentamiento con la mortalidad también se entreteje con una historia de amor padre-hijo: aquella de un hombre que en su momento de pérdida se vuelve devoto a la vida como nunca lo ha sido.
“Revenant: El Renacido es una historia de supervivencia severa, pero también de esperanza edificante”, comenta Iñárritu. “Para mí, la parte importante era transmitir esta aventura con un sentido de asombro y descubrimiento, como una exploración tanto de la naturaleza como de la naturaleza humana”.
El productor Steve Golin acota: “Alejandro siempre le aporta veracidad a cualquier cosa que hace. Su trabajo siempre cuenta con cierta crudeza, pero también con un elemento espiritual —y en Revenant: El Renacido eso da lugar a una mezcla potente que nunca antes hemos visto de esta manera”.
20th Century Fox y New Regency presentan Revenant: El Renacido, protagonizada por Leonardo DiCaprio, Tom Hardy, Domhnall Gleeson, Will Poulter, Forrest Goodluck, Paul Anderson, Kristoffer Joner, Joshua Burge y Duane Howard. El filme es dirigido por Alejandro G. Iñárritu y el guión está escrito por Mark L. Smith e Iñárritu, basado en parte en la novela de Michael Punke. Los productores son Iñárritu, Arnon Milchan (12 Years A Slave, Gone Girl), Steve Golin (Babel, True Detective), Mary Parent (Godzilla, Noah), Keith Redmon y James Skotchdopole (Birdman, Django Unchained); los productores ejecutivos son James Packer (The Lego Movie), Jennifer Davisson (The Ides of March), David Kanter (Rendition) y Brett Ratner (X-Men: Last Stand). El equipo de realizadores incluye al director de fotografía ganador en dos ocasiones del Premio de la Academia® Emmanuel “Chivo” Lubezki, ASC/AMC (Gravity, Birdman); al diseñador de producción Jack Fisk (There Will Be Blood); al editor Stephen Mirrione, A.C.E. (The Hunger Games); al supervisor de efectos visuales Rich McBride (Gravity); y a la diseñadora de vestuario Jacqueline West (The Curious Case Of Benjamin Button).

LA LEYENDA DE HUGH GLASS

Durante dos siglos, la historia de Hugh Glass se ha mantenido vigente al ser uno de los cuentos más sorprendentes de un hombre que va más allá de los límites esperados del cuerpo, la mente y el alma. Nacido en Filadelfia en 1773, se sabe poco acerca de los primeros años de vida de Glass, pero se cree que pasó años en el mar como pirata. Viajó al oeste en sus treinta, y en 1823 se apuntó en la expedición del capitán Andrew Henry para explorar el río Missouri. Fue cuando la expedición se encontraba cerca de lo que hoy es Lemmon, Dakota del Sur, cuando Glass fue atacado por un oso grizzli y abandonado por los hombres asignados a quedarse con él, quienes pensaron, de manera incorrecta, que al poco tiempo moriría.
El mismo Glass no dejó ningún documento, salvo una sola carta escrita a los padres de un acompañante que fue asesinado por los indios Arikara. Cuando se apareció vivo, reporteros de aquella época difundieron su historia a lo largo de la nación. Desde entonces, se han escrito biografías y novelas —pero en el 2002, el autor Michael Punke publicó uno de los recuentos más investigados en The Revenant: A Novel of Revenge. Curiosamente, Punke tiene una carrera distinta como representante de comercio de los EEUU, pero también tenía una fascinación de vida con los montañistas, que lo llevó a examinar cada fuente para ofrecer la representación más parecida a la verdad que hasta ahora se haya hecho de Glass.
El libro fue elogiado por Publisher’s Weekly al considerarlo “una historia fascinante de heroísmo y retribución obsesiva”, y se convirtió en una de las obras favoritas de los lectores que les gustan las aventuras intensas. Tres de esos lectores incluyeron a Steve Golin, Keith Redmon y David Kanter, productores de Anonymous Content.
“Siempre me han gustado las películas de supervivencia en la naturaleza, y todos pensamos que esta podía ser una aventura increíble y original”, recuerda Golin. “Para David, Keith y yo, ha sido un camino largo, pero todos estamos muy emocionados de que se haya dado de la forma en la que se dio, con el extraordinario grupo con el que se dio. No fue fácil, pero fue un sueño vuelto realidad en cuanto a la creatividad que generó la historia”.
Anonymous Content contrató a Mark L. Smith para escribir el guión. Smith vio la historia como una oportunidad de darle al público una experiencia que apenas y podríamos imaginar en nuestras vidas tecnológicas del siglo XXI.
“En aquella época de los 1820’s, cuando eras abandonado en la naturaleza, eras abandonado en la naturaleza. No podías sacar un iPhone de tu bolsillo”, indica Smith. “Glass es arrojado a experiencias casi inimaginables: desde caer por cataratas a pelear con lobos encima de un búfalo. Su historia es una aventura, pero también es un viaje espléndido y emotivo, por lo que sentí que podía ser un espectáculo visual sorprendente”.
Esa ilusión se volvió realidad cuando Iñárritu se sumó al proyecto, esperanzado en llevar a las audiencias de manera directa a un mundo que desde hace mucho tiempo ha sido fascinante y atractivo —pero que seguía siendo inaccesible. “Esta historia es muy diferente para Alejandro, y al principio quedé impactado cuando mostró interés por ella”, admite Smith. “Pero una vez que comenzó a trabajar en el guión, todo cobró vida. Fue muy dedicado y creativo. Fue una colaboración magnífica”.
New Regency estaba fascinado de trabajar con Iñárritu. El director general y presidente Brad Weston: “Estábamos comprometidos a cabalidad con la visión de Alejandro —entendimos la envergadura y escala de ella, y la necesidad de la flexibilidad, por lo que la vimos como la oportunidad de regresar a las raíces de nuestra compañía; como una empresa con un enfoque en el realizador. Lo vimos como un proyecto muy creativo, pero también como una historia con un atractivo comercial amplio”.
Iñárritu le aportó giros ficticios a las ya de por sí historias apócrifas de Glass, sin dejar de profundizar cada vez más para explorar los temas que resonaban por debajo de la superficie. “Estaba interesado en explorar no sólo los caminos físicos de Glass y Fitzgerald, sino también sus psicologías, sus sueños, sus miedos y sus pérdidas”, explica el director. “La línea narrativa era una gran base, como en la música, pero lo que sucede en sus mentes y en sus corazones son los solos, las trompetas y el piano”.
Para DiCaprio, el sello de Iñárritu en el guión fue inconfundible. “Cuando Alejandro pasó a formar parte del proyecto, se convirtió en un prospecto emocionante para mí porque es un realizador único”, comenta el actor. “Sabía que le podía dar a las audiencias esa experiencia absolutamente envolvente. Por un lado, es una historia primaria de supervivencia existencial, pero Alejandro le aporta tantos matices distintos, que se convierte en algo más”.
Dado que sólo se conocen los hechos históricos básicos, la historia requería de imaginación, pero dos palabras enfatizaban la propuesta de Iñárritu y Smith: autenticidad cultural. “Investigamos todo, desde cómo los cazadores le hablaban a su herramienta. Queríamos llevar a las audiencias a este mundo de una manera íntegra”, comenta Smith.
Iñárritu se tomó a pecho la responsabilidad de recrear un mundo perdido. Durante el primer día de rodaje, reunió a la producción en los bancos del río Bow en Alberta —donde el reparto pronto se metería a las aguas gélidas para una escena llena de acción. A cada uno se le dio una rosa roja. Craig Falcon, asesor cultural de Blackfoot, encabezó una ceremonia con la ayuda de ancianos de la tribu local Stoney para bendecir el filme, las criaturas y la tierra. Después de la bendición, Iñárritu les pidió a las 300 personas que se tomaran de las manos en silencio. Entonces, al unísono, caminaron al río, donde esparcieron los pétalos de rosa.

LEONARDO DiCAPRIO como HUGH GLASS

Leonardo DiCaprio ha interpretado a una gama caleidoscópica de personajes —desde Howard Hughes a Jay Gatsby, hasta el derrochador Jordan Belfort en Wolf of Wall Street—, pero el papel de Hugh Glass fue un reto totalmente nuevo, que llevó al actor a los límites que muy pocos en nuestro mundo moderno han experimentado. Desde un punto de vista físico, es el papel más intenso para DiCaprio, y al mismo tiempo, una actuación casi sin diálogos y cruda.
“Para mí existen temas poderosos en el filme: la voluntad por vivir y nuestra relación con la naturaleza salvaje”, explica DiCaprio de su atracción inmediata con la historia. “También he interpretado antes a muchos personajes que eran muy articulados de diferentes maneras y tenían mucho que decir, así que este fue un reto singular para mí. Era acerca de transmitir cosas sin palabras o en un idioma distinto. Mucho de ello fue acerca de adaptarte en el momento, acerca de reaccionar ante lo que la naturaleza nos estaba dando, y a lo que Glass estaba experimentando mientras rodábamos. Era acerca de explorar los elementos más internos del instinto de supervivencia”.
DiCaprio también estaba cautivado con la intención de Iñárritu de llevar a la pantalla la historia de Glass con realismo, para sumergir a las audiencias a lo que era la vida en las tierras primitivas del oeste, mucho antes de los vaqueros y forajidos. “Nunca antes había visto esta época de la historia norteamericana representada en cine, así que eso me interesó”, comenta. “Estos fueron una época y lugar únicos en la historia del oeste americano, porque era mucho más salvaje de lo que pensamos cuando se nos viene a la mente el ‘salvaje, salvaje oeste’. Era como el Amazonas, una naturaleza salvaje completamente desconocida, una tierra de nadie donde muy pocas leyes aplicaban. Estos cazadores que llegaron de Europa y la costa este tenían que aprender a llevar una vida en medio del clima —sobrevivir como cualquier otro animal lo tiene que hacer en la naturaleza”.
Iñárritu estaba orgulloso cuando vio a DiCaprio listo para explorar los límites, justo como lo había hecho Glass. “Leo es extraordinario en todo detalle, en cada aspecto del comportamiento y observación humanas. Es un natural en matices y movimientos rítmicos, y en todo lo que hace que sientas a un personaje totalmente vivo. Es muy colaborador e inteligente, siempre cuestionándose qué podría hacer una escena más poderosa. Y aportó su profundo vínculo personal con la naturaleza. Lo que proyectó en pantalla no sólo fue conmovedor, sino sorprendente”.
El director hace hincapié en que DiCaprio, en su actuación, se enfrentó a pruebas a las que ningún otro actor se pudo haber preparado a cabalidad. “Leo estaba trabajando bajo condiciones muy difíciles, con un maquillaje extremo, yendo a los lugares más incómodos y oscuros desde un punto de vista emocional. Pero sin importar qué es lo que está viviendo, algo cobra vida de inmediato cuando Leo está frente a la cámara. Hay un poder increíble”, indica Iñárritu. “La forma en la que rodamos requería de una cantidad enorme de él en cuanto a ritmo, tiempo, ímpetu y silencio, pero Leo hace que todo funcione porque está muy presente en el momento”.
Por su parte, DiCaprio dice que depósito toda su confianza en Iñárritu. “Lo que me gusta mucho acerca de la propuesta de Alejandro es que es un realizador de la vieja escuela, que cree en el arte de crear algo en la pantalla —es también una especie de fuereño, a pesar de que trabaja adentro de la industria. La entiende como está ahora, pero también ha estado influido por toda una vida de estudiar la historia del cine y esto le ha permitido desarrollar su propio estilo riguroso, que ahora es sinónimo de su nombre. Hay muy pocos cineastas allá afuera que pueden escapar del molde de Hollywood y, aún así, lograr hacer un filme como éste en una escala tan épica”.
El ataque de oso que amenaza con terminar la vida de Glass, puso de inmediato a DiCaprio en una lucha mano a mano con uno de los depredadores más hábiles de la naturaleza. “El ataque de oso fue muy difícil y arduo de hacer”, recuerda DiCaprio, “pero es muy conmovedor. En el filme, Alejandro te pone ahí casi como una mosca que está volando alrededor del ataque, para que sientas el aliento de Glass y el aliento del oso. Lo que consiguió va más allá de cualquier cosa que haya visto. Glass tiene que encontrar una manera de lidiar con este gran animal que está encima de él. Está al borde de la muerte —y estás metido de lleno en este momento con él”.
Iñárritu y DiCaprio tuvieron conversaciones intensas acerca de Glass, que profundizaron lo que pasó a ser una actuación cinética continua. Indica que la esposa e hijo Pawnee ficticios de Glass lo diferencian entre los cazadores. “Glass es alguien que ya se ha sumergido en la naturaleza y como que ya ha dejado atrás el mundo más material de los cazadores”, señala. “Como padre, se ha enfrentado a un conjunto único de retos en este ambiente, y eso es un trasfondo constante en su personaje. Existe una sensación de que él y Hawk ya están aislados y solos, así que su vínculo padre-hijo es una fuerza muy poderosa que lo impulsa a todo lo largo”.
DiCaprio hizo gran parte de sus acrobacias: fue enterrado en la nieve, estuvo desnudo bajo una temperatura de -5° C y saltó a un río de agua helada; cada momento lo puso más en contacto con la voluntad de Glass. Pero mientras se abre paso, Glass no sólo lo aguanta —también cambia de manera profunda, algo que DiCaprio revela en un rango multi-tonal de detalles sutiles que se combinan con el emocionante desenlace del filme.
“A lo largo de la película, está la pregunta para ver si algún tipo de venganza es la cosa que saciara la sed de Glass a final de cuentas. Pero la necesidad de continuar se convierte en algo más para él…se convierte en una especie de esfuerzo espiritual”, concluye.

TOM HARDY como JOHN FITZGERALD

El reflejo siniestro en contraposición al viaje de supervivencia de Hugh Glass es el que emprende John Fitzgerald hacia la paranoia, la recriminación y la amargura angustiante. Para interpretar a Fitzgerald, quien tanto traiciona a Glass como se convierte en su fulgor para perseverar, Iñárritu eligió al actor inglés Tom Hardy, quien ha pasado a un primer plano gracias a una vasta variedad de papeles contrastantes; desde el personaje de Eames en el mundo de ensueño en Inception, de Christopher Nolan, a su actuación magistral en Locke, donde es el único protagonista. Iñárritu comenta, “Como Fitzgerald, Tom interpreta a un hombre lleno de prejuicios. No obstante, es un alma herida que le teme a su semejante porque es incapaz de abrirse y entender la otredad. Tom tiene una sutileza intrínseca que es difícil de encontrar”, continúa Iñárritu. “Es muy atractivo, con un gran físico, muy poderoso y fuerte, pero al mismo tiempo puede ser muy frágil, y eso es lo que lo hace tan singular”.
Hardy fue un antagonista increíble. “Fitzgerald es un personaje muy interesante porque entiendes muy bien sus motivaciones. Aquí tienes a un hombre que no tiene nada, que esperaba estar en un negocio lucrativo, y todos sus planes futuros desaparecen en un segundo. Así que se pone en este modo de supervivencia crucial donde es matar o morir —y Glass es la persona que se interpone en ese camino”, comenta DiCaprio. “Fitzgerald es también un sobreviviente, pero encuentra un camino muy distinto al de Glass. Elige ser despiadado”.
Continúa: “Tom es alguien con quien he trabajado antes y soy un aficionado a ultranza de su trabajo. Me parece que es uno de los actores más dinámicos que hay en la actualidad, y su compromiso para crear este personaje fue muy emocionante de ver. Tiene esta energía cruda que es muy genuina; y eso se necesitaba de manera absoluta y fundamental para que contrastara con la de mi personaje. No es tu villano típico. Estos dos hombres muestran fuerza de dos maneras totalmente distintas”.
Para Domhnall Gleeson, quien interpreta el papel del decepcionado capitán de Fitzgerald, fue emocionante enfrentarse a Hardy, una vez que el capitán Henry se da cuenta que ha sido engañado. “Tom le ha dado una arista a Fitzgerald con la que nunca sabes hacia dónde va a ir”, comenta Gleeson. “Mi personaje se siente doblegado por Fitzgerald, pero entonces comienza a hacerse respetar —y fue muy emocionante ir mano a mano con Tom”.

CAZADORES DE PIELES – LOS EMPRENDEDORES ORIGINALES DEL OESTE

La historia del comercio de pieles en Norteamérica es breve, pero fundamental; llena de historias audaces, pero también de destrucción grave. Si bien el comercio de pieles forjó la imagen romántica del hombre de montaña —ermitaños idealizados supuestamente tan resistentes como la naturaleza que se sentían obligados a domar—, también fue en gran medida un negocio. En un sentido, dio lugar a la primera aparición del emprendedor arquetípico del oeste; el iconoclasta visionario que avanza con determinación, y quien sólo se responde a sí mismo.
“Esta época en el oeste fue el comienzo del industrialismo en juego. Incluso antes del descubrimiento del oro y el petróleo, el comercio de pieles era un negocio masivo y lucrativo”, explica DiCaprio. “Tenías a cazadores que iban a paisajes vírgenes entre poblaciones indígenas a extraer recursos —y la pregunta que surge a raíz de ello es: ¿a qué precio? Glass queda atrapado en medio de esa pregunta y es un tema poderoso en el filme”.
El comercio de pieles comenzó a finales del siglo XVII, una vez que los miembros masculinos de una tribu intercambiaban pieles muy cálidas por herramientas metálicas de Europa. Para principios del siglo XIX, cuando la demanda por sombreros de piel sofisticados se incrementó en el Viejo Continente —y los precios por las pieles de castor alcanzaron los $6 dólares por libra— el comercio de pieles se convirtió en un impulso para la economía norteamericana, responsable de las nuevas rutas de comercio que allanarían el camino para el desarrollo del oeste a largo plazo.
Para la década de los 20’s del siglo XIX, el comercio de piel había alcanzado las Montañas Rocosas y se había vuelto tremendamente competitivo, con cazadores luchando entre ellos, así como con las tribus nativas. Hugh Glass trabajó para la compañía Rocky Mountain Fur Company, en aquel entonces nueva en la escena. La empresa utilizó el “sistema de encuentro”, que significaba que no construían ni cabinas ni fuertes. En cambio, esperaban que sus cazadores cazaran su propia comida, construyeran su propio albergue y lucharan sus propias batallas, para realzar sus reputaciones estoicas.
No obstante, los mitos idealizados de los heroicos montañistas han contradicho algunas de las realidades más oscuras de la época. Muchos cazadores pasaron sus vidas en deuda, mientras los dueños de las compañías de pieles cada vez se hacían más ricos. Y mientras los cazadores vivían en medio de los ritmos de la naturaleza, su relación con el ambiente fue con frecuencia conflictiva — lo que trajo consigo que ciertas especies estuvieran al borde de la extinción a raíz de la caza desmedida, además de haber provocado un impacto profundo tanto en el ambiente natural como en las culturas de los Nativos Americanos, que venía de la mano.
Para recrear este mundo con todos sus matices auténticos, Iñárritu reclutó a expertos, incluyendo al historiador Clay Landry, quien está afiliado con los únicos dos museos en los EE UU dedicados a esa época: el Museum of the Mountain Man en Wyoming y el Museum of the Fur Trade en Nebraska. Landry indica que entre los historiadores el relato de Hugh Glass es Mountain Man 101 (Montañista 101). “Si estudias la historia del comercio de pieles en las Montañas Rocosas, una de las primeras cosas de las que te enterarás es la historia de Glass. Es así de épica”, reflexiona.
A lo largo de la producción, Landry brindó asesoría en la mentalidad, herramientas y habilidades de supervivencia de los cazadores. Le dio al reparto una probada personal de todo esto en un “Campo de entrenamiento básico de comerciantes” —en el que la tarea incluía dibujar arcos, montar trampas para castores, despellejar castores [falsos] y lanzar tomahawks (hachas de guerra).
“Los actores se metieron de lleno en el campo de entrenamiento”, comenta Landry. “Les enseñamos todo lo que necesitaría saber un cazador. Desde luego, disparaban balas de salva y no se valían por sí mismos, pero, no obstante, sí se llevaron la sensación de ello. El reparto y el equipo de producción querían saber todo lo que pudieran acerca de la época”.
Arthur Redcloud, quien interpreta a Hikuc, el curandero nativo que Glass se encuentra en su viaje, añade: “El campo de entrenamiento no sólo se llevó a cabo desde un nivel físico; también nos aportó algo a nivel emocional y espiritual. Para mí, no sólo se trató acerca de reconectarte con el pasado. Fue llevarte una visión totalmente nueva”.

LA TIERRA DE LOS ARIKARA

Cuando Revenant: El renacido está empezando, la expedición para cazar pieles del capitán Henry sufre un ataque a manos de una banda de indios ya asentada a lo largo de los bancos del río Missouri. Estos son los Arikara —apodados simplemente como los Ree por los cazadores—, cuya avanzada histórica contra la Rocky Mountain Fur Trading Company (Compañía de Comercio de Pieles de las Montañas Rocosas) alteraría por siempre su destino. Una parte que ha sido ignorada con frecuencia, pero integral en la historia de Glass, Iñárritu se sintió obligado a poner en un primer plano la presencia de los Arikara en la narración de su historia.
Conocidos entre su propia gente como los Sahnish, los Arikara fueron nombrados así por otras tribus debido a sus tocados emplumados. Llevaban poblando las planicies por más de 1000 años como agricultores semi-nómadas, con una cultura próspera, antes de la llegada de los europeos. En 1804, Lewis y Clark se encontraron con los Arikara y los consideraron pacíficos. Pero para la década de los 20’s, después de haber sido desplazados de manera repetida, ya mostraban hostilidad sin restricciones. Un ataque a cazadores de pieles provocó la respuesta del ejército de los EE UU, que decimó a la tribu en la primera de muchas batallas brutales. En aquel entonces, las cantidades cada vez menores se redujeron en un 70% gracias a una plaga de viruela en la década de los 30’ y en conflictos resultantes con los Sioux. No obstante, los Arikara sobrevivieron y se establecieron en Dakota del Norte, donde los últimos hablantes del idioma Arikara, que se encuentra en vías de extinción, lo han mantenido vivo.
Era tan importante para Iñárritu representar de manera veraz a la gente Arikara, que mandó traer al asesor Loren Yellowbird Sr., historiador de los Arikara, antropólogo e intérprete y guardabosques en jefe del Fort Union Trading Post, en Dakota del Norte.
Para Yellowbird, fue estimulante ver a los Arikara finalmente volverse parte integral de esta historia. “Mucha gente ni siquiera ha escuchado hablar de los Arikara, así que esta era una oportunidad para mostrar otra perspectiva y darle vida a este mundo”, comenta. “Lo aprecié sobremanera, porque me parece que ser capaz de capturar el idioma Arikara y llevar a la luz algo de su cultura tradicional de esta época es muy importante”.
Yellowbird señala que la época que se ve en el filme representa los últimos momentos del estilo de vida tradicional de los Arikara. “Los pueblos Arikara habían estado ahí por cientos de años…Tenían una cultura de comercio muy sólida y un cultura ceremonial intrincada que hasta ese entonces no se había alterado”.
Eso cambiaría rápidamente una vez que el comercio de pieles creció. “Estos cazadores llegaban y, desde nuestra perspectiva, no eran respetuosos. Se presentaban en el territorio de otra gente y tomaban sus cosas. No había negociación. Los cazadores sólo tomaban lo que querían”, describe Yellowbird.
Después del ataque, los Arikara se hicieron de una reputación como guerreros letales, pero Yellowbird dice que hay un contexto más vasto. “Los cazadores comenzaron a temer a los Arikara. Aunque, por divertido que suene, las mujeres Arikara no dejaban de casarse con los cazadores”, indica. “Así que si abordabas a los Arikara de manera respetuosa, había paz. Pero creo que estaban tratando a los cazadores y al ejército de la misma manera en la que ellos sentían que eran tratados”.
Fue el inicio de un cuasi colapso de la forma de vida de la tribu. “En ese momento dado, nuestra forma de vida se nos estaba arrebatando de una manera tan rápida, que no teníamos manera de detenerla”, lamenta Yellowbird. “Fuimos afortunados en haber tenido jefes inteligentes —visionarios que pensaron en el futuro y se preguntaron qué podíamos hacer para asegurar que la gente sobreviviera. Todavía sigo ese camino. Durante la realización de este filme, estaba pensando en qué podría hacer para asegurar que mis tataranietos tengan estas cosas en su lugar: nuestro idioma, nuestra cultura, nuestras canciones y nuestras costumbres”.
En especial, Yellowbird está emocionado de que algunos jóvenes Arikara, cuando vean por primera vez Revenant: El Renacido, quizás y tengan la oportunidad de escuchar el lenguaje y ver cómo vivieron sus ancestros. “Soy un tipo que tiene un iPhone, pero sigo conservando nuestros caminos tradicionales porque me parece que es bueno para nosotros respetar a nuestros ancestros. Estas historias muestran todas las adversidades que tuvimos que sufrir, para que pudiéramos vivir en la actualidad”, concluye.
Si bien Yellowbird fue el único Arikara que estuvo involucrado en la producción, aproximadamente 1,500 nativos americanos e indígenas canadienses aparecieron en el filme. Yellowbird estaba satisfecho por la disposición y franqueza que estas personas tuvieron para aprender acerca de los Arikara. “El reparto estaba interesado en representar este mundo de la manera más vibrante. Me sentí muy honrado al ver eso”, comenta. “Si hubiera estado representando a alguien de otra tribu, hubiera hecho lo mismo”.
Carig Falcon, un educador cultural Blackfoot especializado en el Native American/Aboriginal Awareness (Concientización Nativa Americana/Aborigen), también se sumó al proyecto, con un interés especial en las guerras a caballo y en la pintura de guerra. La autenticidad cultural que Iñárritu buscó fue un gran atractivo. “En el EE UU nativo, queremos ver la verdad”, comenta Falcon, “¡no como en las películas viejas donde veías a Ricardo Montalbán vestido como indio! Revenant: El Renacido le atina de manera certera a la autenticidad en el lenguaje, a la manera en la que los caballos están pintados y en la representación de cada tribu”.
Arthur Redcloud, quien creció en una reservación de indios navajo e interpreta a Hikuc, comenta: “El filme es un regalo especial, y queríamos verter el corazón y alma de nuestra gente en él”.

REPARTO SECUNDARIO

Domhnall Gleeson habla del Capitán Henry
Domhnall Gleeson, actor irlandés que va en rápido ascenso y quien también protagoniza este año Brooklyn, interpreta el papel del capitán Andrew Henry, una figura histórica de la vida real que fue uno de los fundadores del Rocky Mountain Trading Company y líder de la expedición a lo largo del río Missouri.
Gleeson indica que el guión le da al capitán Henry un arco ficticio más allá de lo que la historia sabe de él. “El verdadero Andrew Henry era muy respetado, mientras que en esta historia lo ves como un hombre indeciso, que está aprendiendo a ser líder. Emprende un viaje, que lo lleva a ser el hombre que, se dice, fue”, explica.
Desde el inicio, Gleeson entendió que el filme iba a ser una experiencia desafiante adrede. “Incluso antes de que comenzáramos a rodar, Alejandro dijo que quería que los actores tuvieran una experiencia difícil —y fue fiel a su palabra. Fuimos colocados en circunstancias inusuales y en condiciones retadoras, pero fue emocionante porque fue muy distinto”, comenta. “Es un hecho que jamás he hecho algo así. Hay mucha emoción en hacer una película de una manera en la que la gente ya no hace películas así”.
Gleeson dice que la rudeza del rodaje enriqueció las actuaciones. “La intención con mi personaje es que encuentre sus circunstancias horribles y difíciles, que se sienta fuera de lugar, así que dejé todo lo que estaba experimentando en la actuación”, explica. “Tú esperas que a final de cuentas la envergadura de todo lo que a estos hombres se enfrentaron —la desesperación, locura e incertidumbre— se haga presente en el cine”.

Will Poulter habla de Jim Bridger
El prometedor actor inglés Will Poulter (The Maze Runner) interpreta a Jim Bridger, quien fuera a convertirse en uno de los guías más legendarios del oeste. En Revenant: El Renacido es visto tan sólo como un chico —pero uno que deberá enfrentarse a su consciencia después de que él y Fitzgerald dejan atrás a Glass, mortalmente herido. Poulter estaba fascinado con la riqueza de su papel. “Es un honor interpretar a un persona de la vida real que ha sido reconocida por sus habilidades como hombre de montaña en una época y lugar donde la expectativa de vida para todos era muy baja”, comenta.
Para un hombre joven que el viejo oeste era algo nuevo para él, es un hecho que la experiencia le hubiera cambiado la vida. “Me parece que Alejandro quería obtener de Bridger esta idea de cómo la inocencia se enfrenta a algunas de las situaciones más difíciles de la vida, y el conflicto entre el chico que es y el hombre en el que se está convirtiendo. Jim tiene que dar un paso adelante, tiene que aprender a final de cuentas a reprimir sus miedos, para hacer lo correcto”, comenta Poulter. “Está en situaciones que hombres como Glass, Fitzgerald y el capitán Henry ya han vivido —pero tiene que crecer de inmediato sólo para sobrevivir”.
Al principio, Bridger es un aprendiz de Glass. “Glass quizás y sea la cosa más cercana a una figura paterna que Jim tiene allá afuera en la naturaleza”, indica Poulter. “Me parece que lo idolatra como uno de los mejores navegadores y tiradores que hay. Así que cuando las cosas salen mal, las consecuencias se incrementan para él”.
Esas consecuencias significan hacer un pacto con Fitzgerald. Poulter trabajó de manera estrecha con Tom Hardy para explorar la mezcla de terror, furia y miedo que Bridger siente por el hombre. “Nuestra dinámica es menos que amistosa, pero dicho lo anterior, tampoco es tan sencillo como que seamos enemigos”, señala. “Es una relación turbia y compleja. En su esencia, creo que hay un sobreentendido en el que ambos sabemos que nos necesitamos para sobrevivir”.
Al igual que sus compañeros de reparto, a Poulter le pareció fascinante la manera en la que Iñárritu y Lubezki rodaron el filme. “Nunca antes había tenido que actuar de una manera tan íntima con la cámara. Nunca había tenido que introducir de esta manera la presencia de la cámara en mi consciencia. Fue una cosa increíble. Casi sientes como si ya no estuvieras actuando. Debes de creer en verdad que eres tu personaje”.

Forrest Goodluck habla de Hawk
Forrest Goodluck, de tan sólo dieciséis años de edad, hace su debut en la pantalla grande como Hawk, el hijo ficticio de Hugh Glass, de una relación con una mujer nativa. Miembro de las tribus nativas americanas Diné, Mandan, Hidatsa y Tsimshian que habitan en Nuevo México, Goodluck pasó por una extensa audición y un periodo de ensayos para obtener el papel.
La complejidad del personaje que está atorado entre dos mundos le sirvió de inspiración. “Hawk es mitad nativo, mitad blanco”, comenta. “A una temprana edad, fue extraído de su pueblo, perdió a su madre y tuvo quemaduras graves en un incendio. Se ensimismó y sufrió trauma mental, lo que en la actualidad le llamaríamos Trastorno por Estrés Postraumático. Pero me parece que Hawk se ve fortalecido por todo lo que le ha pasado. Es un personaje fuerte, pero frágil. Tiene un tipo de mentalidad bipolar, porque, por un lado, no es aceptado totalmente por la cultura blanca, pero por otro, tampoco es aceptado enteramente por su propia cultura”.
No obstante, Hawk no puede negar su vínculo profundo y amoroso con su padre, Glass. Goodluck comenta, “Nuestra relación es una de respeto silencioso. Hay una conexión sosegada, ya que al vivir en aquella época no podías ser suave, así que puede verse como un amor rudo el que Hawk y Glass se profesan, pero es un amor profundo”.

Duane Howard habla de Elk Dog
El poderoso guerrero Arikara Elk Dog, quien está en búsqueda de su hija cautiva, Powaqa, es interpretado por Duane Howard, un actor indígena que proviene de la isla de Vancouver, Canadá. De su personaje, opina: “Elk Dog es un tipo de figura autoritaria y cuando habla, la gente escucha. Incluso cuando se levanta, incluso cuando no está diciendo nada, la gente escucha. Tiene ese tipo de respeto. Y, en cambio, es alguien que daría la vida por su gente”.
No obstante, una vez que los Arikara atacan el campamento de cazadores, Elk Dog se encuentra en un extremo emocional cuando es testigo de la muerte y destrucción que lo rodea. Howard recuerda: “De verdad tuve que abrirme. Tuve que hacerme vulnerable y hubo muchas emociones durante la batalla. Fue una experiencia intensa”.
Para Howard, Revenant: El Renacido fue un evento profundamente personal durante el cual aprendió el idioma y cultura de los Arikara, como si fueran propios. “El idioma Arikara es muy diferente a mi propio lenguaje nativo, y fue muy desafiante e interesante aprender más de él”, explica.
A Howard le sirvió de inspiración la reverencia del filme por una representación cultural auténtica. “Elogio a todo el equipo porque en verdad hicieron su tarea. Cada cosita del filme, desde la pintura facial hasta el vestuario, todo tiene un significado, como lo tuvo en aquella época”, resume.

Arthur Redcloud habla de Hikuc
Un personaje significante en medio del lienzo de Revenant: El Renacido es Hikuc, un alma solitaria que se encuentran en las llanuras, y que se convierte en el salvador inesperado de Hugh Glass. Es interpretado por Arthur Redcloud, un indio navajo que describe a su personaje como “un hombre que está listo para emprender un nuevo reto y destino”.
El mismo Redcloud había estudiado para ser médico en una reservación de indios navajos, bajo el tutelaje de su querido abuelo. Una vez que le dieron el papel, Redcloud pasó gran parte de su tiempo contemplando la escena donde Glass se topa con Hikuc, quien está dándose un festín con el cadáver de un búfalo muerto. “En nuestra cultura, el búfalo no sólo es un animal, es un símbolo de fortaleza, curación y compasión, así que cuando ves a mi personaje comiéndose al búfalo no sólo es acerca de nutrir el cuerpo, sino también la mente y el alma”, comparte.
A Redcloud le intrigaba más trabajar con Leonardo DiCaprio de lo que lo intimidaba. “Para mí era acerca de tener la fantástica oportunidad de aprender de él. Y también traté realmente de intentar observarlo. En muchas ocasiones sólo me quedaba parado e intentaba leer el corazón de Leo y ver quién es, y sentí que fui capaz de ver eso. Fue una bendición tan sólo compartir ideas y aprender el oficio de un experto. Glass y mi personaje emprenden un viaje de ser enemigos potenciales a ser hermanos, e hicimos ese viaje juntos”.
En especial, Redcloud disfrutó el ir y venir creativo con Iñárritu. “Es en parte un científico loco, en parte un pintor”, reflexiona. “Cada detalle es importante para él. No estaba interesado en sólo tomar nuestras historias de nativos; estaba interesado en entender lo que hace que esas historias sean tan poderosas”.

Los Cazadores
El reparto principal lo redondea un grupo internacional tanto de actores consolidados como de jóvenes promesas, cada uno de los cuales señala que Revenant: El Renacido fue una experiencia autónoma. El canadiense Brendan Fletcher, quien interpreta al cazador Fryman acota: “Nunca antes había tenido una experiencia en la actuación como ésta, estar afuera, con la crudeza del clima, mientras rodaba tomas largas y detalladas de una manera meticulosa. Fue sorprendente ver a Alejandro llevar su mirada hacia la honestidad para todo”.
La estrella noruega Kristoffer Joner, quien interpreta a Murphy, añade: “Esta manera de trabajar, de moverme con la cámara, fue totalmente nueva para mí. Alejandro nos dijo: ‘La cámara es como un tren en movimiento y debes de agarrarte al tren y ver qué pasa’. Y eso es algo que te amedrenta. Algunos días era muy divertido, algunos días fue difícil, pero siempre fue algo singular”.
Joshua Burge, quien interpreta a Stubby Bill, dice que el aspecto físico del trabajo de los actores en Revenant: El Renacido trajo consigo una estrecha camaradería. “El reparto vino de todas partes del mundo, pero un vínculo increíble se formó al haber pasado todos por momentos difíciles. Y en realidad eso fue lo que vivieron los cazadores —estos tipos estaban allá afuera en medio de la nada con adversidades impredecibles, y sólo se tenían a sí mismos y a ellos”.

PINTANDO REVENANT: EL RENACIDO

Inmediatamente después de Birdman, el director Alejandro G. Iñárritu lleva su pasión por la realización intachable a un nuevo mundo con Revenant: El Renacido. Al principio, él y su antiguo colaborador, Emmanuel “Chivo” Lubezki, tomaron varias decisiones clave que sentaron las bases para la producción. Primero, decidieron rodar el filme en orden cronológico, para conservar el curso natural del viaje de Glass. Segundo, se comprometieron a rodar el filme recayendo sólo en el sol y la luz del fuego, por lo que prescindieron de luz artificial que llegaría siglos después, para, así, trabajar con la luz de la naturaleza de maneras creativas. Finalmente, quisieron explorar las tomas largas, fluidas y continuas con las que se han dado a conocer, pero conseguir un tipo de efecto muy distinto a las de Birdman.
Iñárritu siempre imaginó la apariencia de Revenant: El Renacido como una pintura de claroscuro, llena de luz y sombras, para que cobrara una vida visceral. “Así como la inspiración de Birdman fue en gran medida la música”, dice Iñárritu, “la inspiración de este filme provino de la pintura. Chivo ha sido una parte fundamental para hacer de esta película una obra de arte visual”.
Al trabajar con la revolucionaria Arri Alexa 65—la recién salida cámara de gran formato de la compañía pionera de cámaras digitales—, Lubezki utilizó una amplia gama de lentes angulares, que iban desde los 12mm a los 21mm, para crear una profundidad extrema. La flexibilidad del sistema se prestó para los movimientos de cámara que con frecuencia van de primero planos extremos a vistas panorámicas, en sincronía con la acción, sueños y emociones del filme. El equipo mezcló tres propuestas —grúas extensibles, steadicams y cámara en mano— para, más tarde, permitirle a Iñárritu ordenar las imágenes como un coreógrafo con el editor ganador del Premio de la Academia Stephen Mirrione.
Implementar planos largos en un rodaje en la naturaleza totalmente impredecible fue algo nuevo para todos los involucrados. Al principio, los retos fueron alucinantes. Debido a que el equipo de producción estaba en Calgary durante el invierno, donde las horas del día de por sí ya son muy cortas, la ventana de oportunidad para las tomas era breve y bajo una presión extrema. En cualquier toma, nadie podía estar seguro si una segunda o tercera toma iba a ser posible.
“Tuvimos que coreografiar todos los ritmos y movimientos, encontrar el tiempo adecuado del día y después rezar para que las condiciones climatológicas se conservaran”, comenta Iñárritu. “Fue desafiante y divertido, pero nos llevó mucho tiempo, atención y ensayos para conseguirlo. Había una cierta pátina y atmósfera que queríamos mantener. Las condiciones que establecimos fueron muy específicas, tuvimos que ser muy pacientes, o ir tras ellas y crearlas. Creo que nos convertimos en cazadores a nuestra manera —cazadores de circunstancia”.
Revenant: El Renacido llevó a Lubezki no sólo al oeste, sino también al paisaje onírico del subconsciente de Glass. Iñárritu explica, “Durante el viaje de Glass, cuando está solo mientras su cuerpo se colapsa, la única manera de saber quién es como hombre es a través de sus visiones y sueños, que nos informan de su estado mental y de su pasado”.
Todos los actores estaban encantados con el estilo fotográfico de Chivo, lo que los llevó todavía a dar más. “La fotografía de Chivo es una parte intrínseca en el proceso de Alejandro”, señala DiCaprio. “Juntos, se sumergieron por completo en el material y después trabajaron con los actores para coordinar de una manera increíble movimientos y tomas muy complejos. Lo que lograron conseguir en este filme de manera única es una realidad virtual donde de verdad sientes como si estuvieras bajo ese clima con estos personajes. Tienes la perspectiva visual de Glass a grado tal que se siente casi como si fueras parte de su subconsciente”.

Donde lo malo es bueno: El Diseño de Producción

Para capturar el mundo como era en 1823, Iñárritu colaboró con Jack Fisk, diseñador de producción nominado al Premio de la Academia®. Fisk no es ajeno a producciones épicas, después de haber trabajado en There Will Be Blood, de Paul Thomas Anderson, y The Tree of Life, de Terrence Malick, pero esta época era nueva para él.
Fisk estaba fascinado con la crudeza pura de la época. “Me encanta este periodo”, comenta el diseñador de producción. “La gente estaba limitada con lo que podían tener allá afuera, así que básicamente eran hachas, navajas y muy pocas amenidades. Hemos intentado duplicar eso tanto como nos sea posible, para que en verdad te puedas perder en todo ello. Alejandro quería que todo se viera así, crudo, sucio y viejo, así que ese fue nuestro objetivo. Debes de tener en mente que con frecuencia estos cazadores no se bañaban durante meses, y cada hombre comía casi cinco kilos de carne al día, así que la escena no debió de haber sido nada agradable. La crudeza y decadencia nos ayudaron a entender cuán difícil era la vida”.
Al principio, Iñárritu le envió una copia de Andrei Rublev, dirigida por Andrei Tarkovsky, para darle una sensación del diseño áspero que tenía en mente. “De inmediato me di cuenta qué tipo de filme quería hacer”, recuerda Fisk, a quien también se le avisó de la decisión de utilizar luz natural, lo que significaba hacer una búsqueda interminable de locaciones que tuvieran el tipo de iluminación correcta a ciertas horas propicias del día. “Teníamos que lidiar de manera constante con lo que fuera que nos aventara la naturaleza”, comenta Fisk, “pero eso se convirtió en una parte importante del proceso creativo”.
Una de las piezas centrales del diseño de Fisk es el desmedido set del fuerte Kiowa, fabricado a mano en un antiguo yacimiento de grava en el parque Spray Valley Provincial, cerca de Canmore, Alberta. Determinado a repetir la historia, el equipo de Fisk construyó el fuerte usando materiales y diseños auténticos de 1820, utilizando maderos ya disponibles.
“Quería que este fuerte fuera auténtico a la época —lo que lo hace un lugar en el que no querría vivir en la actualidad”, dice entre risas Fisk. “En vez de hacerlo encantador, lo hicimos inhóspito porque las vidas de estos hombres eran duras. Asimismo, no había carpinteros, así que recurrimos a esa idea de no hacer las cosas demasiado bien. Me enojaba con los carpinteros cuando hacían algo que se veía muy bien. Nuestra consigna para el fuerte fue: ‘Lo bueno es malo, lo malo es bueno’”.
Avejentar los sets se volvió una forma artística por sí misma en Revenant: El Renacido. “A las personas dedicadas a envejecer les pedimos que le dieran duro al fuerte. Un edificio estaba demasiado cuadrado, así que les pedí que lo levantaran un par de veces con un montacargas y lo dejaran caer, sólo para sacudirlo algo y darle una forma un poco más dilapidada”, recuerda Fisk. “Pasamos la misma cantidad de tiempo construyendo que envejeciendo”.
Para ajustarse a la necesidad de la luz natural, Fisk incluso construyó dos edificios del fuerte idénticos —uno que diera hacia el este para los rodajes matutinos y otro que diera al oeste para aprovechar el sol de la tarde.
Fisk construyó el pueblo de Pawnee en un foro de Los Ángeles con materiales y técnicas auténticas de su cultura. “Simplificamos algunos de los pasos para el pueblo invernal, pero las casas pequeñas no tienen ni madera, ni lodo, ni paja, como hubiera sido el caso”, comenta.
Si bien la mayoría de los sets están basados en modelos históricos, Fisk también diseñó elementos oníricos, incluyendo la inmensa montaña de cráneos de búfalo y las ruinas en forma de cáscara de una iglesia europea. Otro set atmosférico es el campamento de los cazadores atacado por los Arikara en la batalla del principio. Una vez que la escena comienza, el campamento está montado con tiendas de campaña improvisadas, cobertizos, fogatas y cazadores que están ocupados despellejando castores y atando pieles. Fisk incluso construyó una barcaza de la época (keelboat), que se vuelve una parte primordial de la acción. “Me encanta que el bote sea totalmente auténtico”, comenta, “sin contar que tiene un motor de 450 caballos de fuerza adentro, ¡para que pudiéramos ir contracorriente!”.
Fisk es conocido por construir sets que pueden ser fotografiados desde cualquier ángulo y Revenant: El Renacido no fue la excepción. Dice, “Me gusta que al momento de rodar puedas usar los 360º de mis sets —y un director como Alejandro le saca todo el provecho a ello. Si le das eso a él, siempre encontrará los ángulos más creativos”, reflexiona.

ORIGINALES Y AUTÉNTICOS: VESTUARIO

El hombre de montaña se ha vuelto un icono imperecedero de la herencia cultural norteamericana, pero para Revenant: El Renacido, Jacqueline West, diseñadora de vestuario nominada en dos ocasiones al Premio de la Academia® (Argo, The Curious Case of Benjamin Button), quería ir más allá de los clichés.
Se presta en señalar que ella creció con la leyenda de Glass: “Conocía la historia de Hugh Glass porque tengo un rancho en Dakota del Sur, y ahí es un personaje mítico. Estos cazadores fueron los auténticos pioneros”, indica West. “Aunque, para mí, el guión se sintió tanto como una novela rusa como un western. Estoy obsesionada con Dostoievski, Chejov y Tolstoi, así que el lado psicológico de la historia fue un gran aliciente para mí”.
Al adentrarse de lleno, obtuvo sus influencias de una amplia variedad de artistas, incluyendo pinturas y dibujos de dos artistas reconocidos de la época: Alfred Jacob Miller, quien se dirigió a las Montañas Rocosas a mediados del siglo XIX y fue uno de los pocos en capturar la vida ahí como se estaba desarrollando; y Karl Bodmer, un pintor suizo conocido por sus retratos de los nativos americanos, especialmente de la tribu Mandan de Dakota del Sur.
Un cuadro en particular se convirtió en la inspiración para la apariencia de Leonardo DiCaprio. “Es una pintura de un cazador nativo todo ataviado para el bosque en una levita con capucha, muy sencilla”, describe. “A Alejandro le encantó cuando se lo mostré. A él le gustan las cosas que se vean sencillas, nada incómodas o que sobresalgan por encima del personaje. Le gusta que la persona se manifieste a través de su atuendo. La capucha proviene de una imagen que Alejandro siempre había tenido para Glass, como algo espiritual, parecida a la de un monje. Su camisa es muy práctica, hecha de lino estirado que hubiera comprado en un fuerte local. No hay nada ostentoso en él. Sus atuendos mantienen a raya al clima”.
Continúa: “Alejandro tuvo la idea muy poética de que Leo usaría la piel de oso dejada atrás, cuando sus compañeros cazadores lo abandonan. Es una imagen muy lírica, y hay una ironía de que la cosa que casi lo mató le salva la vida. Lo mantiene caliente, lo protege y le da flotabilidad en el río”.
West contrastó la apariencia de Glass con la de su adversario Fitzgerald. “Veo a Fitzgerald como alguien que casi siempre está impulsado por el miedo”, explica. “Así que incorporé muchos animales a su guardarropa, al ponerle un revestimiento entero de nutria en su abrigo y un sombrero de castor”. (West hace hincapié en que todas las pieles y pelajes utilizados en el filme las obtuvieron “de Pacific Fur Trade, a quien el departamento de parques le da todo, obtenido de manera humana”).
Cada cazador tiene su propia apariencia distintiva. “Jim Bridger era un chico de granja, así que hice su atuendo casero, pero con ese asombroso abrigo de búfalo. La apariencia de Stubby Bill la tomé de una pintura de un cazador en pantalones a rayas y abrigo azul. Muphy era más europeo y me pareció que hubiera intercambiado con los franceses su capote. Le di a cada persona antecedentes para que su guardarropa fuera totalmente distinto”.
El vestuario del capitán Henry está basado en artefactos reales que se encuentran en exhibición en el Museum of The Fur Trade, en Nebraska. “Es de quien más información visual tenía. Sus mallas eran muy inadecuadas, pero esas eran las polainas reales que usó. Y el corte de su abrigo es también muy famoso, así que tuvimos que representar eso”.
Al igual que como pasó con el trabajo de Jack Fisk, West también tuvo que envejecer y oscurecer de manera constante los atuendos. “Utilizamos como nuestra canción temática ‘Paint it Black’”, dice entre risas. “Trituramos, lijamos y cortamos. Todo es mugriento y azotado por el clima; pero a mí me pareció hermoso, porque los ojos de los actores brillan ante el contraste”.
A West le emocionó en especial tener la oportunidad de exhibir los atuendos de la época de los nativos americanos. “Los nativos con frecuencia usaban lo que era llamada ‘camisa de guerra’, que son dos pieles que por lo general eran decoradas por sus esposas. También trabajamos para hacer que las tribus se vieran de manera distinta”, explica. “Los Pawnee tienen algodón y lana porque viven más cerca de un puesto de intercambio, mientras que los Akira, Mandan y Sioux usan pieles”.
Para la camisa de guerra de Elk Dog, West utilizó uno de los símbolos más poderosos de los Arikara: un pedazo de maíz. “El maíz simboliza que si tú mueres en batalla, esos granos serán plantados contigo en la tierra, y algo nuevo crecerá de ello. Es una forma de llevar contigo la tierra a la batalla”, explica.
Los atuendos sencillos, pero auténticos para Hikuc, el curandero nativo, y sus vínculos con el pasado, conmovieron a Arthur Redcloud. “Sentí que mi vestuario se volvió parte de mí y desarrollé una conexión emocional con él. Las insignias se aferran a ti cuando quieren. Sentí que mi guardarropa me había elegido, y lo usé con honor y gran respeto”, comenta, “no sólo para mí o el filme, sino para todos mis ancestros”.

CONGELAMIENTO, BARBAS Y SANGRE: PEINADOS Y MAQUILLAJE

La diseñadora de maquillaje Sian Grigg ha estado colaborando con Leonardo DiCaprio durante 20 años, desde que trabajaron juntos en Titanic, pero Revenant: El Renacido requería el maquillaje más intenso por el jamás haya tenido que pasar DiCaprio. Desde el momento en el que Glass es atacado por el oso, Grigg indica que se transforma en alguien casi irreconocible. “Tienes que creer en verdad que no es posible que viva, lo que significa ponerle una vasta cantidad de maquillaje”.
El proceso comenzó con analizar lo que el ataque de un oso le podría hacer a un cuerpo humano. Fue un trabajo de maquillaje particularmente dinámico —ya que conforme Glass comienza a curarse de manera paulatina, aunque después se hace de nuevas heridas, su rostro, cabello y piel cambian de manera constante. Las heridas de DiCaprio se manchan y sus tajos infectados se transforman en un mapa de cicatrices.
“Todo por lo tiene que pasar Glass tenía que ser mostrado en pantalla”, comenta Grigg. “Pero las ventajas de rodar en orden cronológico fueron maravillosas para nuestro trabajo. Significaba que cada día podíamos hacer cambios de maquillaje muy sutiles para reflejar el estado físico de Glass”.
Incluso antes del ataque, DiCaprio se transformó en un montañés que vivió sin espejos o sin bañarse. Se dejó crecer una barba tupida y descuidada —y diario recibió capas de tierra en su rostro, cuerpo y uñas. Más adelante, después del ataque, el cuerpo de DiCaprio fue cubierto con prótesis. Cada una de las piezas fue esculpida, pintada y cubierta con cabello. Cada herida individual tuvo que ser vista en varias etapas de recuperación y también tenía que ser capaz de ser cosida totalmente con aguja e hilo.
“Es raro que el maquillaje sea una parte tan integral para una historia como ésta”, comenta Grigg. “Tener la oportunidad de contar, en parte, una historia a través del maquillaje es un regalo”.
La estilista de DiCaprio, Kathy Blondell, trabajó en conjunto con Grigg. Gracias a mucha experimentación, se le ocurrió una mezcla de glicerina y abrasivo para dale al cabello del actor la textura extraña de un hombre que no tiene la menor intención de lavarse la sangre y la tierra que tiene en él.
Mientras tanto, Robert Pandini, jefe del departamento de peinados, preparaba las apariencias de los cazadores. “Sólo iban a un fuerte cada unos cuantos meses para limpiarse, así que la realidad de todo ello se reduce a mucha mugre”, comenta Pandini. “Alejandro me pidió que a cada cazador le creara una historia de fondo. Algunos tenían quemaduras de pólvora que provocaron que se les desprendieran los lados de su cabello, otros tenían piojos, por lo que se arrancaban pedazos de pelo”.
Para los personajes nativos americanos, Pandini dejó que les cayera el cabello. “Se los dejé muy natural y sencillo. Quizás y para todos no vaya acorde a la época, pero con la apariencia hacía juego”, explica.
Graham Johnston, jefe del departamento de maquillaje, adoptó el mismo mandato. “El sentimiento de todo el filme fue suciedad, fue tierra, fue real”, resume. “En cada toma, todos los personajes se van viendo cada vez más abatidos por el clima”.

SOBREVIVIR A REVENANT: EL RENACIDO

Al rodar en exteriores en Canadá y Argentina, en la nieve, con el viento y, con frecuencia, a una altitud elevada, el reparto y el equipo de producción de Revenant: El Renacido se enfrentaron a remanentes de los mismos peligros y condiciones a los que la gente que vivía en la región de Dakota del Sur en 1823 se hubiera tenido que enfrentar. Esto fue, por diseño, para inspirar aún más una fuente narrativa auténtica y para poner a las audiencias en el mismísimo centro de la naturaleza salvaje, que no es un parque, sino una zona de peligros mortales donde la supervivencia no está garantizada.
“En la actualidad, hemos perdido el contacto, o hemos perdido el tipo de contacto íntimo con el mundo natural que esos cazadores tenían en aquel entonces. Aunque la naturaleza salvaje siempre será parte de nosotros —somos nubes, somos ríos, estamos formados por estos mismos elementos. Me parece que cuando ves estos lugares, hay una conexión ahí que te recuerda de dónde vienes y hacia dónde vas. Una de las bendiciones del filme fue ser capaz de llevar ambientes que provocan eso en la pantalla”, comenta Iñárritu.
El simple hecho de encontrar paisajes y clima lo suficientemente crudos para igualar el oeste Americano de 1823 fue intimidante. “Nos tomó cinco años conseguir las locaciones correctas”, explica Iñárritu. “Estaba muy interesado en que el filme presentara locaciones que no hubieran sido tocadas nunca por seres humanos, así que buscamos lugares que fueran casi inmaculados. Había algo puro y poético en ellos”.
También contaban con algo que los hacía perturbadores —y esto le dio al reparto y al equipo de producción una percepción nueva de los hombres para quienes la vida, la muerte y la naturaleza estaban irrevocablemente entrelazadas. “Lo maravilloso fue que, en realidad, como actores estábamos reaccionando ante el clima”, comenta Will Poulter. “Cuando estás escalando una montaña a -20º C, no hay nada mejor para meterte de lleno en el momento desde la perspectiva del actor”.
Los peligros iban desde avalanchas hasta osos —la producción incluso tuvo todos los días un coordinador de seguridad de osos en el set. (Si bien el reparto y el equipo de producción tenían una preocupación justificada por los osos locales, ningún oso fue utilizado en las secuencias de ataques de osos grizzli. Ese fue uno de los pocos lugares donde Iñárritu utilizó imágenes por computadora)
Otra gran amenaza, como lo fue para Hugh Glass en la historia, fue el clima. En un momento dado, una tormenta de nieve disminuyó la temperatura a -27º C, por lo que hubo la necesidad para que los miembros del equipo de producción estuvieran al pendiente uno del otro para no ver señales de congelamiento. “He aprendido que no hay mal clima, sólo mala ropa”, bromea Iñárritu, pero indica que el frío intenso le dio al filme la realidad friolenta que rodar en condiciones más templadas no le hubiera dado.
Típico de los extremos del filme, una onda caliente que rompió récords (el invierno canadiense más cálido en 23 años) convirtió a los realizadores en adivinos de la nieve. “Alberta es muy susceptible a cambios radicales de clima”, comenta Iñárritu. “Puedes tener siete tipos distintos de clima en un solo día. Al principio, luchamos con bajas temperaturas y tormentas de nieve. Más tarde, luchamos porque no había nieve. Fue un invierno de temperaturas muy altas, y pasamos de cazar Chinooks a cazar hielo”.
En ocasiones, equipo de hombres armados con palas eran enviados a una montaña cercana para traer de vuelta la preciada y temporal nieve. A final de cuentas, la producción se fue dos semanas a la Tierra del Fuego, en la punta más al sur de Sudamérica, para capturar las condiciones invernales que se necesitaban para terminar el filme.
La película finalmente completó su ciclo. En el último día de rodaje, Iñárritu reunió al reparto y al equipo de producción justo como lo había hecho al principio. Le dijo al grupo, “Para hacer una película como ésta es el viaje de toda una vida. Ha sido un viaje lleno de asombro con momentos desafiantes, momentos difíciles y momentos bellos. Me siento honrado, agradecido, rendido, feliz y triste de que hayamos conseguido lo que conseguimos. Lo que hemos logrado es sorprendente. Cada uno de los días de producción fue difícil, pero creo que ha sido la experiencia artística más gratificante de toda mi vida”.

ACERCA DEL REPARTO

LEONARDO DiCAPRIO (Hugh Glass) es un premiado actor, nominado en cinco ocasiones al Premio de la Academia®, que ha sido reconocido por su trabajo como actor, productor y activista.
DiCaprio trabajó más recientemente con Netflix para lanzar Virunga, un documental nominado al Premio de la Academia® que analiza la conservación de los gorilas en el parque nacional de la República Democrática del Congo. Previo a ello, produjo y protagonizó The Wolf of Wall Street (El lobo de Wall Street), dirigida por Martin Scorsese, por la que recibió el Globo de Oro a Mejor Actor en una Película, Musical o Comedia, así como nominaciones al Premio de la Academia® a Mejor Actor y Mejor Película, en su papel como productor. Antes de The Wolf of Wall Street, protagonizó el éxito taquillero The Great Gatsby (El gran Gatsby), así como Django Unchained (Django sin cadenas), por la que recibió una nominación al Globo de Oro. En el papel que le da nombre al título en J. Edgar, bajo la dirección de Clint Eastwood, recibió nominaciones al Globo de Oro, al Premio Critics’ Choice® y al Premio Screen Actors Guild® (SAG) por su trabajo en el filme. Además, protagonizó el exitazo taquillero Inception (Incepción), de Christopher Nolan, y el thriller dramático Shutter Island (La isla siniestra), que representó su cuarta colaboración con el director Martin Scorsese.
Antes de recibir dos nominaciones al Premio de la Academia® por Wolf of Wall Street, DiCaprio recibió otra nominación a este premio en el 2007 por su actuación en el drama Blood Diamond (Diamante de sangre), de Edward Zwick. Por su trabajo en el filme, también recibió nominaciones al Globo de Oro, Critics’ Choice y Screen Actors Guild® (SAG) (Sindicato de Actores de Cine). Ese mismo año recibió nominaciones al Globo de Oro, Premio BAFTA, Premio Critics’ Choice y Premio SAG® por su papel en The Departed (Los infiltrados), dirigida por Martin Scorsese, y ganadora del Premio de la Academia® a Mejor Película. También compartió una nominación al Premio SAG® a Actuación Sobresaliente de un Reparto en una Película, como miembro del ensamble de The Departed.
Previo a ello, obtuvo una nominación al Premio de la Academia® por su actuación en la aclamada película biográfica The Aviator (El aviador), de Scorsese, en el 2004. La interpretación de DiCaprio de Howard Hughes en ese filme le valió también un Globo de Oro a Mejor Actor en un Drama, así como nominaciones al Critic’s Choice y al Premio BAFTA. También fue honrado con dos nominaciones al Premio SAG®, una a Mejor Actor y otra a Actuación Sobresaliente de un Reparto en una Película como parte del ensamble de The Aviator.
Además de su trabajo como actor, DiCaprio fundó su propia compañía productora, Appian Way. Bajo los auspicios de Appian Way, escribió, produjo y narró el aclamado documental The 11th Hour (La última hora), que aborda un tema ambientalista. Entre las demás producciones de Appian Way se encuentran las previamente mencionadas Shutter Island y The Aviator, así como The Ides of March (Poder y traición), Red Riding Hood (La chica de la capa roja), Orphan (La huérfana), Public Enemies (Enemigos públicos), Out of the Furnace (Duelo a muerte), protagonizada por Christian Bale y Woody Harrelson, y Runner, Runner (Apuesta máxima), protagonizada por Justin Timberlake y Ben Affleck. Su programa venidero de producción incluye la adaptación cinematográfica de la aclamada novela “Live By Night”, del autor Dennis Lehane, que Ben Affleck adaptará, dirigirá y protagonizará; Akira, de Jaume Collet Serra, escrita por Dante Harper; y dos proyectos escritos por Billy Ray: Twlight Zone, de Joseph Kosinki, y un proyecto aún sin título de Richard Jewell, protagonizado por Jonah Hill.
Nacido en Hollywood, California, DiCaprio comenzó actuar a los 14 años. El papel cinematográfico que lo puso en un primer plano se presentó en la adaptación del drama autobiográfico de Tobias Wolff This Boy’s Life (El enemigo) (1993), de Michael Caton-Jones. Ese mismo año, coprotagonizó What’s Eating Gilbert Grape (¿A quién ama Gilbert Grape?), de Lasse Hallström, que lo llevó a recibir sus primeras nominaciones al Oscar y al Globo de Oro por su interpretación de un joven mentalmente discapacitado. Además, por su trabajo en la película ganó el Premio National Board of Review a Mejor Actor Secundario y el Premio New Generation de la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles.
En 1995, DiCaprio tuvo papeles protagónicos en tres películas muy disímiles, que dio inicio con el western The Quick and the Dead (Rápida y mortal), de Sam Raimi. También obtuvo elogios por su actuación como el drogadicto Jim Carroll en el perturbador drama The Basketball Diaries, y por su interpretación del perturbado poeta pansexual Arthur Rimbaud en Total Eclipse (Eclipse en el corazón), de Agnieszka Holland. Al año siguiente, DiCaprio protagonizó la adaptación cinematográfica contemporánea de Baz Luhrmann de William Shakespeare’s Romeo + Juliet (Romeo y Julieta), por la que obtuvo el Premio a Mejor Actor en el Festival Internacional de Cine de Berlín. También formó parte de un reparto multiestelar en Marvin’s Room (La sangre que nos une), que lo llevó a compartir una nominación al Premio SAG® a Actuación Sobresaliente de un Reparto de Cine.
En 1997, DiCaprio actuó al lado de Kate Winslet en el exitazo taquillero Titanic (Ídem), por la que obtuvo una nominación al Globo de Oro. La película rompió todo récord en taquilla en su camino a conseguir once Premios de la Academia®, incluyendo uno a Mejor Película. Su trabajo cinematográfico subsecuente incluye dos papeles en The Man in the Iron Mask (El hombre de la máscara de hierro); The Beach (La playa); Celebrity (El precio del éxito), de Woody Allen; Catch Me If You Can (Atrápame si puedes), de Steven Spielberg (por la que recibió una nominación al Globo de Oro); Gangs of New York (Pandillas de Nueva York) (su primera película para el director Martin Scorsese); Body of Lies (Red de mentiras), de Ridley Scott; y Revolutionary Road (Sólo un sueño), de Sam Mendes, que reunió a DiCaprio con Winslet, y por la que obtuvo su séptima nominación al Globo de Oro.
DiCaprio es bien conocido por su dedicación al medio ambiente a escala mundial, que lo ha llevado a producir proyectos tales como el documental The 11th Hour, y, por ende, a encabezar numerosas campañas públicas de concientización, además de haber establecido The Leonardo DiCaprio Foundation. DiCaprio forma parte de los concejos de World Wildlife Fund, Natural Resources Defense Council y del International Fund for Animal Welfare.
En septiembre de 2014, DiCaprio fue designado Mensajero de la Paz de las Naciones Unidas por el compromiso que tiene con su antiguo activismo ambiental. Ese mismo mes, DiCaprio fue honrado con el Premio Clinton Global Citizen, participó en la marcha más grande de la historia contra el cambio climático en la ciudad de Nueva York y se dirigió de manera poderosa a la cumbre mundial de la Naciones Unidas.

TOM HARDY (Fitzgerald) se ha convertido rápidamente en uno de los talentos más versátiles y buscados de la actualidad, que lo ha llevado a ganarse elogios y reconocimientos a lo largo de los años tanto de críticos como de las audiencias, por sus actuaciones camaleónicas y su amplio rango a lo largo de una variedad de medios, incluyendo el cine, la televisión y el teatro.
Oriundo de Inglaterra, Hardy estaba estudiando en el prestigioso Drama Centre, de Londres, cuando le ofrecieron el papel que lo puso en un primer plano en la premiada miniserie de la Segunda Guerra Mundial “Band of Brothers”, cuyos productores ejecutivos fueron Tom Hanks y Steven Spielberg, para HBO. Su debut cinematográfico se dio poco tiempo después, cuando obtuvo un papel en el drama de guerra Black Hawk Down (La caída del halcón negro) (2001), dirigido por Ridley Scott, seguido de Star Trek: Nemesis (2002), de Stuart Baird.
En el 2008, Hardy llamó la atención mundial por su fascinante transformación en pantalla como un convicto de la vida real notablemente violento, en el papel que le da nombre al título en el drama Bronson, de Nicolas Winding Refn, por el que obtuvo un Premio British Independent Film a Mejor Actor. La British Academy of Film and Television Arts reconoció todavía más los logros de Hardy al haberlo honrado con el Premio ‘Rising Star’ en el 2011. Los créditos cinematográficos subsecuentes del actor incluirían papeles elogiados en Inception (2010) y The Dark Knight Rises (Batman, El Caballero de la noche asciende) (2012), ambas de Christopher Nolan, Tinker Tailor Soldier Spy (El espía que sabía demasiado) (2011), de Tomas Alfredson, Warrior (La última pelea) (2011), de Gavin O’Connor, Lawless (Sin ley) (2012), de John Hillcoat, y The Drop (La entrega) (2014), de Michaël R. Roskam.
En el 2013, Hardy recibió críticas entusiastas por su intensa actuación en Locke, de Steven Knight, que le valió el Premio a Mejor Actor por parte de la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles, así como su tercera nominación al Premio British Independent Film. Más recientemente, Hardy protagonizó el sumamente esperado éxito taquillero del verano Mad Max: Fury Road (Mad Max: Furia en el camino), la aclamada nueva versión de George Miller, y cuarta parte de su influyente franquicia de Mad Max, en la que Hardy interpreta el icónico papel.
En televisión, Hardy interpreta en la actualidad un papel recurrente en la premiada serie “Peaky Blinders”, para la BBC. En el 2008, Hardy recibió una nominación a ‘Mejor Actor’ por parte de BAFTA por su actuación en la película “Stuart: A Life Backwards”, para HBO, y en el 2009 interpretó a ‘Heathcliff’ en la producción de ITV de “Wuthering Heights” (Cumbres borrascosas). Sus créditos en la pantalla chica incluyen los telefilmes Oliver Twist”, “A for Andromeda”, “Sweeney Todd”, “Gideon’s Daughter” y “Colditz”, así como la miniserie “The Virgin Queen”, para la BBC.
En escena, Hardy ha protagonizado numerosas obras en el West End, de Londres, incluyendo Blood e In Arabia We’d All Be Kings, obteniendo por ambas producciones el Premio a Actor Novel Sobresaliente en los Premios Teatrales Evening Standard, en el 2003. Por la última obra, también fue nominado en el 2004 para un Premio Olivier. En el 2005, Hardy actuó en la premier de Londres de Roger and Vanessa, original de Brett C. Leonard. Su trabajo en escena también incluye la adaptación de Rufus Norris de Festen en el Almeida; The Modernists en el teatro Crucible, en Sheffield; The Man of Mode en el teatro National; y la premier mundial en el 2010 de The Long Red Road, original de Leonard, y dirigida por Philip Seymour Hoffman en el teatro Goodman, de Chicago.
Además de actuar, Hardy fundó en el Reino Unido la compañía productora Hardy Son & Baker en NBC Universal International Television (que trabaja de la mano con FX, Scott Free Productions —compañía de Ridley Scott—, Working Title y la BBC), de la que también es director general, así como de la división de producción Executive Options en Warner Bros. Studios, en los Estados Unidos. Miembro de la Academy of Motion Pictures Arts & Sciences (Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas), Hardy también funge como embajador de The Prince’s Trust, la Royal Marines Charitable Trust Fund (RMCTF) y de Help For Heroes.
Más recientemente, Hardy protagonizó el drama criminal Legend, de Brian Helgeland, donde asumió el reto de interpretar los dos papeles de Ronald y Reginald Kray, gemelos idénticos e infames gánsteres que gobernaron el East End de Londres en la década de los ‘50 y ’60. El filme, que se estrenó en el Reino Unido a principios de septiembre (y en EE UU el 20 de noviembre), ya ha roto varios records en Inglaterra, incluyendo haberse convertido el filme más taquillero de todos los tiempos para mayores de 18 años en la historia del cine británico.
En la actualidad, Hardy está ocupado produciendo y actuando en la venidera serie de ocho partes Taboo, acerca de un londinense del siglo XIX que lucha por construir un imperio de embarques, mientras también intenta vengar la muerte de su padre. Con una historia que desarrollaron tanto Hardy como su padre, Chips Hardy, este será el primer proyecto bajo los auspicios de su compañía Hardy Son & Baker. Escrito por Steven Knight (“Peaky Blinders”), la serie está programada para que salga al aire en el 2016 por la BBC en el Reino Unido y por FX en los Estados Unidos.

DOMHNALL GLEESON (Capitán Henry) terminó recientemente de filmar Star Wars: Episode VII, de JJ Abrams. También apareció hace poco en la obra The Walworth Farce, original de Enda Walsh, dirigida por Seán Foley, donde actuó al lado de su padre Brendan Gleeson y su hermano Brian Gleeson.
Otras producciones recientes también incluyen la película de ciencia ficción Ex Machina, de Alex Garland, la adaptación de Nick Hornby de la novela de Colm Tóibín Brooklyn, dirigida por John Crowley, y la adaptación de los hermanos Coen de las memorias de Louis Zamperini Unbroken (Inquebrantable), dirigida por Angelina Jolie.
Sus previos papeles protagónicos en cine incluyen Frank, de Lenny Abrahamson, con Michael Fassbender y Maggie Gyllenhaal; About Time (Cuestión de tiempo), de Richard Curtis, junto a Rachel McAdams y Bill Nighy; y Sensation, dirigida por Tom Hall. Recibió reconocimientos IFTA por haber interpretado a Bob Geldof en When Harvey Met Bob y a Levin en Anna Karenina, de Joe Wright.
Papeles secundarios en cine y televisión incluyen aquellos en Calvary (Calvario), de John Michael McDonagh, Black Mirror, de Charlie Brooker, en Channel 4, Never Let Me Go (Nunca me abandones), de Mark Romanek, True Grit (Temple de acero), de Joel y Ethan Coen, el papel de Bill Weasley en Harry Potter and the Deathly Hallows (I & II) (Harry Potter y las reliquias de la muerte, Parte 1 y 2), dirigidas por David Yates, y el cortometraje ganador del Premio de la Academia Six Shooter, de Martin McDonagh. También apareció en Dredd (Dredd: El juez del apocalipsis), dirigida por Pete Travis; Shadow Dancer, dirigida por James Marsh; Perrier’s Bounty, de Ian Fitzgibbon; A Dog Year, para HBO films, al lado de Jeff Bridges; Studs, de Paul Mercier; Boy Eats Girl, de Stephen Bradley; y Your Bad Self, de John Butler, para la que escribió sketches con Michael Moloney.
El trabajo en escena de Gleeson incluye Now or Later en el Royal Court; American Buffalo y Great Expectations en el Gate; la producción de Druid de The Well of the Saints; Macbeth, dirigida por Selina Cartmell; y Chimps, dirigida por Wilson Milam en el Liverpool Playhouse. Gleeson fue nominado para un Premio Tony® por la producción de Broadway de The Lieutenant of Inishmore, de Martin McDonagh. Por este papel también recibió una nominación al premio Lucille Lortel y una Distinción Drama League a la Excelencia en la Actuación. Por su papel en American Buffalo obtuvo una nominación al Premio Irish Times.
Gleeson escribió y dirigió los cortometrajes Noreen (protagonizado por Brendan y Brian Gleeson) y What Will Survive of Us (protagonizado por Brian Gleeson). También creó Immatürity for Charity, sketches cómicos rodados con la familia y amigos para ayudar al hospicio St. Francis (son bastante extraños y están en YouTube).

En el 2104, al actor británico WILL POULTER (Jim Bridger) se le otorgó el prestigioso premio Estrella Prometedora EE BAFTA, que lo llevó a colocarse como uno de los talentos jóvenes más emocionantes del país. El año pasado, por su papel en We’re The Millers (¿Quién son los Miller?) también recibió el premio ‘Actuación Revelación’ en los Premios MTV, así como el premio a ‘Mejor Beso’ por su hilarante y memorable escena en el filme.
Poulter fue visto recientemente protagonizando el filme The Maze Runner (Maze Runner: Correr o morir), una adaptación del best-seller de James Dashner, dirigido por Wes Ball, para Twentieth Century Fox. Otros proyectos recientes incluyen el filme Kids in Love, que fue rodado en Londres y sus alrededores, y también es protagonizado por Sebastian De Souza, Gala Gordon y Cara Delevingne. En Glassland, el segundo largometraje del director irlandés Gerard Barrett, interpreta el papel de ‘Shane’. La película, protagonizada por la actriz nominada al Premio de la Academia® Toni Collette y Jack Reynor, acaba de recibir este año el premio a ‘Mejor Película Irlandesa’ en los Premios Galway Film Fleadh.
También protagonizó recientemente la exitosa comedia We’re the Millers, en el papel de ‘Kenny’, junto a Jennifer Anniston, Jason Sudeikis y Emma Roberts, para Warner Bros.
El debut cinematográfico de Poulter fue en la exitosa y nostálgica comedia Son of Rambow, de Garth Jennings, en el 2008, por la que Will recibió una nominación a Actor Novel más Prometedor en los Premios British Independent Film.
En el 2011, Will actuó en Wild Bill, debut como director de Dexter Fletcher, y que fuera nominada al BAFTA. La película vio la transición de Will de niño estrella a actor adulto, por lo que Will fue nominado para el Premio Young British Performer of The Year en los Premios Critics’ Circle por su reveladora actuación.
Otros créditos cinematográficos incluyen la taquillera adaptación de The Chronicles of Narnia: The Voyage of The Dawn Treader (Las crónicas de Narnia: La travesía del viajero del alba), en la que Will interpretó a ‘Eustace Clarence Scrubb’, al lado de Tilda Swinton, Liam Neeson y Simon Pegg. Su interpretación como uno de los personajes más populares en la literatura infantil le valió numerosas nominaciones y críticas entusiastas, una vez que elogiaron su actuación estelar y lo consideraron un nombre a seguir.
Will también interpretó y desarrolló una serie de personajes satíricos en el programa cómico de sketches School of Comedy, para C4/E4, un programa de televisión para adultos, interpretado por un reparto de talentosos actores británicos jóvenes especializados en comedia. El programa fue llevado al Festival Fringe de Edimburgo y en el 2009 se adaptó como una serie de televisión de seis partes para E4, que estuvo al aire durante dos temporadas, hasta el 2010.

FORREST GOODLUCK (Hawk) es miembro de las tribus Diné, Mandan, Hidatsa y Tsimshian. Forrest Goodluck hace su debut cinematográfico en Revenant: El Renacido.
Además de actuar, Goodluck es un director joven premiado. Comenzó a dirigir teatro a los diez años de edad y para cuando tenía 14 ya se había convertido en un director galardonado. Cuando sus cortometrajes Sun Kink (2013) y Malady’s Muddy Waters (2014) se estrenaron en SWAIA, fueron honrados como ganadores del Smithsonian’s National Museum of the American Indian y el SWAIA Santa Fe Indian Market Class X Youth. Los filmes de Goodluck también se han exhibido en el Festival Internacional de Cine de Seattle, en Taos Shortz, en LA Skins Festival y en NM Showcase.
Nacido en Albuquerque, Nuevo México, Goodluck estudió en The Bosque School, donde fue miembro activo del teatro tanto en la escuela como en la Academia de Actuación Sol. Desde que tenía 10 años, ha interpretado numerosos papeles en teatro comunitario y escolar.
En enero de 2015, Goodluck fue invitado a participar con el Native American Full Circle Fellowship en el Instituto de Sundance. Este programa inaugural de becas es apoyado por la fundación W.K. Kellogg, interesada en invertir en la primera generación de realizadores.

PAUL ANDERSON (Anderson) después será visto al lado de Tom Hardy en Legend, dirigida por Paul Helgeland, y con Chris Hemsworth en In the Heart of the Sea (En el corazón del mar), de Ron Howard.
Un actor inglés, los papeles cinematográficos de Anderson incluyen aquellos en filmes tales como The Firm (La firma), The Sweeney (El escuadrón del miedo), Sherlock Holmes: A Game of Shadows (Sherlock Holmes: Juego de sombras), Electricity, ’71, Still Life, Passion (Pasión, un asesinato perfecto), de Brian De Palma, Piggy, A Lonely Place to Die (Pánico en las alturas), y Frankie Howerd: Rather You Than Me.
En televisión, protagonizó el drama “Peaky Blinders”, para la BBC, y también apareció en la miniserie inglesa “The Great Train Robbery” y en “The Promise”.

KRISTOFFER JONER (Murphy) nació en Stavanger, Noruega. Es un actor y director, conocido por Next Door (2005), King of Devil’s Island (2010) y The Monitor (2011). Es uno de los actores noruegos más prolíficos de su generación y ha compartido créditos con muchos grandes talentos, incluyendo Stellan Skarsgård, Noomi Rapace y Michael Nyqvist, por nombrar unos cuantos.
Joner comenzó su carrera en la actuación en el teatro Rogaland en Stavanger, Noruega, a la edad de 14 años, y actuó ahí hasta que estaba en sus veintes. Su carrera en la actuación abarca el teatro, el cine y la televisión, y también se dio a la tarea de dirigir en el 2008, con el cortometraje Cold And Dry.
Joner ha ganado múltiples premios a lo largo de su carrera, incluyendo el Amanda, el Premio de la Academia Noruega® por el papel protagónico en The Orheim Company; el Shooting Star en el Festival de Cine de Berlín; e incluso el reconocimiento a Mejor Actor en 100 Años de Cine Noruego, un honor que comparte con la aclamada actriz Liv Ullman.

JOSHUA BURGE (Stubby Bill) protagonizó más recientemente Buzzard, el tercer filme en la trilogía independiente de Joel Potrykus. Burge también tuvo el papel protagónico en las primeras dos películas de la serie, Ape y el cortometraje Coyote. Mientras estudiaba en su natal Michigan, Burge se dejó llevar por la música. Se pasó la década siguiente como cantautor, como líder de la banda Chance Jones. Burge obtuvo su papel en Revenant: El Renacido después de un proceso de casting largo y exhaustivo. Está encantado de haber regresado al cine y hacer su debut cinematográfico en una película de estudio con una producción tan monumental.

LUKAS HAAS (Jones) nació en West Hollywood, California, y, mientras cursaba kindergarten, fue descubierto a la edad de cinco años por la directora de casting Margery Simkin. Si bien su primer papel en la pantalla fue en 1983 en el filme del holocausto nuclear Testament (1983), fue su segunda aparición en Witness (Testigo en peligro) (1985), al lado de Harrison Ford y Kelly McGillis, que le valió atención y elogios. En el filme de Peter Weir, Haas interpretó a un niño menonita que es el único testigo en el asesinato de un policía encubierto, trabajo que le valió a la postre papeles protagónicos en películas tales como Lady in White (1988), The Wizard of Loneliness (1988) y Alan & Naomi (1992) —este último filme escrito por su madre. Haas fue nominado más adelante para un Emmy por su interpretación de una víctima de SIDA, Ryan White, en el controversial telefilme The Ryan White Story (1989). Continuó afianzándose en cine con papeles protagónicos en las películas: Music Box (1989), con Jessica Lange y el director Costa-Gavras; Convicts (1991) y Rambling Rose (1991) (ambas con Robert Duvall); y Boys (1996), con John C. Reilly y Winona Ryder.

En escena, en 1988, Haas actuó al lado de Steve Martin y Robin Williams en “Waiting for Godot”, original de Samuel Beckett, en el Lincoln Center de la ciudad de Nueva York, para el director Mike Nichols. A la postre, trabajaría con los directores Woody Allen en Everyone Says I Love You (Todos dicen te amo) (1996), Tim Burton en Mars Attacks! (Marcianos al ataque) (1996) y Alan Rudolph en Breakfast of Champions (Desayuno de campeones) (1999). Tuvo un papel importante en Brick (2005), el debut como director de Rian Johnson, con Joseph Gordon-Levitt. Después apareció en Last Days (2005), una película inspirada en Kurt Cobain, dirigida por Gus Van Sant, que se estrenó en el Festival de Cine de Cannes. Le siguieron papeles en Material Girls (Chicas materiales) (2006), la sátira de terror The Tripper (2006), Who Loves the Sun (2006), Gardener of Eden (2007), While She Was Out (Mientras estás fuera) (2008) y Death in Love (Muerto de amor) (2008).
Haas tuvo un papel secundario en Inception (2010), de Christopher Nolan, al lado de Leonardo DiCaprio, Ellen Page, Joseph Gordon-Levitt, Michael Caine y Marion Cotillard. Después apareció en Red Riding Hood (2011), para la directora Catherine Hardwicke, y Contraband (Contrabando) (2012), para el director Baltasar Kormákur. Haas protagonizó recientemente Crazy Eyes (2012), Pawn Shop Chronicles (Pandilla salvaje) (2013) y Dark Was The Night (2014). También tuvo un papel recurrente como Calvin Norburg en la aclamada serie de FOX Touch, y apareció en Transcendence (Trascender) (2014), debut como director de Wally Pfister.

El debut en la actuación de BRENDAN FLETCHER (Fryman) se presentó en 1995, en el papel de ‘Des’, papel protagónico en la producción de CBC de Little Criminals. Por esta actuación, recibió un Premio Leo, así como una nominación al Gemini a Mejor Actor Protagónico en un Papel Dramático.
Desde entonces, Fletcher ha protagonizado varios filmes premiados, incluyendo Jimmy Zip, Rollercoaster, The Five Senses y Edwin Boyd. En el 2002, Fletcher recibió el Genie a Mejor Actor en un Papel Protagónico por su trabajo en el largometraje The Law of Enclosures, donde actuó junto a Sarah Polley. Después recibió una nominación al Gemini por sus actuaciones en 100 Days in the Jungle, y en Turning Paige, al lado de Katherine Isabelle, en el 2003. En el 2006, su trabajo en el filme Paper Moon Affair le valió una nominación al Premio Leo a Mejor Actor Protagónico en un Drama. También en el 2006 obtuvo su segundo Premio Gemini por actuar al lado de Jessica Paré en la película para televisión The Death and Life of Nancy Eaton.
A lo largo de los años, Fletcher ha trabajado en cientos de producciones. Sus créditos cinematográficos incluyen el filme Tideland (Viaje sin límites), de Terry Gilliam, donde actuó junto a Jodelle Ferland, Jeff Bridges y Jennifer Tilley; 88 Minutes (88 minutos) con Al Pacino; y RV (Locas vacaciones sobre ruedas), con el ya finado Robin Williams. También ha protagonizado las películas de culto Ginger Snaps (Feroz), Freddie vs. Jason y Rampage, de Uwe Boll. Más recientemente, Fletcher protagonizó una nueva versión de la popular franquicia de terror Leprechaun: Origins, y coescribió y fue productor ejecutivo de Rampage: You End Now, secuela de Rampage.
Otros créditos incluyen la miniserie ganadora del Premio Emmy The Pacific, producida por Steven Spielberg, y un papel recurrente en el aclamado drama The Killing, para AMC. Sus numerosas apariciones como actor invitado incluyen Supernatural, para The CW, Alcatraz, para FOX, y Bates Motel, para A&E, por nombrar unos cuantos. El año pasado se unió al reparto de Rogue, para DirectTV, durante su segunda temporada. También puede ser visto con un papel recurrente en Hell on Wheels, para AMC, y en el drama criminal Gracepoint, para FOX.
Brendan Fletcher nació y fue criado en el valle de Comox en la isla de Vancouver, en Columbia Británica.

DUANE HOWARD (Elk Dog) es de las naciones originarias Mowachaht/Muchalht, una pequeña comunidad localizada en la isla de Vancouver, pero durante los últimos 30 años Duane ha hecho de Vancouver, C.B. su hogar. Al vivir en la ciudad, ha conseguido mucho a través de la educación, estudiando Educación Nativa en la Universidad de Capilano, por lo que continúa compartiendo su conocimiento y enseñanza con otros en la comunidad.
Howard se enfrentó a retos desde una edad muy temprana. Al igual que muchos otros, fue difícil alejarse de las drogas y el alcohol, y tuvo que experimentar tiempos difíciles antes de que hiciera cambios en su vida. En el verano de 1986, fue a tratar sus adicciones para mejorar su vida y la de sus hijos.
En 1987 regresó a la escuela y a la postre terminó un título de orientación sobre drogas y alcohol. Más tarde, comenzó a trabajar con jóvenes y familias. Empezó a viajar alrededor de Canadá impartiendo talleres en conferencias y reuniones para ayudar a las comunidades a estar más conscientes de las cuestiones concernientes a las drogas y el alcohol. Después, Howard se llegó a dar cuenta que necesitaba hacer un cambio en su vida para evolucionar, por lo que hizo un cambio en su carrera por algo que le apasionaba: la actuación.
En la década de los ’90, Howard comenzó a trabajar en la industria cinematográfica como actor de fondo. Hizo eso durante unos cuantos años como trabajo de medio tiempo, y conforme avanzaron los años comenzó a hacer trabajo extra para hacerse de habilidades especiales. Recibió un crédito como doble de riesgo en Scarlet Letter, y después trabajó en unos cuantos programas de televisión locales en Vancouver, incluyendo Da Vinci’s Inquest, Supernatural, Peace Maker, Good Night For Justice, Blade, The Collector, Johnny Too Tall, Arctic Air, la miniserie Into The West, producida por Steven Spielberg, así como los largometrajes The ‘A’ Team (Brigada A – Los magníficos), Pathfinder (Conquistadores) y Bury My Heart At Wounded Knee.
Ahora, Howard orienta a estudiantes en la Universidad de Capilano, donde comparte sus experiencias en la industria del entretenimiento. Después será visto en la película independiente The Sun at Midnight, rodada en el Yukón. Howard también ha actuado en teatro e improvisación en directo. Las artes continúan nutriendo su confianza y autoestima, mientras contribuyen a su éxito como un consumado actor/doble de riesgo.

ARTHUR REDCLOUD (Hikuc) es un indio navajo de raza pura que nació en Crown Point, Nuevo México y en la actualidad vive en el área de Dallas-Forth Worth, donde trabaja en el departamento del alguacil del condado de Dallas y, como trabajo de medio tiempo, es chofer de camiones. Comenzó su carrera en la actuación como un modelo y actor de simulaciones de eventos del oeste, además de haber aparecido en varias películas independientes. Le dieron el papel de Hikuc en Revenant: El Renacido —un papel con el que se identificó de manera profunda al haber sido hijo de un curandero— después de un intenso proceso de audiciones. Es su primer papel cinematográfico de importancia.
Desde hace mucho tiempo, Redcloud es también voluntario de Hawkquest, una organización sin fines de lucro dedicada a promover el bienestar de halcones, águilas, búhos y halcones.

GRACE DOVE (Powaqa) es india Secwepemc de la nación originaria Canim Lake, liderados por el miembro y jefe de familia Mike Archie. Se mudó a Vancouver para ir en búsqueda de una carrera como artista. Se graduó del programa de actuación de la escuela de cine de Vancouver, y en la actualidad está haciendo audiciones y trabajando de manera regular en la industria cinematográfica. Cuando no está analizando un guión, a Dove le encantan los exteriores y capturarlos a través de su fotografía, ya sea yendo cuesta abajo en pistas de esquí o escalando la pared de una roca.
Su carrera ha ido en ascenso con una gran curva de aprendizaje después de haber trabajado al lado de artistas tales como Leonardo DiCaprio y Tom Hardy en Revenant: El Renacido.
Este año le ha brindado grandes oportunidades trabajando con el equipo de “UnderEXPOSED” en APTN (Aboriginal Peoples Television Network), donde ahora se encuentra en su tercera temporada de producción, y que la ha llevado de ser aprendiz hasta convertirse en conductora principal del programa. Ha estado viajando a lo largo de los Estados Unidos en 13 episodios nuevos por temporada, que lo abarca todo, desde andar en snowboard y en patineta, hasta surfear. Esta serie nueva ha combinado su amor por la televisión y la fotografía, todo en uno. Junto con una gran cantidad de aventuras, se han presentado retos que no hubiera esperado que la llevaran a crecer física, mental y emocionalmente. Está definitivamente incentivada para una nueva temporada.

ACERCA DE LOS REALIZADORES

ALEJANDRO G. IÑÁRRITU (Dirigida por, Guión de, Producida por) es un director, escritor y productor ganador del Premio de la Academia®, y uno de los cineastas más aclamados y respetados que trabajan en la actualidad.
El año pasado Iñárritu ganó tres Premios de la Academia por haber dirigido, coescrito y coproducido Birdman: Or (The Unexpected Virtue of Ignorance), ganadora del Oscar a Mejor Película. La aclamada comedia de humor negro ganó Mejor Fotografía y fue nominada para otros cinco Premios de la Academia®. Iñárritu ganó un Premio DGA y un Premio PGA por el filme de New Regency/Fox Searchlight, protagonizado por los nominados al Premio de la Academia® Michael Keaton, Emma Stone y Edward Norton.
Iñárritu hizo su debut como director en Amores Perros, un drama que exploraba la sociedad mexicana contada a través de la perspectiva de tres historias que se entrelazaban por un accidente automovilístico que sucedía en la Ciudad de México. En el 2001, el filme fue nominado a Mejor Película Extranjera en los Premios de la Academia®.
Su siguiente filme, 21 Grams (21 gramos), fue nominado para dos Premios de la Academia®, a Mejor Actriz para Naomi Watts y a Mejor Actor Secundario para Benicio del Toro. La película fue estrenada por Focus Features. Su tercera película, Babel, estrenada por Paramount Pictures, se estrenó en Cannes, donde Iñárritu ganó el Premio a Mejor Director. Ese mismo año, Babel ganaría a la postre el Globo de Oro a Mejor Película Dramática, y fue nominada a siete Premios de la Academia®, incluyendo dos para Iñárritu a Mejor Película y Mejor Director. Con sus dos nominaciones, Iñárritu se convirtió en el primer cineasta mexicano en haber sido nominado ya sea para director o para productor en la historia de los Premios de la Academia®. El cuarto filme de Iñárritu, Biutiful, fue su primera película en habla hispana desde Amores Perros. Dirigió y produjo el aclamado drama, que coescribió con Armando Bo y Nicolás Giacobone. El filme de Focus Features fue nominado para un Premio de la Academia® a Mejor Película Extranjera, y Javier Bardem fue nominado a Mejor Actor por su conmovedor papel protagónico.
Iñárritu comenzó su carrera como conductor y director de radio en la estación mexicana de música rock WFM, que se convirtió en la estación de radio número uno durante su época. Después de trabajar en este medio, Iñárritu pasó tres años estudiando teatro en la Ciudad de México con Ludwik Margules, y después comenzó a escribir, producir y dirigir cortometrajes y comerciales bajo los auspicios de su compañía Z Films, en México.

Los filmes más recientes de MARK L. SMITH (Guión de) incluyen The Hole (Las dimensiones del miedo), dirigido por Joe Dante, Vacancy (Hotel sin salida), dirigido por Nimrod Antal, y la venidera Martyrs, dirigida por los hermanos Goetz.
En la actualidad, Smith tiene una serie de guiones en varias etapas de desarrollo, incluyendo varios producidos por las estrellas de Revenant: El Renacido. Endurance y Ruthless están siendo desarrollados por Appian Way, compañía de Leonardo DiCaprio, y Tramps está siendo producido y será protagonizado por Tom Hardy. Otros guiones recientes incluyen The Queen of the Tearling, a ser estelarizada por Emma Watson, The Descent, que Robert Redford dirigirá, Collider para la compañía Bad Robot y el director Edgar Wright, Ghost Recon para Warner Bros. y el director Michael Bay, y Chain of Events, que Morten Tyldum dirigirá.

EMMANUEL “CHIVO” LUBEZKI, ASC/AMC (Director de Fotografía) ha ganado en dos ocasiones el Premio de la Academia® a ‘Mejor Fotografía’ por Birdman y Gravity (Gravedad), de Alfonso Cuarón. También ha ganado en dos ocasiones el Premio BAFTA, y ha sido nominado en siete ocasiones al Premio de la Academia®.
Dos de sus nominaciones para el Premio de la Academia® son también por sus colaboraciones con Cuarón, A Little Princess (La princesita) y Children of Men (Niños del hombre). Su trabajo en esta última le valió un BAFTA y premios de la American Society of Cinematographers (Sociedad Norteamericana de Directores de Fotografía) y la Australian Cinematographers Societies (Sociedades Australianas de Directores de Fotografía), así como una serie de premios de asociaciones de críticos, incluyendo la Los Angeles Film Critics Association (Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles) y la National Society of Film Critics (Sociedad Nacional de Críticos de Cine). Ha disfrutado de una prolongada asociación con Cuarón, que comenzó en 1991 con Sólo Con Tu Pareja (Love In The Time Of Hysteria) y que también incluye Great Expectations (Grandes esperanzas) e Y tu mamá también.
Las otras nominaciones al Premio de la Academia® de Lubezki provienen de su trabajo en Sleepy Hollow (La leyenda del jinete sin cabeza), de Tim Burton, y The New World (El nuevo mundo) y The Tree Of Life (El árbol de la vida), ambas de Terrence Malick. Por The Tree Of Life fue honrado de nueva cuenta por la American Society of Cinematographers, la Australian Cinematographers Societies, la Los Angeles Film Critics Association y la National Society of Film Critics, así como por el New York Film Critics Circle (Círculo de Críticos de Cine de Nueva York), entre otros.
Desde entonces, se ha reunido con Malick en To the Wonder (Deberás amar), así como en la venidera Knight Of Cups y en Untitled Terrence Malick Project.
Su larga lista de créditos cinematográficos también incluye Lemony Snicket’s A Series Of Unfortunate Events (Lemony Snicket, Una serie de eventos desafortunados), The Assassination Of Richard Nixon, Ali, Meet Joe Black (¿Conocen a Joe Black?), The Birdcage (La jaula de los pájaros), A Walk In The Clouds (Un paseo por las nubes), Reality Bites (La dura realidad) y Like Water For Chocolate (Como agua para chocolate).

ARNON MILCHAN (Productor), con más de cien filmes entre sus créditos, es ampliamente reconocido por ser uno de los productores de cine independiente más prolíficos y exitosos de los últimos 25 años. Nacido en Israel, Milchan estudió en la Universidad de Ginebra. Su primera incursión comercial fue transformar el modesto negocio de su padre en una de las compañías agroquímicas más grandes del país. Este primer logro fue un presagio para la ahora legendaria reputación que Milchan tiene en el mercado internacional como un sagaz hombre de negocios.
Al poco tiempo, Milchan comenzó a apoyar proyectos en áreas por las que siempre tuvo un interés especial —el cine, el teatro y la televisión. Entre sus primeros proyectos se encuentran la producción teatral de Amadeus, de Roman Polanski, Dizengoff 99, La Menace, The Medusa Touch y la miniserie Masada. Para finales de los ochenta, Milchan había producido filmes tales como The King of Comedy (El Rey de la Comedia), de Martin Scorsese, Once Upon a Time in America (Érase una vez en América), de Sergio Leone, y Brazil, de Terry Gilliam.
Después del extraordinario desempeño de sus filmes Pretty Woman (Mujer bonita) y The War of the Roses (La guerra de los Roses), Milchan fundó New Regency Productions, que lo llevó a producir una serie de exitosos filmes, incluyendo J.F.K. (Ídem), A Time to Kill (Tiempo de matar), Free Willy (Liberen a Willy), The Client (El cliente), Tin Cup (Juego de pasiones), Under Siege (Alerta máxima), The Devil’s Advocate (El abogado del diablo), The Negotiator (El negociador), City of Angels (Un ángel enamorado), Entrapment (La emboscada), Fight Club (El club de la pelea), Big Momma’s House (Mi abuela es un peligro), Don’t Say a Word (Ni una palabra), Daredevil (El hombre sin miedo), Man on Fire (Hombre en llamas), Mr. and Mrs. Smith (El Sr. y la Sra. Smith), Alvin and the Chipmunks (Alvin y las ardillas), What Happens in Vegas (Locura de amor en Las Vegas), Love and Other Drugs (De amor y otras adicciones), Noah (Noé) y Gone Girl (Perdida).
En 1998, Milchan recibió una nominación al Premio de la Academia por haber producido el filme L.A. Confidential (Los Ángeles al desnudo). Fungió como productor de películas que ganaron de manera consecutiva el Premio de la Academia® a Mejor Película: 12 Years a Slave (12 años esclavo) y Birdman (2015).
A lo largo de todo este trayecto, Milchan trajo a bordo a dos poderosos inversionistas y socios que comparten su visión: Nine Network y Twentieth Century Fox. Fox distribuye las películas de Regency en todo el mundo, excepto televisión de paga y abierta, donde Milchan ha sacado ventaja de la creciente oferta televisiva y del nuevo mercado de medios. Milchan también diversificó exitosamente las actividades de su compañía dentro de la esfera del entretenimiento, más específicamente en el ámbito de la televisión a través de Regency Television (“Malcolm in the Middle”, “The Bernie Mac Show” y “Windfall”) y de los deportes, donde la compañía fue en un momento dado la más grande accionista de PUMA, el conglomerado mundial de ropa y calzado deportivo, ubicado en Alemania, que eventualmente fue vendido después de haber llevado a cabo un exitoso cambio de imagen de la marca en el 2003.

STEVE GOLIN (Productor) es fundador y socio comercial de Anonymous Content, una compañía de desarrollo, producción y representación. A lo largo de los últimos veinte años, ha desarrollado una reputación por cultivar la libertad artística sin perder viabilidad comercial, una vez que trabaja en películas, televisión, comerciales, videos musicales y nuevos medios.
Es productor de más de 40 proyectos de cine y televisión, incluyendo Babel, dirigido por Alejandro González Iñárritu, que fue honrado con múltiples nominaciones al Globo de Oro y Premio de la Academia®; además de haber ganado el Globo de Oro a Mejor Película y el premio a Mejor Director en el Festival de Cine de Cannes, en el 2006. Otras películas importantes incluyen Being John Malkovich (¿Quieres ser John Malkovich?) (1999), dirigida por Spike Jonze; y Eternal Sunshine Of The Spotless Mind (Eterno resplandor de una mente sin recuerdos) (2004), de Michel Gondry.
En 1999, su filme con David Lynch, Wild at Heart (Salvaje de corazón) (1990) ganó la Palma de Oro en Cannes.
Créditos recientes incluyen la aclamada serie True Detective, escrita por Nic Pizzolatto, dirigida por Cary Fukunaga y protagonizada por Matthew McConaughey y Woody Harrelson, para HBO; y Seeking A Friend For The End Of The World (Buscando un amigo para el fin del mundo), que fue escrita y dirigida por la cliente de Anonymous Lorene Scafaria y estelarizada por Steve Carell y Keira Knightley, para Mandate Pictures. Big Miracle dirigida por Ken Kwapis, para Universal, es protagonizada por Drew Barrymore, John Krasinski, Ted Danson, Dermot Mulroney y Kristen Bell, y fue estrenada en febrero de 2012. The Last Elvis, escrita y dirigida por el cliente de Anonymous Armando Bo, se exhibió en Sundance y en el Festival de Cine de LA. The Beaver (Mi otro yo), dirigida y protagonizada por Jodie Foster, al lado de Mel Gibson, fue estrenada en mayo de 2011. 44 Inch Chest (Venganza premeditada), el debut cinematográfico del aclamado director de comerciales Malcolm Venville, se estrenó en el Festival de Cine de Londres en el 2009, y es estelarizada por Ray Winstone, John Hurt, Ian McShane, Tom Wilkinson, Stephen Dillane y Joanne Whalley. En el 2007, Rendition (El sospechoso) fue dirigida por el cliente de Anonymous Gavin Hood y protagonizada por Jake Gyllenhaal, Meryl Streep y Reese Witherspoon. El año pasado, Anonymous produjo el éxito familiar, Fun Size, escrita por el cliente de Anonymous Max Werner y dirigida por Josh Schwartz, protagonizada por Victoria Justice, Jane Levy y Chelsea Handler.
Además, Anonymous Content también representa muchos clientes de primera categoría, tales como Nicholas Refn (Drive, Only God Forgives), Steven Soderbergh (Magic Mike, Behind The Candelabra), Samuel L. Jackson, Emma Stone y Michael Keaton, por nombrar unos cuantos.
En producción se encuentra actualmente Triple Nine, dirigida por John Hillcoat y protagonizada por Casey Affleck, Chiwetel Ajiofor, Gal Gadot, Woody Harrelson, Kate Winslet, Aaron Paul, Teresa Palmer, Anthony Mackie, Norman Reedus y Clifton Collins Jr, y la segunda temporada de True Detective.
En postproducción, Golin está produciendo Len & Company, dirigida por Tim Godsall y protagonizada por Rhys Ifans, Juno Temple, Jack Kilmer y Kathryn Hahn. Sus otros filmes a la espera de ser estrenados son The Loft, dirigido por Erik Van Looy, estelarizado por Karl Urban, Wentworth Miller, Isabel Lucas, James Marsden, Rhona Mitra, Margarita Levieva, Rachael Taylor y Eric Stonestreet, y U Want Me To Kill Him?, dirigido por Andrew Douglas, basado en el artículo del Vanity Fair, publicado en el 2005.
Los primeros créditos de Golin como productor incluyen: Truth of Dare (1991), con Madonna; The Portrait of a Lady (Retrato de una dama) (1996), de Jane Campion; The Game (El juego) (1997), de David Fincher; y Your Friends And Neighbors (1998) y Nurse Betty (2000), ambas de Neil LaBute. También produjo series de televisión, tales como Beverly Hills 90210, The L Word y Twin Peaks, de David Lynch.
Golin cofundó su primera compañía, Propaganda Films, en 1986. Se convirtió en la compañía productora de videos musicales y de producción más grande del mundo, que la llevó a obtener más premios MTV Video y Palmas de Oro que cualquier otra compañía. Golin ayudó a lanzar las carreras de David Fincher, Spike Jonze, Michael Bay, Antoine Fuqua, Gore Verbinski, Alex Proyas, David Kellogg y Simon West, entre otros.
Steve Golin es miembro de la Academy of Motion Picture Arts and Sciences (Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas) y del Producers Guild of America (Sindicato de Productores de los Estados Unidos). Estudió en la Universidad de Nueva York y en el American Film Institute.

MARY PARENT (Producer) es fundadora y directora general de Disruption Entertainment, que tiene un contrato de primera opción con Paramount Pictures.
Desde que fundó Disruption Entertainment hace cuatro años, Parent ha producido un programa prolífico de filmes. Los primeros tres estrenos, Pacific Rim (Titanes del pacífico), Godzilla y The Spongebob Movie: Sponge Out of Water (Bob Esponja: Un héroe fuera del agua), fueron todos éxitos comerciales y entre la crítica, que los llevó a generar una taquilla mundial combinada de más de $1.6 billones de dólares.
En la actualidad, Parent se encuentra en la producción de Kong: Skull Island (dirigida por Jordan Vogt-Roberts y protagonizada por Samuel L. Jackson, Tom Hiddleston, Brie Larson y John C. Reilly), en la postproducción de Monster Trucks (dirigida por Chris Wedge, estelarizada por Rob Lowe, Barry Pepper y Jane Levy) y en Same Kind of Different as Me, basada en el best-seller del New York Times.
Antes de haber fundado Disruption Entertainment, Parent fue directora general y presidente de producción mundial para MGM. Antes de tomar las riendas en MGM, Parent cofundó Stuber/Parent, donde produjo You, Me and Dupree (Tres son multitud) y Role Models (Un par nada ejemplar).
Parent también pasó nueve años en Universal Pictures, donde fue subiendo de puestos hasta convertirse a la postre en vicepresidente de producción mundial, donde fue responsable de muchos de los filmes aclamados y comercialmente exitosos del estudio.
Antes de Universal Pictures, Parent trabajó en New Line Cinema, donde comenzó como ejecutiva creativa, directora de desarrollo y más adelante vicepresidente de producción, donde fungió como productora ejecutiva de Pleasantville (Amor a colores) y Set it Off (Escape imposible). Parent comenzó su carrera como asistente y aprendiz de representante en ICM.

KEITH REDMON (Productor) nació y fue criado en Livingston, Montana. Obtuvo su licenciatura en arte de la Universidad de Pepperdine, antes de haber comenzado su carrera en el entretenimiento como aprendiz en la agencia William Morris, en 1997. Trabajó en Propaganda Films antes de haber formado parte de Anonymous Content como representante en el 2004. Ahora socio en Anonymous, algunos de sus créditos como productor incluyen los filmes Rendition y Triple 9, así como las series de televisión venideras Berlin Station y Counterpart.

JAMES W. SKOTCHDOPOLE (Productor) fungió más recientemente como productor de la muy distinguida Birdman, de Alejandro G. Iñárritu, que fue nominada para nueve Premios de la Academia® y ganó cuatro, incluyendo Mejor Película.
Oriundo de Nueva York, ha estado haciendo películas por aproximadamente 35 años y ha trabajado en cuarenta y ocho largometrajes en diecisiete países distintos. Más recientemente fungió como productor ejecutivo del filme Nailed, de David O. Russell, y de Django Unchained (Django sin cadenas) y Deathproof (A prueba de muerte), ambas de Quentin Tarantino, así como de cuatro películas para el director Tony Scott: Man On Fire (Hombre en llamas), Enemy Of The State (Enemigo público), The Fan (El fanático) y Spy Game (Juego de espías), durante una asociación de nueve películas con el realizador que comenzó en 1988 con Revenge (La revancha) e incluyó Days Of Thunder (Días de trueno), The Last Boy Scout (El último boy scout), True Romance (La fuga) y Crimson Tide (Marea roja).
También tuvo una prolongada colaboración con la directora Nora Ephron, al haber trabajado con ella en múltiples ocasiones como su productor ejecutivo, y como productor asociado de Sleepless In Seattle (Sintonía de amor). Skotchdopole ha producido comerciales para los directores Sam Mendes, Oliver Stone y Samuel Bayer.
En 1984, Skotchdopole fue el miembro más joven en ser aceptado al Director’s Guild of America (Sindicato de Directores de los EE UU). Se fogueó en la industria trabajando como asistente de dirección con Sir Richard Attenborough, Francis Ford Coppola, Brian De Palma, Richard Donner, John Frankenheimer, Paul Mazursky, Mike Nichols, Frank Oz y John Schlesinger.

DAVID KANTER (Productor Ejecutivo) es productor y representante en Anonymous Content, ubicada en Culver City, California, que es una de las principales compañías productoras de cine, televisión y comerciales, además de contar con los servicios de representación de talentos.
Kanter es productor de The End of the Tour, protagonizada por Jesse Eisenberg y Jason Segel, dirigida por James Ponsoldt, que se estrenó en el 2015 en el Festival de Cine de Sundance. Fue llamada “Lo mejor de lo mejor en Sundance” (Revista Rolling Stone), adquirida por A24 para los EE UU y estrenada el 31 de julio de 2015. Sus películas en producción incluyen Bastille Day, estelarizada por Idris Elba y Richard Madden, y dirigida por James Watkins, para Vendome/Studio Canal/Focus Features.
Kanter produjo Fun Size, una coproducción con Paramount Pictures que representa el debut como director en cine de Josh Schwartz, y fue protagonizada por Victoria Justice, Thomas Mann y Chelsea Handler; In the Land of Women, una coproducción con Castle Rock y Warner Independent, con Kristen Stewart y Adam Brody; el controversial documental de Tony Kaye Lake of Fire, que se estrenó en el 2006 en el Festival Internacional de Cine de Toronto; y Rendition, dirigida por Gavin Hood, y protagonizada por Reese Witherspoon, Jake Gyllenhaal, Meryl Streep y Alan Arkin, para New Line Cinema.
Sus créditos en televisión como productor ejecutivo incluyen la serie venidera “Quarry”, protagonizada por Logan Marshall-Green, a ser estrenada en el 2016 por Cinemax; “To Love and Die” para USA Network; “Law & Order: Crime and Punishment”, una serie documental dramática para NBC que co-creó y en la que fungió como productor ejecutivo; y “Stanley Park”, para BBC3/Lionsgate. En la actualidad, David tiene programas piloto y series de formato largo en desarrollo en AMC, Showtime, HBO, FTVS, F/X Studios, Lionsgate Television y Sony Television.
La lista de Kanter de clientes que representa incluyen a John Romano (The Lincoln Lawyer), Andrew Baldwin (The Outsider), Donald Margulies (Middlesex y la obra ganadora del Premio Pulitzer “Dinner with Friends”), Lesli Linka Glatter (“Mad Men”, “Pretty Little Liars”, “Homeland”), Ron Nyswaner (Philadelphia, Freeheld) y Andrew Fleming (The Craft, Hamlet 2), entre otros.
Antes de haber formado parte de Anonymous Content en el 2000, Kanter fue uno de los representantes que fundó la agencia United Talent, y estuvo involucrado de manera personal con varios de los más importantes estudios de cine.
David comenzó su carrera en Nueva York en el negocio de la televisión y de la adaptaciónde de libros a cine con Curtis Brown, Ltd., el ya finado Edgar J. Scherick y la Sterling Lord Literistic Agency.

Desde el 2007, JENNIFER DAVISSON (Productora Ejecutiva) ha sido presidente de producción de Appian Way, compañía productora de Leonardo DiCaprio. Durante su periodo laboral, Jennifer y Leonardo han producido nueve largometrajes bajo los auspicios de Appian Way: el nominado al Globo de Oro® y Premio de la Academia The Wolf of Wall Street, de Martin Scorsese; Shutter Island, de Martin Scorsese; Out of the Furnace, de Scott Cooper, protagonizado por Christian Bale y Woody Harrelson; la nominada al Globo de Oro® The Ides of March, de George Clooney; el thriller psicológico Orphan, de Jaume Collet Serra; Red Riding Hood, de Catherine Hardwicke; Runner Runner (Apuesta máxima), de Brad Furman, protagonizado por Justin Timberlake y Ben Affleck; Delirium, de Dennis Iliadis; y Under the Bed, de Dan Myrick.
Además, en octubre de este año, Jennifer y Appian Way comenzaron la producción de la adaptación cinematográfica de la aclamada novela Live By Night, del autor Dennis Lehane, que será escrita, dirigida y protagonizada por Ben Affleck. Este verano venidero, Appian Way comenzará la producción de Robin Hood, de Otto Bathurst, estelarizada por Taron Egerton.
Además, bajo la dirección de Jennifer, Appian Way se asoció con Netflix para producir dos documentales: el nominado al Premio de la Academia® Virunga, dirigida por Orlando von Einsiedel, y Cowspiracy: The Sustainability Secret, de Kip Anderson. Appian Way sigue asociado con Netflix para hacer dos documentales más, How to Change the World y Catching the Sun, que se encuentran ambos en postproducción y serán estrenados en el 2016.
En la actualidad, Davisson está supervisando una serie de proyectos que se encuentran en desarrollo en Appian Way: una adaptación cinematográfica del manga japonés y película animada Akira; y tres proyectos escritos por Billy Ray —The Devil In The White City, de Martin Scorsese, The Ballad of Richard Jewell, protagonizada por Jonah Hill, y The Twilight Zone. También en desarrollo, se encuentran múltiples proyectos de televisión con HBO, Showtime, FX, Amazon y TNT.
Nacida y criada en Sparta, Nueva Jersey, Jennifer comenzó a trabajar para AMG, antes de haber hecho la transición a The Firm. A partir de ahí, se expandió a LBI Entertainment, donde demostró el liderazgo que más tarde la llevaría a dirigir Appian Way, la compañía de DiCaprio. En la actualidad, vive en Los Ángeles.

JAMES PACKER (Productor Ejecutivo), emprendedor australiano de turismo y entretenimiento, y el director Brett Ratner, son los fundadores de RatPac Entertainment, una compañía de producción, desarrollo y financiamiento cinematográfico.
RatPac produce y financia películas a través de su asociación con Warner Bros. Pictures. RatPac cofinanciará todo el programa de producción de Warner Bros., de aproximadamente 75 películas, los cuatro años siguientes.
La nueva sociedad ya dio inicio con su inversión en Gravity, protagonizada por Sandra Bullock y George Clooney, que recabó $720 millones de dólares, y el éxito animado LEGO, que recabó $468 millones de dólares en la taquilla mundial.
Brett ha dirigido 10 largometrajes, incluyendo X-Men: The Last Stand (X-Men 3: La batalla final), Red Dragon (Dragón rojo) y la serie de Rush Hour (Una pareja explosiva), así como la reciente Hercules, que, juntas, han recabado más de $2 billones de dólares en la taquilla mundial. En televisión, Brett fue productor ejecutivo de la serie Prison Break, para Fox, que resultó ser un éxito mundial.
El Sr. Packer es el principal inversionista y miembro del concejo ejecutivo de Crown Resorts Ltd. Crown es uno de los operadores más grandes de turismo y entretenimiento de Australia, con resorts, hoteles y casinos integrados en Melbourne, Perth, Manila, Macao y Londres. La compañía es inversionista principal en el grupo hospitalario de Nobu, donde el Sr. Packer formará parte de su concejo de directores. El Sr. Packer es también copresidente de Melco Crown Entertainment, y tiene inversiones exitosas en línea y en entretenimiento, incluyendo la china Zhaopin, sitio que ofrece trabajos en línea; y Network 10, en Australia.

BRETT RATNER (Productor Ejecutivo) es uno de los realizadores más exitosos de Hollywood. La diversidad en sus filmes genera respuesta en las audiencias de todo el mundo, situación que los ha llevado a recabar más de $2 billones dólares en la taquilla mundial. Ratner comenzó su carrera dirigiendo videos musicales, antes de haber hecho su debut como director de cine con Money Talks (Dinero fácil), protagonizada por Charlie Sheen y Chris Tucker. A éste le siguió el exitazo taquillero Rush Hour y sus exitosas secuelas. Brett también dirigió The Family Man (Hombre de familia), Red Dragon, After the Sunset (Al caer la noche), X-Men: The Last Stand, Tower Heist (Robo en las alturas) y Hercules.
Produjo Horrible Bosses (Quiero matar a mi jefe) y su secuela; Mirror Mirror (Espejito, espejito) y los documentales Catfish; el nominado al Emmy® Woody Allen – A Documentary, para la serie American Masters; I Knew It Was You: Rediscovering John Cazale; y Night Will Fall, la historia del documental del holocausto de Alfred Hitchcock que nunca se estrenó. Ratner fue productor ejecutivo y dirigió la serie de televisión nominada al Globo de Oro Prison Break, que se transmitió cuatro temporadas por Fox.
En el 2013, Ratner, junto con su socio comercial James Packer, fundó RatPac Entertainment, una compañía de producción y financiamiento de cine y medios. RatPac tiene un contrato de primera opción con Warner Bros. y se unió con Dune Capital para cofinanciar más de 75 filmes, incluyendo Gravity, The Lego Movie y American Sniper (Francotirador). A escala internacional, RatPac y Warner Bros. han formado una empresa mixta para fondos de contenidos con Shanghai Media Group, empresa china, con el objeto de financiar contenido local chino. En sociedad con New Regency, RatPac también financia el desarrollo y producción de Plan B Entertainment, compañía de Brad Pitt.
Entre los proyectos venideros de RatPac se encuentran Truth, protagonizada por Robert Redford y Cate Blanchett, I Saw the Light, con Tom Hiddleston, y el proyecto aún sin título de Howard Hughes, escrito, dirigido, producido y protagonizado por Warren Beatty.
Además de apoyar de manera intensa a ADL, Brett es miembro del Concejo Directivo del Simon Wiesenthal Center y del Museum of Tolerance (Museo de la Tolerancia), y es miembro del Concejo del Decano de la Escuela de las Artes Tisch, de la Universidad de Nueva York. También es miembro de los concejos de Chrysalis, Best Buddies y Do Something.

JACK FISK (Diseñador de Producción) es un diseñador de producción nominado al Premio de la Academia® con más de 35 años de experiencia en la industria cinematográfica. Fisk ha disfrutado numerosas y exitosas colaboraciones con el influyente cineasta Terrence Malick, incluyendo: To The Wonder, The Tree Of Life, The New World, The Thin Red Line (La delgada línea roja), Days Of Heaven (Días de gloria) y Badlands.
Fisk diseñó There Will Be Blood (Petróleo sangriento) y The Master (El maestro), para Paul Thomas Anderson, y fue diseñador de producción de The Straight Story (Una historia sencilla) y Mulholland Drive (Sueños, misterios y secretos), ambas para David Lynch.
Otros créditos como diseñador de producción incluyen Water For Elephants (Agua para elefantes), The Invasion (Invasores), Heart Beat, Movie Movie, Carrie (Carrie, Extraño presentimiento) y Phantom Of The Paradise (El fantasma del paraíso).

JACQUELINE WEST (Diseñadora de Vestuario) obtuvo nominaciones al Premio de la Academia® por su trabajo en The Curious Case of Benjamin Button (El curioso caso de Benjamin Button) y Quills (Letras prohibidas: La leyenda del Marqués de Sade). Por Benjamin Button, también recibió una nominación al BAFTA y una nominación al Premio del Costume Designer Guild (Sindicato de Diseñadores de Vestuario). West recibió otra nominación al Premio del Costume Designer Guild por Argo.
Después de haberse graduado de la Universidad de California, en Berkeley, decidió seguir los pasos de su madre, una popular diseñadora de vestuario avant-garde de la década de los ’40 y ’50. De 1988 a 1997, West dirigió su propia compañía y diseñó una línea de ropa aclamada por todo el país. West, a la postre, se hizo dueña de tiendas en el área de la bahía y de departamentos contemporáneos en tiendas Barneys de Nueva York y Tokio.
La primera incursión de West en el cine, como asesora creativa en Henry and June, fue el inicio de una duradera relación con el premiado director Philip Kaufman, que la llevó a proyectos futuros con cineastas ilustres como Terrence Malick, David Fincher y Ben Affleck. Ha hecho cinco filmes con Malick, que dio inicio con The New World e incluyó The Tree of Life, To the Wonder, Knight of Cups, y el venidero Project V.
También diseñó The Gambler (El apostador), Water for Elephants, The Social Network (Red social) y State of Play (Los secretos del poder), entre otras.
West forma parte del Concejo Consultivo de The Fashion Institute of Design and Merchandising, en Los Ángeles, y pasa su tiempo entre Los Ángeles y su rancho en Deadwood, Dakota del Sur.

Más recientemente, RICH McBRIDE (Supervisor de Efectos Visuales) fungió como supervisor de efectos visuales de Gravity, que obtuvo siete Premios de la Academia®, incluyendo el de Mejores Efectos Visuales. McBride fue honrado con dos Premios VES (Sociedad de Efectos Visuales) por Gravity: Efectos Visuales Sobresalientes y Fotografía Virtual Sobresaliente, compartiendo este último con el director de fotografía Emmanuel Lubezki.
McBride también fue supervisor de efectos visuales en The Spirit (El espíritu), Red Cliff II (Acantilado rojo 2), World Trade Center (Las torres gemelas) y el videojuego Fantastic Four: Rise of the Silver Surfer. Ha trabajado en una serie de películas como supervisor de efectos visuales, compositor, director técnico y artista digital, con compañías de efectos tales como Industrial Light and Magic y Giant Killer Robots. Sus múltiples filmes incluyen Pacific Rim, The Lone Ranger (El llanero solitario), The Conspirator (El conspirador), Avatar, A Christmas Carol (Los fantasmas de Scrooge), Transformers: Revenge of the Fallen (Transformers 2: La venganza de los caídos), Fantastic 4: Rise of the Silver Surfer, Happy Feet (El pingüino), Poseidon, The Producers (Los productores), Fantastic Four (Los cuatro fantásticos), Blade: Trinity, Scooby-Doo 2: Monsters Unleashed, The Matrix Revolutions (Matrix revoluciones), Terminator 3: Rise of the Machines (Terminator 3: La rebelión de las máquinas), The Matrix Reloaded (Matrix recargado), Scooby-Doo y Obsidian.

STEPHEN MIRRIONE, ACE (Editada por) comenzó su carrera en los noventa editando las películas Swingers y Go, para el director Doug Liman. A la postre, se involucró en una prolongada colaboración con Steven Soderbergh editando Ocean’s Eleven (La gran estafa), Ocean’s Twelve (La nueva gran estafa) y Ocean’s Thirteen (Ahora son 13), así como The Informant (El desinformante), Contagion (Contagio) y Traffic (Tráfico), por la que Mirrione ganó un Premio de la Academia®.
En el 2007, Mirrione recibió su segunda nominación al Premio de la Academia® por su trabajo en el drama Babel, de Alejandro G. Iñárritu, que le valió a Mirrione un Premio Eddie y el Gran Premio ‘Vulcain Artist-Technical’ en el Festival de Cine de Cannes, en el 2006. Otros filmes editados para Iñárritu incluyen Biutiful y 21 Grams.
Otra notable colaboración se presentó en el 2005 con George Clooney en el drama nominado al Premio de la Academia® Good Night, And Good Luck (Buenas noches, buena suerte), que le valió a Mirrione tanto una nominación al BAFTA como una para el Premio Eddie. Ha editado todos los trabajos de Clooney como director: Confessions Of A Dangerous Mind (Confesiones de una mente peligrosa), Leatherheads (Jugando sucio), The Ides Of March (Poder y traición) y The Monuments Men (Operación monumento).
Otros filmes editados por Mirrione incluyen August: Osage County (Las vueltas del destino) y The Hunger Games (Los juegos del hambre).

RYUICHI SAKAMOTO (Música original de) es un compositor, músico, artista y activista. Desde haber sido pionero en los inicios de la música electrónica con su primera banda Yellow Magic Orchestra, a composiciones clásicas (incluyendo una ópera), más de treinta bandas sonoras para cine, y numerosos álbumes como solista y colaborador, los amplios rangos en las empresas musicales de Sakamoto han dejado una perdurable contribución a la música moderna.
El activismo de Sakamoto hacia las cuestiones sociales se extiende para incluir esfuerzos en conservación ambiental y en la paz mundial desde la década de los ’90. A partir del 2005 comenzó a trabajar de manera activa a favor de la desnuclearización. Después de los atentados del 11 de septiembre, fue muy abierto y honesto, una vez que condenó la violencia de estado; y después de lo ocurrido el 11 de marzo en Japón, se convirtió en una voz fuerte de apoyo para las víctimas del terremoto, tsunami y el accidente nuclear en Fukushima.
Siempre con fuertes vínculos con el mundo de arte, Sakamoto fungió recientemente como director artístico de dos grandes festivales de arte en Japón: el programa del 10º aniversario de YCAM, y el Festival Internacional de las Artes de Sapporo (SIAF2014).
En el 2014, le diagnosticaron cáncer de garganta a Sakamoto. Después de tomarse un tiempo, y centrar su atención a su salud y recuperación, comenzó su regreso a la música, que lo llevó a componer primero la música para el filme más reciente de Yoji Yamada, Nagasaki: Memories of my Son, seguido de la más reciente película épica de Alejandro González Iñárritu, Revenant: El Renacido.

Carsten Nicolai, ALVA NOTO (Música Original de), es un artista y músico alemán ubicado en Berlín. Para sus producciones musicales utiliza el pseudónimo Alva Noto. Nacido en 1965 en Karl-Marx-Stadt, es parte de una generación de artistas que trabaja de manera intensa en el área transitiva entre la música, el arte y la ciencia. Con una fuerte devoción al reduccionismo, encabeza sus experimentos de sonido en el campo de la música electrónica, que lo ha llevado a crear sus propios códigos de signos, acústica y símbolos visuales. Proyectos musicales diversos incluyen colaboraciones notables con Ryuichi Sakamoto. Por más de 10 años ambos artistas han trabajado juntos, grabado cinco álbumes y han estado de gira de manera extensa por toda Europa, Asia, Sudamérica y los EEUU. Entre otros, Nicolai se presentó como Alva Noto en el Museo Solomon R. Guggenheim, de Nueva York, el Museo de Arte Moderno, de San Francisco, en el Centre Pompidou, de París, y en el Tate Modern, de Londres.
Su obra musical se ve reflejada en su trabajo como artista visual. Carsten Nicolai busca dominar la separación de las percepciones sensoriales del hombre al hacer que fenómenos científicos, como las frecuencias de sonido y luz, sean perceptibles tanto para ojos como para oídos. Sus instalaciones tienen una estética minimalista, que por su elegancia y consistencia son muy intrigantes. Después de su participación en importantes exhibiciones internacionales, como lo fueron documenta X y la Biennale de Venecia en sus ediciones 49 y 50, los trabajos de Nicolai fueron expuestos en todo el mundo en amplias exhibiciones individuales o grupales.

GLOSARIO

ARIKARA:
Los Arikara o Ree, conocidos por sí mismos como la gente Sahnish, vivieron en las desembocaduras de los ríos Grand y Missouri, en lo que ahora es Dakota del Norte. Con una cultura ceremonial compleja y una pródiga cadena de comercio, llegaron finalmente a chocar con la Rocky Mountain Fur Company, que comenzó con lo que se llegó a conocer como la Guerra Arikara.

ASHLEY HENRY:
Ashley Henry fue la compañía de pieles fundada por William Henry Ashley y Andrew Henry, en ocasiones llamada Rocky Mountain Fur Company. En la década de los ’20 del siglo XIX, Ashley Henry revolucionó el comercio de pieles al dejar empleados en el campo todo el año, lo que llevó a la creación del sistema “rendezvous” (sistema de encuentro) —donde cazadores se encontraban para vender sus bienes.

PIELES DE CASTOR:
Las pieles de castor tuvieron una gran demanda durante la década de los ’20 del siglo XIX, debido a las modas europeas de sombreros de aquella época. En aquel entonces, una sola piel de castor podría venderse por $5 dólares y un cazador podía hacerse de hasta seis animales en un día. Antes de que decayera el comercio de pieles en la década de los ’50 del siglo XIX, con el advenimiento de los sombreros de seda, el castor fue cazado casi hasta su extinción.

CHINOOK:
Un viento seco y cálido que puede cambiar rápidamente las condiciones climáticas en las Montañas Rocosas.

KEELBOAT:
Una bestia de carga importante para el intercambio en el río Missouri, los keelboats (barcazas) eran embarcaciones de carga diseñadas para aguas poco profundas, y propulsadas por lo general por la fuerza del hombre y en ocasiones por vela.

PAWNEE:
Una de las tribus nativas americanas más grandes y poderosas del siglo XIX, los Pawnee vivieron tradicionalmente a lo largo de los bancos del río Missouri en cabañas permanentes, donde cultivaban y cazaban.

MOCHILA “POSIBLE” (‘POSSIBLES BAG’):
A principios del siglo XIX, la mayoría de los montañistas cargaban con dos mochilas: un morral de tiro que cargaba con el equipo de su arma y una mochila “posible” para artículos personales, llamada así porque supuestamente tenía que contener cualquier otra cosa posible que uno pudiera necesitar.

REVENANT (Aparición):
Uno que regresa después de la muerte.