THE SHAPE OF WATER (La Forma del Agua)

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FOX SEARCHLIGHT PICTURES
Presenta

Una Producción de DOUBLE DARE YOU

Un Filme de GUILLERMO DEL TORO

LA FORMA DEL AGUA

SALLY HAWKINS
MICHAEL SHANNON
RICHARD JENKINS
DOUG JONES
MICHAEL STUHLBARG
y
OCTAVIA SPENCER

DIRIGIDA POR GUILLERMO DEL TORO
ESCRITA POR GUILLERMO DEL TORO y
VANESSA TAYLOR
HISTORIA DE GUILLERMO DEL TORO
PRODUCIDA POR GUILLERMO DEL TORO, p.g.a.
J. MILES DALE, p.g.a.
DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA DAN LAUSTSEN, DFF
DISEÑADOR DE PRODUCCIÓN PAUL DENHAM AUSTERBERRY
EDITOR SIDNEY WOLINSKY, ACE
PRODUCTOR ASOCIADO DANIEL KRAUS
SUPERVISOR DE EFECTOS VISUALES DENNIS BERARDI
MÚSICA DE ALEXANDRE DESPLAT
DISEÑADOR DE VESTUARIO LUIS SEQUEIRA
CASTING DE ROBIN D. COOK, CSA

www.foxsearchlight.com/press
Clasificación C Duración 123 minutos

Contactos de publicidad:
Los Ángeles Nueva York Regional
Nicole Wilcox Sarah Peters Isabelle Sugimoto
Tel: 310.369.0410 Tel: 212.556.8658 Tel: 310.369.2078
nicole.wilcox@fox.com
sarah.peters@fox.com
isabelle.sugimoto@fox.com

LA FORMA DEL AGUA

Del maestro de la narrativa Guillermo del Toro, viene LA FORMA DEL AGUA —un cuento de hadas místico, que de fondo tiene la época de la Guerra Fría en los Estados Unidos, circa 1962. En el laboratorio secreto de alta seguridad del gobierno donde trabaja, la solitaria Elisa (Sally Hawkins) está atrapada en una vida de retraimiento. La vida de Elisa cambia para siempre cuando ella y su compañera de trabajo, Zelda (Octavia Spencer), descubren un experimento confidencial. El reparto lo redondea Michael Shannon, Richard Jenkins, Doug Jones y Michael Stuhlbarg.

Fox Searchlight Pictures presenta, en asociación con TSG Entertainment, una Producción de Double Dare You, LA FORMA DEL AGUA, dirigida por Guillermo del Toro a partir de un guión suyo y de Vanessa Taylor, con una historia de Guillermo del Toro. Los productores son Guillermo del Toro, p.g.a. y J. Miles Dale, p.g.a. El equipo de realizadores incluye al director de fotografía Dan Laustsen, DFF, al diseñador de producción Paul Denham Austerberry, al editor Sidney Wolinsky, ACE, al productor asociado Daniel Kraus, al supervisor de efectos visuales Dennis Berardi, al compositor Alexandre Desplat, al diseñador de vestuario Luis Sequeira y el casting de Robin D. Cook, CSA


LA FORMA DEL AGUA

“El agua adquiere la forma de lo que sea que la esté sujetando en ese momento, y aunque el agua puede ser muy gentil, es también la fuerza más poderosa y maleable del universo. Así es también el amor, ¿no? Sin importar la forma en la que coloquemos al amor, se convierte en eso, ya sea un hombre, una mujer o una criatura”.
–Guillermo del Toro en LA FORMA DEL AGUA

En el punto más álgido de la Guerra Fría, en un laboratorio secreto del gobierno de los Estados Unidos, emerge una proeza de la imaginación, una que deslumbra desde un punto de vista visual y es de emociones audaces. El genio de la narración Guillermo del Toro conjura un hechizo místico en LA FORMA DEL AGUA, donde mezcla la tragedia y las emociones de las películas de monstruos clásicas con la opacidad del film noir, y después las incorpora al calor de una historia de amor sin igual para explorar las fantasías con las que todos coqueteamos, los misterios que no podemos controlar y las monstruosidades que debemos enfrentar.
Del Toro inicia su narración muy profunda bajo el agua. A partir de ahí, toda la película se convierte en un acto de inmersión sin respiración, una vez que mete de lleno a las audiencias a un mundo de la década de los ’60 lleno de cosas que reconocemos —el poder, la ira, la intolerancia; así como la soledad, la determinación y las conexiones repentinas y emocionantes— y una criatura extraordinaria que no. Un “recurso” biológico inexplicable del gobierno de los Estados Unidos, una mujer de limpieza muda, sus mejores y encantadores amigos, espías soviéticos y un robo audaz, todos fluyen hacia un romance singular que se intensifica más allá de toda frontera.
Este ser anfibio envuelto en misterio no sólo ha sido extraído de las profundidades oscuras y acuosas, sino que también parece tener los atributos adaptables básicos del agua —adopta el perfil psíquico de cada humano que encuentra, y refleja de regreso tanto agresividad como un amor insondable.
Dentro de la narrativa de del Toro, los temas del bien y el mal, la inocencia y la amenaza, lo histórico y lo eterno, la belleza y la monstruosidad, se entretejen para entrar y salir uno del otro, y revelar que ninguna oscuridad podrá derrotar totalmente a la luz. Del Toro resume: “Me gusta hacer películas que sean liberadoras, que digan que está bien ser quien sea que seas, y parece que en estos tiempos esto resulta ser muy apropiado”. También fue de suma importancia que hubiera un ensamble de actores extraordinario.
Para del Toro, la pasión por perturbar y encantar a las audiencias de manera simultánea se remonta a tiempos remotos. Oriundo de Guadalajara, México, de niño se alimentó de los misterios infinitos de las historias de fantasmas, las películas de monstruos y las fábulas, que estimularon la vida fantástica muy creativa que coexistía en su interior. Cuando comenzó a escribir y dirigir películas, todas esas influencias se entrelazaron a un estilo visual visceral y expresivo, todo suyo, uno que parecía apelar de manera directa a la psique humana.
Del Toro es más famoso por sus tres inspiradas películas de habla hispana que reinventaron y cambiaron de manera drástica la mismísima noción del género: la ganadora de múltiples Premios Oscar® PAN’S LABYRINTH, CRONOS y THE DEVIL’S BACKBONE. Cada una, una fantasmagoría vívida que navegaba los peligros morales y físicos de un mundo de corrupción, autoritarismo y guerra. Sus épicas de acción sobrenaturales son igual de creativas —BLADE II, la serie de HELLBOY y PACIFIC RIM, así como su romance gótico CRIMSON PEAK.
LA FORMA DEL AGUA sigue esa misma tradición, pero en esta ocasión se desarrolla en un Estados Unidos de la década de los ’60 dividido socialmente, al borde de la guerra nuclear y de cambios culturales de gran envergadura. Del Toro se adentra en el mundo atribulado de lo que es enamorarse, cuando una mujer solitaria con un pasado traumático descubre un amor tan abrumador que desafía la sospecha, el miedo y la biología.
Del Toro también reunió a una colección extraordinaria de actores para la película. El talentoso reparto incluye a Sally Hawkins, Michael Shannon, Richard Jenkins, Doug Jones, Michael Stuhlbarg y Octavia Spencer.
Explorar la idea del amor y sus barreras, internas y externas, era de suma importancia para del Toro. “Quería crear una historia bella y elegante acerca de la esperanza y la redención, como un antídoto ante el cinismo de nuestros tiempos. Quería que esta historia cobrara la forma de un cuento de hadas, en cuanto a que tienes un ser humano humilde que se topa con algo más grande y trascendental que cualquier cosa en su vida. Y después me pareció que sería una gran idea yuxtaponer ese amor contra algo tan banal y malvado como el odio entre naciones, que es la Guerra Fría, y el odio entre la gente debido a la raza, el color, la capacidad o el género”.
El hecho de que los dos protagonistas de la película no hablan, al menos no de manera convencional, sólo intensifica la historia de amor al eliminar la comunicación inadecuada que con frecuencia se interpone entre humanos.

LA SEDUCCIÓN DE LAS PELÍCULAS DE MONSTRUOS

Al mezclar múltiples géneros, desde musicales suntuosos a film noir de suspenso, LA FORMA DEL AGUA revisita y revitaliza particularmente la perdurable fascinación de las películas de monstruos, al apelar a nuestras emociones más primitivas de miedo, abandono y peligro, pero también a la curiosidad, el asombro y el deseo.
Al igual que muchos, del Toro creció bajo el siniestro encanto de las clásicas películas de monstruos de los estudios Universal: el hombre lobo que se volvía salvaje contra su voluntad, el ingenuo Frankenstein perseguido por los habitantes furiosos del pueblo, el seductor Drácula impulsado por sus apetitos profanos, y la Criatura de la Laguna Negra, un espécimen anfibio prehistórico que salió del mar en busca de alguien que le sirviera de compañía.
Había algo evocador y, por extraño que parezca, una empatía muy profunda por estos monstruos. Fueron perseguidos por multitudes con horcas porque eran diferentes y obligados a merodear solos en los bordes de la sociedad, en castillos remotos, bosques o ríos. Todos estaban atrapados en un estado transitorio —parte humana, parte otro—, uno con el que cualquiera que haya sido condenado al ostracismo se podría identificar. Quizás más intrigante, eran seres sensuales, impotentes ante las necesidades inacabables de sus cuerpos y mentes.
De todos los monstruos icónicos, el más conmovedor de todos era el humanoide anfibio en forma de pez de CREATURE FROM THE BLACK LAGOON (1954). Dirigida por Jack Arnold y protagonizada por Ben Chapman (en tierra) y Ricou Browning (bajo el agua) en el papel de Gill-Man, una figura trágica, última de una especie prehistórica. A la vez peligroso y solitario, agraviado y deseoso, la Criatura cautivó a las audiencias, incluso mientras las asustaba.
LA FORMA DEL AGUA fue concebida en el 2011, cuando del Toro y Daniel Kraus, socio escritor del realizador para su serie de libros infantiles, Trollhunters, se juntaron para desayunar una mañana. Kraus mencionó una idea que había tenido de joven, acerca de una mujer de limpieza que trabajaba en una instalación del gobierno y se hacía amiga a escondidas de un hombre anfibio que, como espécimen que era, estaba cautivo, pero ella decidía liberarlo. A del Toro le gustó tanto la idea que de inmediato dijo que la quería hacer su siguiente película —parecía el tipo de idea perfecta para el cuento de hadas que había estado buscando. Desde ese encuentro, se hizo un trato para que el par colaborara en una novela y que del Toro escribiera y dirigiera la película. En ese momento, del Toro todavía estaba terminando de trabajar en su exitazo taquillero de robots/monstruos gigantes PACIFIC RIM, pero en los escasos y raros momentos de tranquilidad, en los que también aprovechaba para tomar ideas de películas de monstruos clásicas como THE CREATURE FROM THE BLACK LAGOON, escribía el guión para esta película más íntima, que a la postre sería llamada LA FORMA DEL AGUA.
En el 2014, del Toro le pagó de su bolsillo a un grupo de artistas y escultores, que usaron diseños y modelos en plastilina, para presentarle la historia de principio a fin a Fox Searchlight. El estudio se sumó al proyecto de inmediato sin vacilar.
La primavera siguiente, Guillermo y Fox Searchlight comenzaron a reunirse con coguionistas potenciales para que trabajaran el guión con él. A final de cuentas, contrataron a Vanessa Taylor, quien trabajó de manera estrecha con Guillermo tanto en la estructura de la trama como en los personajes (en particular, el personaje protagónico de Elisa, que contaba con muchos matices).
Del Toro quería cambiar de manera drástica la idea de la monstruosidad con una historia de amor que se sometiera totalmente a hacer de la criatura el protagónico, mientras que los grupos humanos alineados contra él serían las verdaderas fuerzas de oscuridad siniestra. “En una película de monstruos de la década de los ’50, Strickland, el agente del gobierno de mandíbula cuadrada y bien parecido sería el héroe, y la criatura sería la villana. Quería revertir esos conceptos”.
Del Toro también decidió llevar su película de monstruos a un nivel diferente: el sensual. Quería un toque terrenal para contrarrestar el cuento de hadas y llevarla al borde de una realidad adulta familiar.
Para el productor J. Miles Dale, quien ha colaborado con del Toro durante años, del Toro es uno de los pocos directores con la capacidad para crear criaturas que viven y respiran con una humanidad expresada en su totalidad, que todos podemos reconocer. “Guillermo crea criaturas que no han sido corrompidas por las maneras del mundo humano. Podemos verlas como un tipo de reflejo de lo que podríamos ser idealmente”, comenta Dale. “La película no se parece a nada que hayas visto antes, pero también se siente como una película de del Toro. No hay lugar a duda que es su voz, pero también es nueva y original”.
Para el periodo de la historia, del Toro eligió a propósito una época estadounidense en la que miedos épicos imperaban: 1962, una vez que la ansiedad de la guerra nuclear con la Unión Soviética estaba alcanzando un punto álgido, y justo antes de que el Camelot idealista y enfocado en el futuro del presidente Kennedy le diera paso a la desilusión, la paranoia creciente y la agitación social. “Muchas cosas estaban pasando en esa era”, comenta Dale. “La Guerra Fría, la carrera espacial y el movimiento de los derechos humanos. Y todo eso sirve de trasfondo para una historia de amor que nunca habías visto”.
La época es una que en ocasiones ha sido ensalzada, indica del Toro, sin recordar sus injusticias y el temor anquilosante de las diferencias humanas. “Para mí, esta es un periodo en el que Estados Unidos se detuvo —es una época de racismo, de desigualdad, de gente pensando en una guerra nuclear inminente. En unos cuantos meses, Kennedy sería asesinado. Así que, en cierto modo, es una época horrible para el amor”, comenta, “pero, aún así, el amor sucede”.
Los deseos futuristas de la década de los ’60 en los Estados Unidos se enfrentan a una criatura prehistórica, lo que hace recordar las palabras de Rilke, “cuando algo del pasado regresa como si hubiera venido del futuro”. Del Toro acota: “Lo que me interesó es que 1962 es una época en la que todos estaban enfocados en el futuro, mientras que la criatura es una forma antigua de un pasado remoto. La gente está obsesionada con lo nuevo, las tonadas publicitarias, la luna, la ropa moderna y la televisión. Y, en el ínter, aquí tienes a esta fuerza antigua, una criatura enamorada, que surge entre ellos”.

CONFORMANDO AL REPARTO

Cada uno de los papeles en LA FORMA DEL AGUA fue escrito para un actor en específico —los mismismos actores que del Toro quería que aparecieran en el filme. “Estaba puliendo el guión a partir de sus voces, en vez de hacerlo al revés”, comenta Dale, “que poder hacerlo resulta ser una cosa emocionante”.
Del Toro indica que cada uno de los personajes de la película, sin importar su lugar en la sociedad, está lidiando con el amor en circunstancias distintas. “Existe un amor puro entre Elisa y la criatura, pero el agente del gobierno Strickland también está intentando amar, aunque vemos que su amor es brutal, y Giles, el vecino de Elisa, está buscando un amor mal visto socialmente, y Zelda, la mejor amiga de Elisa, está enamorada de un hombre que no merece su amor. Incluso el general que supervisa el laboratorio tiene un tipo de historia de amor padre/hijo con Strickland”.
Todos aceptaron conforme los fueron abordando a cada uno. “Esta es una película muy especial”, comenta Sally Hawkins. “Haber formado parte ha significado mucho para mí. Es una historia que siempre será dueña de una parte de mi corazón”.
Michael Shannon: “Me llamó la atención la película porque sentí que podía tener cualidades optimistas que pudieran inspirar a la gente a ser más amable con el otro —que en la actualidad hace mucha falta. Es una historia acerca de cómo vale la pena tener amor en tu vida a cualquier precio. En ocasiones, el amor requiere que te enfrentes a tus miedos o que hagas sacrificios, pero a final de cuentas vale la pena”.
Para Richard Jenkins, la película fue más allá incluso de lo que las audiencias pudieran esperar de del Toro. “La realización cinematográfica de Guillermo no tiene igual, pero esta película también no es parecida a nada que haya hecho antes”, indica.
Octavia Spencer sólo estaba a la espera de la llamada de del Toro. “Ya lo había conocido antes de haber leído el guión y sentí que lo conocía de toda la vida”, recuerda Spencer. “Como realizador, es un alquimista. Convierte temas humanos en algo místico”.
Doug Jones, quien ha trabajado con del Toro en seis ocasiones, concluye: “En LA FORMA DEL AGUA, Guillermo regresa a sus raíces artísticas y deja que fluya todo su espíritu creativo”.

LA SOÑADORA SOLITARIA
“Lo que impulsa a Elisa a lo desconocido es el poder del amor”.
–Sally Hawkins

El viaje de Elisa de la soledad e impotencia hasta convertirse en una heroína que toma grandes riesgos es lo que conforma el corazón palpitante de LA FORMA DEL AGUA. Todo ello se vuelve todavía más extraordinario dado el hecho que el papel casi no requiere de diálogo. Elisa, quien se quedó muda por un trauma de la infancia, se comunica en ASL (Lenguaje de signos americano), pero es capaz de expresarse de manera efusiva cuando se encuentra a la criatura acuática extraña que está apresada en el laboratorio del gobierno, donde ella trabaja como mujer de limpieza.
El mundo interior exuberante y osado de Elisa cobra vida a través de una actuación luminosa de la actriz nominada al Premio de la Academia® Sally Hawkins, quien hace que la historia avance a cada momento. “En el 2013, le envié un mensaje a Sally para decirle que estaba escribiendo este rol para ella, y cuando nos reunimos, me dijo que ya estaba a la mitad de escribir un cuento acerca de una mujer que se convierte en pez”, recuerda del Toro. “Me envió su historia y estaba llena de ideas”.
Hawkins ha interpretado una amplia variedad de papeles extraordinarios y únicos: una maestra de escuela optimista en HAPPY-GO-LUCKY, de Mike Leigh, que le valió un Globo de Oro; su papel nominado al Oscar® como la hermana de clase trabajadora de Cate Blanchett en BLUE JASMINE, de Woody Allen; y, más recientemente, como la artista folk de la vida real Maud Lewis en MAUDIE.
Hawkins supo de inmediato que nunca había habido ni habrá un papel como el de Elisa. “Es muy raro que te den un rol que te pida que des todo de ti. Uno que tiene que ver con expresiones puras y en el que no se necesitan las palabras, en el que tienes la libertad de expresar mucho a través de tus ojos, tu respiración y tu cuerpo. Esa es Elisa”.
Hawkins fue la musa de del Toro mientras lo escribía. “Elisa no es alguien que haya tenido una existencia tormentosa hasta que se le apareció la criatura. De ninguna manera llevaba una vida glamorosa, pero estaba contenta. Necesitaba a alguien que evocara ese tipo de felicidad, cuyo rostro fuera capaz de expresar cada matiz, sin palabras. Sally tiene ese tipo de energía única, razón por la cual lo escribí para ella. Sally es la persona más genuina y espontánea que conozco, y no creo que sea capaz de hacer algo que no sea genuino desde un punto de vista emocional”.
La primera lectura de guión le atrajo a Hawkins de una manera tan intensa que le generó unas cuantas ansiedades. “Era muy conmovedor. Por interesante que suene, me resultaba familiar, pero, no obstante, no se parecía a nada de lo que me hubiera topado antes. Sentí que Elisa era una parte profunda de mí o como si la hubiera conocido en otra vida. También sentí que era el cuento de hadas romántico por excelencia. Al principio, estaba convencida de que Guillermo había elegido a la persona equivocada para el papel”, confiesa. “Es como el tipo de papel protagónico romántico que nunca llegué a pensar en interpretar, así que ha sido un regalo de ensueño que me ha dado”.
Hawkins pudo haber tenido dudas insignificantes que la incentivaron para ir más allá de sus propias expectativas, pero no fue el caso de los realizadores. “Con Sally, todo es acerca de lo que pasa detrás de sus ojos”, comenta Dale. “Guillermo sabía que necesitaba a una actriz muy instintiva para lograrlo, y Sally es capaz de hacer mucho con la menor de las expresiones o gestos, con la manera en la que se mueve o, incluso, con el tono de su silencio”.
Para Hawkins no había otra manera de hacerlo mas que sumergirse a lo más profundo con total abandono, y navegar a través de la valentía naciente de Elisa, así como a través de una vida fantasiosa florida que se vuelve real de una manera inesperada —con el compañero menos esperado. Trabajar con del Toro le ayudó a dejarse ir por completo y meterse de lleno. “Ser Elisa fue una especie de viaje interno increíble, pero Guillermo también es muy inclusivo y valora tu creatividad, y eso me ayudó bastante”, explica Hawkins. “Tiene una visión tan poderosa que cualesquiera que sean tus miedos, te los quita y te dice ‘deja que yo me preocupe por ellos’”.
Sus miedos fueron disipados, pero las exigencias no dejaban de estar en un punto álgido. “A menos que Guillermo pueda sentir tu corazón, no estará satisfecho”, explica Hawkins. “Quiere que lo conmuevas en cada encuadre. Pero me parece que eso es un tipo de regalo para un actor. Te invita a que te pongas a la altura del gran nivel de su imaginación”.
Para empezar, Hawkins tuvo una curva de aprendizaje pronunciada. Comenzó tomando clases de ASL y de baile mucho antes de que comenzaran los ensayos. También empezó a estudiar la manera en la que Elisa se mueve; su ligereza en la tierra. “A mí me parece que todo el tiempo está flotando, siempre en un tipo de danza, así que quería alcanzar a ese grado de sensación mística en su ser físico”, describe. “Todo acerca de Elisa es tan delicado, que incluso sentí que su lenguaje de signos tenía que ser fino e imperceptible, y que tenía que estar en sintonía con su ser”.
Su objetivo era que el ASL fuera totalmente fluido. “Quería aprender lo suficiente para que, si Guillermo hubiera optado por tomar otra dirección, hubiéramos podido tener la libertad de hacer pruebas y que siempre resultara natural para mí”, explica.
El lenguaje de señas y el movimiento fueron desafiantes, pero Hawkins dice que el gran punto crucial del papel fue encontrar la “voz” de Elisa sin darle sonido tangible alguno a la audiencia. Tuvo que encontrar una manera más primitiva, pero efectiva, de comunicarse —en especial porque Elisa es alguien que tiene mucho que decir.
Hawkins reflexiona: “Tuve que explorar todas las relaciones muy distintas que tiene con personas muy distintas —con Giles, Zelda, Strickland y la criatura—, cada una de ellas con un tipo de química distinta…pero explorar todo eso sin vocalizar, a sabiendas de que la emoción tenía que ser auténtica y fiel por completo”.
Parte de esa autenticidad significaba adentrarse en la razón del porqué Elisa arriesgaría tanto por una criatura cuyo pasado es inaccesible para ella, y cuya mismísima experiencia de vida es un misterio —y acceder a la valentía que el amor desata en ella. Hawkins opina, “Ella decide que nada se puede interponer en su camino. Tan pronto y siente esa conexión, no intentar ayudar a la criatura sería como una especie de muerte para ella. Se apodera de su corazón y en realidad no hay otra cosa que pueda hacer al respecto. Sólo sabe que tiene salvarla. Cuando estás en ese estado de ánimo, me parece que algo así te puede rebasar”.
Elisa va más allá de lo que pudo haber imaginado. “Me parece que la toma por sorpresa darse cuenta de que tiene esta increíble reciedumbre”, explica Hawkins. “Se convierte en alguien que no sabía que era, y se da cuenta de todo lo que puede ser capaz”.
La renovación del mundo de Elisa comienza cuando espía por primera vez a la criatura en su cámara de transporte —y de inmediato se da cuenta que hay algo muy vivo en su interior. Algunos detalles se conocen de la criatura, como que es muy probable que sea la última de su especie; que los aldeanos en el Amazonas la veneraban; que cuenta con una estructura pulmonar maravillosa que le permite respirar en tierra, lo que sería un beneficio potencial para la carrera especial; que el ejército soviético también quiere hacerse de él; y que el hombre que la capturó, perturbado por su inteligencia y rareza física, cree que la criatura es un grave peligro para la humanidad.
Pero Elisa, cuando lo observa por primera vez, encadenado, no ve nada de eso en su belleza iridiscente —para ella, él representa la soledad absoluta y eso hace que de inmediato sea digno de su atención.

EL GUERRERO FRÍO

El hombre que cazó con una determinación implacable a la criatura anfibia de lo profundo del Amazonas es Richard Strickland, un agente del gobierno con quijada de acero, honesto y ambicioso, que sólo ve a su inusual presa como una bestia feroz que tiene que ser maltratada hasta ser sometida —y como un pase para su promoción.
El papel corre a cargo de uno de los actores más solicitados de la época actual: el nominado en dos ocasiones al Oscar® Michael Shannon, reconocido por la intensidad con la que se ha acoplado a papeles de una psicología compleja, en películas tales como TAKE SHELTER, NOCTURNAL ANIMALS, MIDNIGHT SPECIAL, REVOLUTIONARY ROAD y 99 HOMES.
“Strickland es un tipo que está atrapado en toda la mentalidad del complejo militar-industrial, y está intentando subir puestos en la jerarquía. La paranoia de la Guerra Fría se ha convertido en una parte de él”, comenta Dale.
Del Toro ve a Shannon como alguien que tiene contrastes fascinantes —justo lo que necesitaba para Strickland. “Michael tiene la precisión increíble de un actor inglés clásico y, al mismo tiempo, la impulsividad e inmediatez de un actor estadounidense”, explica el director. “También es capaz de darle humanidad al más despreciable de los villanos. No quería que Strickland fuera sólo el tipo malo. Quería que fuera un tipo por el que casi sientes lástima, porque él mismo es una víctima del sistema y de los tiempos. Quería que pasara por cosas que no ves a un villano experimentar normalmente: desconfianza de sí mismo, reflexión y desesperación. Michael vive todos esos momentos en la película”.
Tan siniestro como es Strickland, del Toro siente afinidad con él, al saber qué se siente pasar por un mundo tan rígido. “Para mí, Strickland es un personaje muy triste. Es un tipo que comenzó con una creencia absoluta en su país y en hacer lo correcto. Después se da cuenta de lo poco que se necesita para que la gente lo aborrezca y lo abandone. Me parece que esta parte es autobiográfica porque el negocio del cine es justo así”, confiesa. “He estado al otro lado de la conversación que Strickland tiene con el general”.
El atractivo para Shannon fue la oportunidad de emprender su propio viaje adentro de uno de los universos intrincados de del Toro. “Cuando conocí a Guillermo, me dijo que esta película era su proyecto de ensueño —y me pareció que sería tonto dejar pasar una oportunidad de ser parte de esta película porque él es un gran soñador”, explica.
Shannon llevó a Strickland más allá del arquetipo del hombre de gobierno enérgico e incondicional de la década de los ’60. “Creo que Strickland quiere ser fuerte, invulnerable y no cometer errores, con ese impulso fervoroso norteamericano, pero también está deteriorado por todo eso. El caparazón duro que conserva hace que consuma mucha energía, y detrás de él hay ansiedad, duda, estrés y miedo, que, a final de cuentas, se van revelando a lo largo de la película”.
El estrés que Strickland siente encuentra una catarsis amenazante en sus insinuaciones lascivas hacia Elisa, a quien ve de otra manera como su lacaya de bajo estatus. “Me parece que a Strickland le atrae Elisa por su vulnerabilidad, y porque no puede hablar, pero también porque es su polo opuesto. En una realidad alterna, quizás y Strickland desearía poder ser más como ella que como él mismo”, reflexiona Shannon.
Desde el principio, su colaboración con Hawkins contó con un atributo estimulante, en el que cada uno diseñó su personaje a tal grado que la tensión entre el optimismo de Elisa y el terror de Strickland se podía cortar con un cuchillo. “He sido aficionado de Sally desde que la vi en HAPPY GO LUCKY, donde me dejó perplejo, así que estaba ansioso por trabajar con ella”, comenta. “Es muy desafiante interpretar un papel que no tiene diálogo alguno. No obstante, es capaz de comunicarse incluso de una manera más profunda y eso fue algo sorprendente de presenciar”.
De igual manera, Hawkins vio en los contrastes del yin y yang entre ambos personajes una carga creativa. “Elisa sabe lo que representa Strickland porque puede ver a través de él, y, en especial, fue muy emocionante interpretar eso porque Michael es aterrador”, comenta. “Es como esta olla de presión que estalla —pero Elisa nunca se deja amedrentar y eso me hizo sentir mucho poder”.
Para la criatura, Strickland es una amenaza existencial. “Strickland ve mi personaje como un monstruo, y debido a que no me entiende o, incluso, ni siquiera intenta hacerlo, se deleita con mi tormento”, comenta Jones. “Es como el bully por excelencia —el tipo que ve algo que ignora y quiere abusar de ello. El contraste interesante es que Michael es una persona muy encantadora en la vida real, pero en la película encuentra la maldad de un hombre como ningún otro actor lo podría hacer. Era tan intenso, ¡que no sé si incluso lo llegué a ver pestañear!”.
En cuanto a cómo Strickland percibe a la criatura, Shannon comenta: “Strickland se ha encargado de capturar a la criatura y espera que eso le traiga grandes dividendos. Me parece que la criatura le da un sentido de logro. Pero también la utiliza para ventilar todos sus sentimientos más reprimidos y malévolos”.
Por encima de todo, Shannon disfrutó el vínculo creativo con del Toro. “Guillermo te hace partícipe del proceso creativo. Y me encanta que nunca deja de trabajar. Cuando no está rodando, está editando en el monitor o escuchando o pensando. Cada átomo de su ser siempre está a la caza de oportunidades, porque no quiere dejar nada por sentado. Esa manera de trabajar me viene muy bien a mí, ya que yo funciono de la misma manera”.
Quien trabaja de una manera estrecha con Strickland es David Hewlett (RISE OF THE PLANET OF THE APES) en el papel de Fleming, jefe de seguridad del laboratorio, quien no tiene intención alguna que las cosas se salgan de control. Como Hewlett lo describe, “Fleming es una pieza clave del mundo gubernamental repugnante al que fue aventada esta hermosa criatura. De hecho, me parece que Fleming es una persona bastante débil porque permanece callado mientras a su alrededor se está haciendo el mal. Piensa que está en su mejor momento laboral, pero, de hecho, resulta ser muy inefectivo”.
En especial, a Hewlett le encantó el grupo tan unido que se formó entre los actores. “Octavia es un dínamo y yo soy un imbécil con su personaje, pero es tan adorable y divertida en cada escena, que fue un reto para mí no sonreír”, comenta. “Sally está en otro nivel —siento que duele nomás de ver lo extraordinaria que es. Y, después, Shannon es capaz de hacer emocionante y aterrador cada momento que está en pantalla”.

LOS ALIADOS DE ELISA

Una vez que del Toro supo que estaba escribiendo una historia de amor, los personajes cobraron forma: Elisa y sus dos amigos verdaderos, Giles y Zelda —siempre estuvieron enlazados en su mente. “Juntos, los tres conforman un solo personaje para mí, como si fueran partes distintas del mismo cerebro. Los tres son marginales e invisibles por razones distintas —una, por la raza, otra, por su orientación sexual, y la otra por su discapacidad— y después se juntan y le responden al sistema. El laboratorio piensa que está peleando contra espías soviéticos poderosos, pero me encanta que, en realidad, están peleando contra dos señoras de limpieza y un artista homosexual”.
Antes de que Elisa conozca a la criatura, su soledad es mantenida a raya por Giles, su vecino y amigo más querido en el mundo, un publicista desafortunado e igual de solitario, y amante ávido de películas musicales. El personaje adquiere una fuerza que crece de manera cauta, mientras es interpretado por el actor nominado al Premio de la Academia® Richard Jenkins (THE VISITOR, LET ME IN, OLIVE KITTERIDGE) —quien dice que no dejó pasar la oportunidad de ser parte de una “historia bella, muy bella”.
En especial, Jenkins apreció su primera oportunidad de trabajar con del Toro. “Para mí, es como un viejo maestro con un vocabulario propio. De igual manera, no es como nadie con quien haya trabajado antes”, explica el actor. “Crea historias que se sienten reales, pero en las que siempre está pasando algo más, algo que le habla a la vida, al arte y al amor. Es absolutamente único y esa es la razón por la cual todos en el set estábamos listos a dar todo por él”.
Del Toro tenía un presentimiento de que había algo más en Jenkins que todavía no se había visto en cine. “Sentí que no sólo podía ser un gran actor de carácter, sino un hombre protagónico genuino. Para Giles, necesitaba a alguien de gran elegancia, alguien cuya simbiosis con Elisa se sintiera automática. No son amantes, pero se quieren y se protegen de una manera profunda. Son simple y sencillamente una de esas parejas que saben que están destinadas a estar juntas en este planeta”, describe el director.
Como un hombre homosexual en la intolerante década de los ’60, Giles tiene pocas válvulas de escape para su vida emocional, que fue esencial para enfundarse la piel de un personaje que demuestra su fastidio de manera calmada contra los tiempos. “Le dije a Richard que quería que Giles fuera alguien que actuara con disimulo, pero también con desafío, un tipo fuerte en una posición vulnerable”, describe del Toro. “Y fue completamente convincente, dueño de sí, creando a su personaje de adentro hacia fuera”.
Al estar frustrado por una carrera en el arte que en apariencia no va a ningún lado, el gran escape de Giles recae en la Era Dorada de los musicales de cine, una época que para 1962 se estaba desvaneciendo, pero cuyos vestigios no deja de cazar regularmente en su TV, acompañado por Elisa. “Creo que a Giles le encanta la idea de un mundo de fantasía perfecto”, acota Jenkins. “Está en un punto de su vida en el que ya no pinta como artista, ahora lo hace sólo para intentar llegar a fin de mes, así que los musicales son el lugar donde vive. Esa es la razón por la que el viaje de Elisa también se convierte en un viaje de salvación para él”.
De hecho, cuando Giles encuentra a la criatura, el fuego creativo que ya se había extinguido en él, se enciende de nuevo. “La criatura tiene un efecto en todo aquel con quien tiene contacto”, indica Jenkins. “En el caso de Giles, genera un incentivo a su amor por el arte porque, desde luego, quiere pintar a este ser extraordinario y misterioso”.
A Jenkins le encantó haber trabajado con Hawkins, en especial porque tenían una forma de comunicación única entre un hombre desesperado por hablar y una mujer muda. De Hawkins opina: “Esta es su película, y no se me ocurre nadie más que pudo haber interpretado este papel. También creo que no tiene idea de lo buena que es”.
Hawkins sintió lo mismo de Jenkins. “Siempre había querido trabajar con él”, comenta. “Me parece que es tanto inteligente como autónomo. Cada toma es distinta con Richard, todo el tiempo, pero en cada ocasión es fantástica. Apela a algo muy vulnerable en Giles. Para mí fue un gran placer su disposición por explorar lugares profundos”.
La única otra persona en quien Elisa confía es su compañera de trabajo Zelda, una mujer de limpieza veterana en el laboratorio, quien no sólo ha llegado a comprender a Elisa, sino también a chismear, compartir y relacionarse con ella. El papel de la confidente que se ve atraída al plan de Elisa es Octavia Spencer, actriz ganadora del Premio de la Academia® por su papel secundario en THE HELP, y nominada recientemente por su interpretación de Dorothy Vaughan, una matemática de la NASA de la vida real, en HIDDEN FIGURES.
Fue la mirada de Spencer que del Toro tenía en mente cuando escribió el papel para ella. “Para mí, al momento de conformar el reparto, tiene mucho que ver la mirada, porque 50% de la actuación es escuchar y observar. Cada personaje en esta película tiene una cierta manera de ver, y sentí que necesitaba los ojos de Octavia”, explica. “Tiene una mirada muy poderosa. Es muy humana y representa lo mejor de lo que significa ser humano con su corazón, fuerza e inteligencia. Cuando Olivia te mira, sientes que todos tus pecados han sido perdonados”.
Cuando leyó el guión, Zelda atrapó la imaginación de Spencer, especialmente como una mujer que pudo haber tenido muy poco poder, actividad o reconocimiento en aquella época, pero que prueba tener una vena heroica que nunca había explorado. “Parte de lo que hace bella a esta película es que es acerca de la gente invisible, los que ayudan. Incluso en medio de toda esta intriga que involucra al gobierno, los espías, los científicos y la criatura, me parece muy interesante que al frente de la historia tienes a un equipo de limpieza”, indica Spencer.
Spencer se centró en las fuerzas de Zelda, que son puestas a prueba a lo largo de la película. “Zelda es muy obstinada y no tiene problema alguno para decir lo que piensa”, reflexiona Spencer. “Yo diría que, si Elisa es el corazón de la película, Zelda es como el músculo, de menos en su mundo del equipo de limpieza”.
También hay una simbiosis que ocurre entre Zelda y Elisa, en la que cada una aporta un atributo fuerte que la otra necesita. “Mi personaje siempre está hablando, mientras que Elisa utiliza su silencio. Juntas, se vuelven una unidad más sólida, y con Sally todo eso se dio de una manera imperceptible”, comenta Spencer.
Hawkins y Spencer tienen una amistad fuera de pantalla que se trasladó de manera perfecta al amor tácito que existe entre Elisa y Zelda. “Octavia es una amiga querida, así que se sintió muy natural y correcto hacer esto con ella”, comenta Hawkins. “Octavia es muy inteligente y súper divertida, y me encanta que jamás permite que Zelda sea un cliché. En cambio, su increíble corazón aparece, mientras ves a Zelda pasar por una transformación propia”.
Cuando se trató de su primer encuentro con la criatura, Spencer evitó a propósito mirar incluso los primeros dibujos —quería que su reacción fuera espontánea. “Guillermo estaba muy emocionado por mostrarnos todos los bocetos de la criatura, pero yo no quería ver nada hasta que mi personaje lo tuviera que ver. Me gusta experimentar las cosas en tiempo real”, explica. “Cuando llegó el momento de verlo, fue simplemente…maravilloso, con las branquias y escamas, se veía muy real”.
La criatura asusta lo suficiente a Zelda como para conservar cierta distancia, incluso a pesar de que a Elisa le fascina. “Me parece que la mayoría de la gente teme a lo desconocido”, comenta Spencer, “y a Zelda lo único que le preocupa es conservar su trabajo. Sabe que, en teoría, el personal de limpieza no debe de prestar atención a los secretos que ahí se guardan. Así que intenta ignorar a la criatura, al verlo más como una ‘cosa’ que como una persona, hasta que se da cuenta que su amiga está enamorada y eso hace que todo cambie”.
Un tercer personaje interpreta un papel más confuso en la vida de Elisa: el Dr. Hoffstetler, biólogo marino encargado de estudiar la estructura pulmonar distintiva de la criatura —y quien, para bien o para mal, se da cuenta del vínculo furtivo que existe con el prisionero ultra secreto del laboratorio, pero malinterpreta sus intenciones.
Michael Stuhlbarg, conocido por un rango diverso de papeles en películas que incluyen A SERIOUS MAN, de los hermanos Coen, BLUE JASMINE, de Woody Allen, STEVE JOBS, de Danny Boyle, y BOARDWALK EMPIRE (HBO), interpreta al científico que está dividido entre el deber, el país y su admiración por la criatura.
Después de haberlo visto en varias de esas películas, del Toro había escrito el nombre de Stuhlbarg como alguien con quien quería trabajar. “Vi en él la habilidad de transformarse de un asesino a un santo a una figura trágica, y supe que Michael podía crear un personaje complejo como el de Hoffstetler, quien es, por un lado, un espía muy capaz, y, por otro, un científico compasivo y altruista, capaz de hacer un sacrificio real”, explica. “Es el tipo con los principios más sólidos, porque toma un riesgo enorme por hacer lo correcto”.
A Hoffstetler lo acosan motivaciones encontradas. “Tiene una historia complicada”, indica Stuhlbarg, “pero su primer amor es la ciencia y mientras más le fascina la criatura, creo que también se llega a enamorar de ella. Ambos están solos y quizás y reconozcan eso en el otro”.
Para darle a Stuhlbarg mucho qué evaluar, del Toro le ofreció un gran expediente de Hoffstetler. “Guillermo escribió para mí esta bella biografía en la que venían sus impresiones de este hombre. Comenzó desde su adolescencia en Rusia, hasta el tipo de preparación por la que hubiera tenido que pasar para estar en su posición y también su pasión por la ciencia marina”, explica Stuhlbarg. “Está atrapado entre los soviéticos y los estadounidenses, a quienes les importa más impedir que el otro se haga de la criatura mágica que aprender de ella. Pero Hoffstetler se da cuenta que lo que más quiere es salvar la vida de este ser anfibio”.
Stuhlbarg de ninguna manera habla ruso fluido, lo que trajo consigo una serie trepidante de clases en el que es ampliamente percibido uno de los idiomas más complicados del mundo para aprender. “De hecho, tomé seis semanas de clases de ruso en la universidad y he hablado ruso aquí y allá en obras de teatro. Así que estaba un poco familiarizado con la esencia y el ritmo del idioma, pero fue un proceso de aprendizaje largo. Cuando dio inicio la producción, fui uno de los primeros personajes principales en tener una escena hablada y era en ruso, así que fue una prueba de fuego. Me dejé llevar y las palabras parecieron fluir. Me encantó haberlo logrado para encontrar en el proceso una manera de internarme en Hoffstetler”.

EL CORAZÓN DE LA CRIATURA

Para interpretar un papel que existe en los límites de lo humano, lo animal y lo mítico, está Doug Jones, quien se valió tanto de un atuendo prostético diseñado de manera meticulosa, como de una facilidad extraordinaria para la expresividad física que requería la creación de la criatura. Jones tiene un conjunto excepcional de habilidades, que lo ha llevado a trabajar en repetidas ocasiones con del Toro para darle vida a sus creaciones. Jones fue el inolvidable fauno en PAN’S LABYRINTH, Abe Sapien en la serie de HELLBOY y un vampiro ancestral en “The Strain”. Pero, al igual que Hawkins, nunca se imaginó que sería el protagónico de una historia de amor.
Hawkins opina de Jones: “Doug brinda una actuación magistral y bella, y así tenía que ser, porque es una cosa muy frágil la que exploramos. Somos dos especies distintas que se enamoran, pero tenía que sentirse real, y tenía que ser correcto. Afortunadamente, no pude evitar enamorarme con la manera en la que Doug personificó esto”.
Nunca existió la menor duda en la mente de del Toro de que Jones sería la criatura. “Hemos estado trabajando juntos durante 20 años y ha hecho algunos de los papeles más cruciales en mis películas”, indica del Toro. “Es uno de los pocos hombres que interpreta criaturas, pero que también es un actor dramático completamente consumado. Por lo general, esos dos dones se dan por separado, pero Doug tiene ambos. Es un actor fantástico con o sin maquillaje”.
Del Toro añade: “Si no tienes un actor adentro del traje de la criatura, no tienes una película —y Doug no es un intérprete, es un actor. Me acuerdo de ciertos momentos, como cuando la criatura entra a un cine y, con su actuación, te das cuenta que nunca ha visto una película. Esos son momentos de actor. También recuerdo antes de que Richard Jenkins hiciera la escena del baño en la que conoce a la criatura; en ella, Richard estaba preocupado de que iba a actuar frente a un traje de monstruo. Después, Richard se me acercó y dijo, ‘tan pronto y dijiste acción, me sentí frente a un dios antiguo del agua’. Sintió todo el dolor y confusión de la criatura que personificó Doug”.
La única manera en la que Jones se pudo adentrar en el papel fue a través de un tipo de empatía incentivada por la imaginación, una vez que intentó intuir hasta sus huesos cómo podría ser la vida de una criatura anfibia con una inteligencia aguda, que es cazada y arrancada de su hogar para ser estudiada por una especie alienígena. “Está muy solo porque es el último de su especie”, describe Jones. “De igual manera, nunca ha estado afuera de su río, así que no entiende dónde está o por qué. Están realizando pruebas en él y haciendo biopsias, porque el gobierno piensa, ‘de alguna manera, vamos a usar esta cosa para ventaja nuestra’”.
Pero hay mucho más en la criatura que lo que los agentes del gobierno pueden ver. Jones percibe al personaje enigmático como alguien que tiene el poder único de reflejar los deseos de la gente. “A pesar de ser este fenómeno de la naturaleza, tiene un tipo de atributo angelical”, explica. “Llega a las vidas de la gente y parece exponer y amplificar lo que sea que esté pasando adentro de un ser humano”.
Mientras se filtra en la vida de Elisa, las emociones se desarrollan en ambos. “Su comunicación, por necesidad, va más allá de las palabras, y está basada en la visión y el sentimiento”, reflexiona Jones. “Ambos personajes están fuera de su elemento en un mundo más vasto, pero cuando están juntos eso desaparece”.
Desde un punto de vista físico, Jones apeló a una imagen que del Toro le dio para que basara sus movimientos en torno a ella: “Dijo que la criatura tenía el porte de un torero sexy y peligroso —pero con la fluidez de Silver Surfer”.
Una vez que comenzó a trabajar con Hawkins, al ensayar durante un mes antes de que diera inicio el rodaje, sus personajes se mudaron de lo abstracto a lo tangible. “Fue simplemente maravilloso explorar con Sally cuánto puedes decir sin diálogo alguno”, comenta Jones. “Y después ves cómo el poder de su amor inspira a Elisa a transgredir el sistema, y salirse de su zona de confort”.
Fue su escena de amor la que sacó a Jones de su zona de confort. Admite que nunca imaginó hacer una escena de sexo, sin importar cuán artística fuera, con un traje de monstruo —pero también lo llevó a un lugar de comunicación física pura. “En esa escena, estoy pensando como un ser que nunca ha experimentado el contacto humano o la intimidad. Tanto él como Elisa están viviendo esto por primera vez, así que tiene un tipo de inocencia muy singular”.
Jones apreció especialmente la confianza inquebrantable que encontró en Hawkins. “Ambos estamos interpretando personajes nada convencionales sin precedente alguno, así que eso nos ayudó a vincularnos”, señala. Cuando la cámara corrió, su conexión era palpable. “Me perdí tanto viendo a Sally que se me olvidaba qué estaba haciendo. Hay algo tan real, tan puro, acerca de ella, que terminé por enamorarme, así como lo hace la criatura”.
Octavia Spencer, quien interpreta a Zelda, amiga y compañera de trabajo de Elisa, recuerda las emociones repentinas de ver el material de Elisa y la criatura interactuando por primera vez: “Fue tan bello y conmovedor, que no pensé que fuera a tener el tipo de respuesta que tuve: al verlo, me puse a sollozar”.

HOMBRE ANFIBIO: LA CREACIÓN

En la pantalla, ha habido antes híbridos humano-pez o tritones —incluyendo el de Guillermo del Toro, Abe Sapien, en HELLBOY—, pero para la criatura en LA FORMA DEL AGUA, del Toro quería dejar atrás a todos sus predecesores. Se planteó alcanzar un nuevo nivel de realismo, creando un ser de una verosimilitud biológica tal, que pudiera inspirar la pasión desenfrenada de una mujer.
Tres años antes de que comenzara el rodaje de LA FORMA DEL AGUA en foros de Toronto, del Toro contrató a Guy Davis y Vincent Proce para que comenzaran a diseñar el laboratorio y el cilindro de agua. Al año siguiente, contrató a dos escultores, David Meng y Dave Grosso, para que dieran inicio con el diseño de su criatura acuática en su taller Bleak House, todo a costa suya.
Del Toro estaba tan comprometido en hacer que la criatura se viera bien, que financió el diseño de ella de su bolsillo, gastando cientos de miles de dólares en un proceso que le llevó como nueve meses de gestación. “Sabía que quería que la criatura se sintiera real, pero, al mismo tiempo, quería que fuera bella, cosa que no era nada fácil de conseguir”, confiesa del Toro. “Sabía que nos iba a tomar mucho tiempo, así que ni siquiera lo puse en el presupuesto de la película. Es, de verdad, el diseño de criatura más difícil que jamás haya hecho”.
En un inicio, conjuntó un equipo de artistas talentosos que son expertos en inyectarle vida a lo imaginario, incluyendo a Shane Mahan de Legacy Effects, un extraordinario diseñador de criaturas y supervisor de efectos visuales conocido por su premiado trabajo en IRONMAN, donde le dio vida al superhéroe, y en PACIFIC RIM; y Mike Hill, un escultor reconocido, quien se especializa en modelos ultra-realistas de monstruos de películas de terror clásicas, y ha trabajado en películas tales como THE WOLFMAN, APOCALYPTO y MEN IN BLACK 3.
El equipo trabajó de manera incansable desde los bosquejos a las maquetas, hasta el traje completo de la criatura que transformó a Doug Jones. Hawkins opina de lo que consiguieron: “Siento que la criatura es una de las cosas más bellas que jamás haya visto. Tenía que estar reaccionando ante alguien que le resultara atractivo a Elisa, y gracias al trabajo que hicieron eso se me dio de manera natural. No vi para nada a Doug; vi a este espécimen increíble y misterioso. Otros quizás y vean a un monstruo, pero Elisa ve algo completamente distinto y eso queda claro”.
Del Toro tenía su propia manera de probar si el diseño era lo suficientemente atractivo. “Cada noche, me lo llevaba a casa y apelaba al voto femenino: ¿suficiente trasero o le falta, suficiente abdomen o más marcado, los hombros más grandes o más delgados? Tenía que ser una criatura con la que te pudieses enamorar”.
La primera inspiración para la criatura provino directamente de la naturaleza, desde su piel bioluminiscente y ojos laminados y fuertes, hasta sus labios besucones, que se fusionan para crear una forma elegante, parecida a la de un humanoide. Para aquellos cuya pasión es esculpir nuevas formas de vida, la propuesta de crear algo tan original era extraordinario.
Shane Mahan: “La idea desde el principio fue impulsar la idea de una forma de vida acuática que ha existido desde hace siglos, y hacerla sentir como una criatura viviente del mar con el tipo de colores cambiantes y fosforescentes que verías en peces tropicales, pero de una constitución carnosa que fuera convincente”.
En la búsqueda de alguien para que abriera de golpe todo el proceso, del Toro reclutó a Hill, quien había sido alabado recientemente por sus esculturas de monstruos realistas en una convención de cine de terror. “Mike tiene una relación con los monstruos que es asombrosa, y me pareció que necesitábamos ese nivel de conocimiento”, comenta el director. “La dificultad con esta criatura es que no sólo la estábamos esculpiendo —estábamos esculpiendo a un actor protagónico”.
Hill recuerda la misión que del Toro le encomendó: “Dijo que quería que yo le diera alma a la criatura. Quería que fuera algo que hiciera que una mujer se enamorara de ella en todos los sentidos. Así que comencé a dibujar una versión atractiva de un hombre pez, al que le di labios apetecibles, una quijada cuadrada y ojos grandes e inocentes, y partí de ahí”.
El proceso se puso tan intenso que Hill no paró día y noche en colaborar con del Toro en esculturas de plastilina, cada uno dibujando, rayando y revisando las formas una y otra, y otra vez. “Después de semanas y semanas de esbozar con plastilina, lo logramos finalmente”, recuerda del Toro.
La criatura ahora había sido reinventada a una forma más musculosa. “Quería que se viera más como un califa, y debido a que Doug es muy delgado, me pareció que teníamos que sacarle ventaja a eso, y no hacerlo corpulento”, explica Hill.
Hill y del Toro leyeron de manera detenida lo que bien pudo haber sido una enciclopedia de peces auténticos mientras trabajaban. “Queríamos que se viera como algo que fue arrastrado a la orilla de una playa y que en un principio la gente pensara, ‘oh, eso parece un pez’, así que fue importante utilizar colores reales de peces que le son familiares a la gente”, comenta Hill.
El encantador pez león tropical, una criatura venenosa de colores vibrantes, originario del Océano Pacífico, se convirtió en el modelo de cómo comería la criatura —con su membrana interna que le permite al pez tragar su comida en tiempo récord. Hill también recurrió al mundo natural para la bioluminiscencia traslúcida del espécimen. “La gente con acuarios se siente atraída con frecuencia a los peces brillantes y transparentes, así que queríamos repetir esa idea”, explica. “Más tarde, a Legacy se le ocurrió una manera de recrear ese concepto en un traje opaco que se ve fantástico”.
Incluso con los diseños de plastilina terminados, sólo la mitad del trabajo se había realizado. El siguiente paso fue igual de difícil: convertir los modelos en una serie viable de trajes de látex en los que se pudiera mover adentro un ser humano. Legacy transformó las maquetas de Hill en imágenes digitales magnificadas, que después fueron todavía más esculpidas, al haber ilustrado más musculatura y venas. El trabajo también comenzó con los elementos faciales de la criatura, en especial sus ojos. Mahan recuerda: “En una de las primeras conversaciones, Guillermo nos dijo que quería que los ojos se pudieran remover en el set para poder cambiar el humor o la apariencia de la criatura. Como no le puedes quitar a Doug el maquillaje para cambiarlos, se nos terminó por ocurrir un sistema magnético para engranar los ojos. Fue la única solución. Una vez que estábamos rodando, cambiábamos los ojos cuatro o cinco veces por noche”.
Los detalles que en apariencia parecían ser menores —por ejemplo, crear un conjunto funcional de branquias para la criatura— se llevaron una tremenda cantidad de tiempo y planeación. Mahan comenta: “En particular, sus branquias fueron desafiantes porque en algunas escenas tuvimos que lidiar con mucha agua. Pero también fueron emocionantes, porque las branquias le dan a la criatura una manera adicional de reaccionar sin palabras, y podíamos usar la respiración de Doug para incrementar los sentimientos, como la emoción, la ira o el cariño”.
Mientras las primeras representaciones del traje eran probadas de manera repetida, del Toro era una fuerza impulsora constante en el equipo de Legacy. “Tiene un amor por nuestro oficio que es contagioso”, comenta Mahan. “Se reunía con nosotros a cualquier hora, un viernes ya tarde por la noche o un domingo, ya que nunca dejó de estar involucrado en cada paso. Es muy raro que encuentres en alguien ese tipo de interés por querer ser súper refinado, y para nosotros esa clase de obsesión es inspiradora. Terminas por querer invertir más y más de tu tiempo en hacerlo tan grandioso como pueda serlo”.
Finalmente, cuatro trajes espectaculares e intrincados, cada uno con la capacidad de ser empapado, fueron fabricados para la producción. Del Toro comenta: “Shane y todo el equipo en Legacy resultaron ser unos socios increíbles en el diseño. Fueron una pieza fundamental en desarrollar el color, resolver la logística y reconciliar la belleza del diseño que Mike y yo hicimos, con algo que sería muy funcional”.
Así como fue fabricado de una manera tan meticulosa, el traje probó ser un reto diario para Jones, quien no sólo tuvo que aprender a vivir en él, sino también a enamorarse adentro de él. Legacy lo hizo tan flexible como le fue posible, aunque todavía tenía la propiedad de un tornillo de banco restrictivo. “El traje está muy apretado y en su interior hay corsés reales para hacerlo todavía más. Pero segmentamos las placas abdominales para que cedan y se muevan un poco. No son sólidas, para que pueda hacer los movimientos elegantes que la historia necesita de Doug”, comenta Mahan.
El hecho de ser un atuendo muy ceñido y la naturaleza atlética que se requería para moverse en él obligó a Jones a ponerse “en la mejor forma física de mi vida”, a sus 56 años, comenta. “Sabía que este iba a ser el papel que más me iba a exigir desde un punto de vista físico, así que eso me incentivó. Tan sólo usar el traje, que tiene hule espuma de látex y silicón diseñados para regresar siempre a la posición en la que fueron esculpidos originalmente, requirió de una preparación física intensa. Cada movimiento era como hacer una lagartija o una sentadilla”.
La transformación extensa de Jones también significó pasar de dos a cuatro horas diarias en la silla de maquillaje. En algunas escenas, quedaba cegado completamente por los ojos prostéticos. Para ponerle el atuendo a Jones también se requirió de cuatro personas. “Fue una comedia diaria de estira y afloje, y mucho talco para bebé, además de meter, cambiar, cerrar y partir, mientras cuatro hombres adultos me jalaban mis brazos y piernas”, dice entre risas Jones.

DISEÑANDO LOS EFECTOS VISUALES

El supervisor de efectos visuales de la película, Dennis Berardi, colaborador regular de del Toro, se volvió otro compañero clave al momento de crear toda la existencia de la criatura. Cuando Berardi leyó LA FORMA DEL AGUA dice que lo superó el sentimiento —y también la emoción de lo que venía más adelante. “Me di cuenta cómo mi equipo podía hacer una contribución real a los principales componentes emocionales de la película, y yo estaba más que dispuesto a hacerlo”, recuerda.
Berardi comenzó por crear un doble digital exacto de Doug Jones en el traje prostético. “Guillermo quería que la criatura no sólo fuera capaz de exteriorizar sentimientos como Doug, sino también que se pudiera mover debajo del agua de una manera en particular, así que hicimos muchas pruebas de movimiento al principio con nuestro equipo de animación en Mr. X. Llegamos a un punto en el que podíamos hacer una versión digital de la criatura que podía compararse con la bella actuación de Doug”, comenta.
Para crear los movimientos submarinos se necesitó de un proceso de investigación intensivo que involucró no sólo ver a nadadores olímpicos, sino también a especies acuáticas como tiburones, frailecillos, nutrias y pingüinos. “Vimos cualquier cosa que se moviera de manera muy elegante en el agua, para poder basarlo todo en la realidad”, explica Berardi.
El resultado fue un espejo digital que reflejaba la poderosa actuación de Jones con las dimensiones añadidas de una criatura que no existe —lo real e irreal alineándose en sincronía. Berardi incluso jugó con los colores de la criatura, que cambiaban según su humor. “Nuestra esperanza es que la audiencia no pueda distinguir en lo absoluto entre la versión digital de la criatura y la versión de Doug Jones. La actuación de Doug ilustra nuestra animación y creo que ésta también ha ilustrado la manera en la que Doug fue fotografiado. Si la audiencia no puede diferenciar una de la otra, entonces habremos tenido éxito”, comenta Berardi.
El conocimiento enciclopédico de la historia del cine que tiene del Toro, en particular la historia de películas de monstruos, fue un recurso constante. “Conoce criaturas como la palma de su mano”, reflexiona Berardi. “Puedo mostrarle cualquier referencia de cualquier película y puede destruir el método usado para crearla. Así que eso le da una habilidad singular para comunicar lo que quiere, basado en cosas que ha visto y también en lo que tiene en mente. Te brinda una inspiración mágica, después te reta a que pongas sobre la mesa tus propias ideas, lo cual resulta ser muy remunerador”.

HACIENDO LO IRREAL REAL: LA CINEMATOGRAFÍA

La atmósfera sombría de LA FORMA DEL AGUA lleva a las audiencias a las profundidades de la historia —y la fotografía creativa de Dan Laustsen fue fundamental para conseguir la visión de del Toro. “El diseño final de la criatura está hecho con luz”, enfatiza del Toro. “De no haber tenido un director de fotografía que entendiera eso, no hubiera funcionado. Dan también sabe que no sólo se trata de la luz principal, cruzada o de contorno, etc. Él no es técnico; es sensible. Me parece que todos los grandes directores de fotografía son sensibles. Un gran cinefotógrafo es como un conductor de orquesta —transmite la emoción con luz en vez de hacerlo con notas musicales”.
Laustsen recuerda que conforme leía el guión se preguntaba en voz alta: “¿Cómo diablos vamos a rodar esto?” Continúa: “Pero entonces hablé con Guillermo y su visión era tan intensa, que comencé a creer que era posible. La película fue para mí tanto un gran reto como una experiencia fantástica”.
El silencio prodigioso de los dos protagónicos del filme estimuló en especial a Laustsen. “Toda la idea de dos personajes mudos que se relacionan es muy cinemática”, reflexiona. Igual de inspirador fue la idea de usar un tipo de liquidez visual para hacer que toda la narrativa fuera y viniera como el agua. “En la película todo está en movimiento”, describe Laustsen. “Guillermo quería mucho movimiento de cámara, y, además, le gustan los movimientos muy precisos, así que trabajamos con todo tipo de grúas, dollies y steadicams, y todo eso fue muy emocionante”.
Laustsen probó de manera repetida la muy querida cámara digital Arri Alexa, al usar lentes Arri/Zeiss Master Prime, que le permitieron una precisión máxima. Explica, “Guillermo quiere imágenes muy nítidas, donde todo se vea de manera impecable, y con esta combinación puedes ver hasta los detalles más imperceptibles”.
Al principio, del Toro y Laustsen coquetearon con rodar la película en blanco y negro clásico, pero dieron marcha atrás —ambos concordaron que fue una decisión catalítica. Al trabajar, en cambio, con tonos monocromáticos de color, cambiaron de manera meticulosa la luz y la textura para crear una apariencia más moderna, pero desaturada, llena de tonos de aguas profundas. Del Toro explica: “Yo quería que la película fuera monocromática, así que la mayor parte de la paleta está conformada por azules y verdes, con ámbar para compensar. El rojo se presenta como el color de la sangre y el amor”.
Un diseño de iluminación casi arquitectónico fue el punto fuerte del ejercicio. “Dan es un genio con la luz”, reflexiona del Toro, “y fue capaz de iluminar la película como si fuera una en blanco y negro de la década de los ’50, aunque utilizamos color. La luz es muy expresionista y llena de sombras, y creo que se siente muy clásica”.
La iluminación fue fundamental cuando rodaron a la criatura. “No es un personaje aterrador, pero es fascinante y la cámara estaba fascinada con él”, comenta Laustsen. “¿Es animal? ¿Podrías llamarlo persona? En cuanto a la cinematografía tenía que ser iluminado de manera muy cuidadosa, porque, desde luego, como miembro de la audiencia quieres ver toda parte de él, pero también queríamos conservarlo un poco misterioso”.
Para algunas de las escenas submarinas, Laustsen apeló a la vieja escuela, y se remontó a rodar con la técnica “seco por mojado” para crear la ilusión del agua. Esto trajo consigo el uso de humo denso, máquinas de viento y proyección, que sirvieron para crear una atmósfera húmeda y palpitante parecida a la del agua —y permitirles a los actores trabajar con sus ojos abiertos, fundamental para registrar sus expresiones. Del Toro comenta: “Hicimos mucha investigación de cómo hacer bien la técnica de ‘seco por mojado’ —desde cuántos cuadros por segundo usar hasta cómo puedes crear partículas flotantes. Sabíamos que la clave era generar una proyección en video de luz cáustica sobre los personajes, que resulta ser muy operística”.
Doug Jones recuerda: “Cuando hicimos las escenas de ‘seco por mojado’, Sally y yo estábamos trabajando en la niebla con luces que zigzagueaban alrededor como olas. Era muy inusual, pero cuando vi el playback en video, dije, ‘caramba, eso se ve real’”.
El agua real también desempeñó un papel importante en las secuencias de baño, lo que significó hacer un trabajo desafiante en un tanque. Laustsen resume: “Rodar bajo el agua siempre es un gran reto debido a la falta de comunicación. Pero, en esas escenas, la parte submarina de ese proceso fue la menor de nuestras preocupaciones. Sobre todo, queríamos que Elisa se viera sorprendente y la criatura un poco escalofriante, y que todo se viera muy romántico”.

LA APARIENCIA DEL AGUA: EL DISEÑO

Del Toro es tanto un constructor de mundos como un director, y para LA FORMA DEL AGUA el mundo que quería crear era una mezcla entre una representación histórica fiel de la Guerra Fría en los EE. UU. y una pátina de una leyenda imperecedera. Elisa podrá llevar una vida tranquila, casi invisible, pero deambula a través de terrenos que son épicos: desde el laboratorio gubernamental secreto donde trabaja, a un departamento por el cual se filtra luz intermitente de un cine de películas-B que se encuentra abajo, hasta la costa de Maryland, donde la película llega a su desenlace. Al igual que la fluidez de la cámara, las características de diseño se dejan ver a lo largo y ancho de la historia, con un universo como telón de fondo donde líneas rígidas pueden ser dibujadas en las mentes de los hombres.
J. Miles Dale: “Guillermo es sin lugar a duda un gran visionario. Desde los sets al vestuario hasta la cámara, ningún detalle es demasiado pequeño para su atención. Así que eso lo convierte en una especie de manjar para los diseñadores. Con Paul Austerberry el proceso comenzó temprano, diseñando el laboratorio, la oficina y el hogar de Strickland, los departamentos de Elisa y Giles, y el baño que se vuelve muy importante en la historia. Pasó mucho tiempo concentrado en la paleta, y sucedió lo mismo con los atuendos de Luis. Guillermo siempre tiene ideas muy específicas acerca del color y las texturas, y eso fue lo que le sirvió de guía a Luis, quien junto con Paul y Dan coordinaron todo el camino”.
Para del Toro, traer a Austerberry —quien también está trabajando en la venidera PACIFIC RIM: UPRISIND— era imprescindible. “Me enamoré con el hecho de que Paul tiene una opinión muy sólida en cuanto al diseño se refiere, lo que significa que podía argumentar cualquier cosa que yo le decía, y aportar ideas nuevas”, comenta del Toro. “Pero, aunque Paul tiene grandes ideas, también es muy práctico y eso era importante porque esta película tenía una gran esfera de acción, con sets complejos y rodaje submarino. Tenía que ser capaz de orquestar y gestionar todo eso”.
La investigación y el realismo fueron polos gemelos en el trabajo de Austerberry, quien ayudó a transportar al reparto y al equipo de producción. “Los sets eran como si te estuvieras metiendo a una pintura”, comenta Sally Hawkins. “Así lo sentí”.
Austerberry comenzó por basar sus diseños en el entorno de principios de la década de los ’60, con esa mezcla de futurismo y diseño elegante y funcional de mediados de siglo. “Guillermo y yo hablamos acerca de basar el diseño en la realidad, así que comencé con una buena cantidad de investigación, viendo libros y archivos de todo tipo de laboratorios de investigación gubernamentales, de donde extraje muchas referencias”, comenta. “Guillermo siempre dice que primero necesitas hacer un lugar basado en la realidad para poder hacer que se vuelva fantástico, así que en la historia fuimos tan auténticos a la época como pudimos”.
El laboratorio, donde la criatura está encerrada en una alberca interior segura, establece la atmósfera con una mezcla de alta tecnología emergente con una sala del terror para la posteridad. “No queríamos un laboratorio que se viera muy estéril y brillante, que es lo que ves por lo general, así que nos fuimos al lado opuesto, con un laboratorio donde sientes que muchas cosas perturbadoras han pasado ahí, y tiene una historia bastante siniestra”, explica Austerberry.
El cuarto de la criatura es un laberinto de tuberías, conductos y cámaras cilíndricas. Del Toro agrega: “Para el recinto de la criatura, quería que tuviera una sensación de un calabozo, con todo y cadenas, planchas quirúrgicas y tuberías de vapor. No es un laboratorio agradable y bien iluminado —quería que se sintiera casi más medieval que moderno, para apuntalar la sensación de cuento de hadas”.
Austerberry continúa: “Las tuberías que ves parecen tubos pesados de hierro fundido, pero todas están hechas de poliestireno extruido. Ese set fue un rompecabezas tan complicado, que estuvimos trabajando en él hasta el último momento. Por si fuera poco, tuvimos que diseñar todo para que soportara mucha agua y vapor, y también mucha iluminación”.
Austerberry tenía en mente la arquitectura brutalista —estilo de concreto pesado, basado en la función, que floreció de la década de los ’50 a la de los ‘70— para las instalaciones. Al buscar una versión menos angular, encontró fotos de referencia de un sanatorio francés de concreto que era más redondo. “No quería líneas duras y rectangulares, ya que se iban a sentir como de una ciencia ficción moderna”, explica.
Después, está la cápsula en la que llega la criatura por primera vez. “Está descrita como un pulmón artificial en el guión, así que saqué muchas referencias históricas de pulmones artificiales. Hubo uno en particular que a Guillermo le encantó. Le gustó el color, la forma y el lenguaje de los materiales. De hecho, fue una de las primeras cosas que diseñamos porque nos llevó ocho semanas fabricarla. La idea es que la cámara está sobre ruedas, con el objeto de transferir a la criatura, para que después pueda ser anexada a un cilindro presurizado más grande en el laboratorio”.
Para el “centro de comando” del laboratorio —similar al de la NASA—, Austerberry creó un mosaico con cuentas de vidrio típico de la década de los ’50 —pero hecho sobre tablones, lo que les permitió una rápida instalación. “En la investigación busqué murales de la década de los ’50 y descubrí un mosaico de azulejo en Lisboa que tenía una paleta de color verde-azul asombrosa, que a Guillermo le encantó. Puedes ver mucho de él, porque la oficina de Strickland está muy elevada y es bastante austera, pero detrás de las grandes hojas de vidrio que la conforman puedes observar esta bella paleta de color”.
La oficina de Strickland flota por encima del centro de comando, un ojo en el cielo, lleno con equipo de vigilancia. “Atento, observa a los subordinados que trabajan para él a través de un sistema de cámaras de circuito cerrado, que basamos en los equipos de estudios de televisión de la década de los ’60. Cuando ves a Strickland detrás de esta pared de imágenes, te habla de cómo se ve a sí mismo por encima de todos y siempre al tanto de toda la información que pueda absorber”, reflexiona Austerberry.
Tanto el baño como los casilleros del laboratorio albergan escenas clave y éstas fueron rodadas en el inmenso Hearn Generating Station de Toronto, una central eléctrica vieja que se ha convertido en un icono de una era industrial obsoleta. “Le echamos un ojo a Hearn porque tenía cuartos con mosaicos. Desafortunadamente, éstos son color crema y Guillermo dijo, ‘en esta película no podemos tener ese color’, así que terminamos usándola, pero pintamos cada mosaico a mano para que fuera como nuestra paleta”, relata Austerberry.
En especial, a Austerberry le encantó diseñar los departamentos de Elisa y Giles, situados encima de un cine clásico, de estilo minimalista. Para crear el exterior, utilizó el Massey Hall de Toronto —designado como Lugar Histórico Nacional de Canadá, diseñado bajo la tradición neoclásica por el arquitecto Sidney Badgley en 1984, y que se renovó de manera extensa en la década de los ’40 para convertirlo en lo que es ahora un popular teatro de artes interpretativas. Aunque nunca fue un cine, evocaba la elegancia de un viejo palacete cinematográfico, y, con una marquesina iluminada, se ajustaba a la medida.
Fue en los interiores donde Austerberry despegó de manera creativa. Del Toro quería que los departamentos de Elisa y Giles, divididos por una ventana abovedada, fueran dos mitades de un todo, en gran medida al igual que su esencia como amigos.
El director describe: “Sus departamentos son como dos hemisferios del mismo globo, pero iluminamos cada mitad de manera distinta. Con Giles, incluso si la escena era de noche la iluminábamos como si fuera atardecer, con tonos muy cálidos. La gama de color del departamento de Elisa es acuática, con iluminación fría y mucho turquesa. El de ella está corroído por el agua, mientras que el de él no. El de él está lleno de madera con luz dorada y colores muy terrenales, porque él es quien mantiene a Elisa con los pies en la tierra, mientras que el departamento de Elisa tiene la luz mágica del cine de abajo”.
El apartamento de Elisa fue el favorito tanto del director como del diseñador. “Hablamos mucho de la idea que en alguna ocasión había sido un gran salón, pero en un momento dado hubo un incendio y nunca lo repararon por completo, por lo que se ve muy viejo con esa pátina que a Guillermo le encanta”, comenta Austerberry. “Guillermo nos trajo una imagen que tenía de una competencia de fotografía en la India, en la que aparecía una anciana en un cuarto oscuro con una textura muy avejentada y un azul turquesa de fondo, y eso fue de gran inspiración”.
Las paredes fueron un gran foco de atención, y una búsqueda exhaustiva llevó a Austerberry a un estampado de un papel tapiz anglo-japonés clásico, que tenía pequeñas curvas que se asemejaban de manera sutil a las escamas del pescado, similares a las de un antiguo grabado japonés. Después, fusionó ese estampado sobre una debilitada cresta de una ola, reminiscente al icónico impreso en plancha xilográfica “The Great Wave of Kanagawa” (La Gran ola de Kanagawa) de Hokusai, un artista japonés del siglo XIX.
“Hicimos que un artista escénico pintara una hermosa versión de la ‘Gran Ola’ sobre yeso texturizado, y después pusimos capas y capas, y más capas, encima, hasta que prácticamente desapareció, pero te da esa sensación de que todavía existe esta forma acuosa en la pared”, describe Austerberry. “Guillermo quería que el muro fuera austero y sutil, pero que, de saber lo que estabas buscando, pudieras encontrar una historia pequeña. Fue así como se convirtió en algo detallado de una manera muy fina”.
Todas las paredes en el departamento fueron creadas como “paredes salvajes”, es decir, que todas podían ser removidas rápidamente para que pudieran mudarlas en cualquier momento para adaptarse a una cámara en continuo movimiento. Además, cada una de las ventanas tuvo que ser instalada para el aluvión de lluvia que se presenta en los momentos culminantes del filme. Cuando se trató del piso, Austerberry creó filtraciones debajo del revestimiento para que la luz del cine pasara por ahí, y que las fantasías cinematográficas que se estaban exhibiendo abajo se mezclaran con la vida cotidiana de Elisa y Giles.
Después vino el set más desafiante de todos: el modesto baño retro, que es el oasis donde Elisa se aísla del mundo —y que después se convierte en el refugio de la criatura y el lugar donde se da su cada vez más intenso romance. A final de cuentas, Austerberry sabía que su set se iba a convertir en una alberca. “Nuestros sets están hechos por lo regular de madera, poliestireno extruido y yeso. Pero para éste tuvimos que hacer todo de aluminio y mastique, en vez de yeso, porque al final todo se iba a sumergir en un tanque. En un momento dado, sumergimos lentamente los sets en el tanque para que pudieras ver cómo el agua se elevaba. Fue algo muy difícil de conseguir”, describe.
Así como fue muy arduo conseguir todo eso, la remuneración fue igual de generosa. “El departamento de Elisa me dejó sin aliento”, comenta Hawkins. “La riqueza de él y sus colores —era como trabajar adentro de un poema o una obra de arte increíble”.
Para sumar al diseño de producción, el supervisor de efectos visuales Berardi ayudó a situar la historia en un ya desaparecido Baltimore de la década de los 60’s, al recrear la ciudad de manera digital a partir de fotos de archivo. “La idea era que debía sentirse foto-realista, pero con ese elemento de fábula —que es un balance difícil de conseguir”, indica Berardi. “Lo que ayudó es que Guillermo es un gran colaborador. Incluso cuando se nos ocurría algo bastante bueno, siempre preguntaba, ‘Ok, ¿qué podemos hacer ahora para hacerlo grandioso? ¿Cuál es el siguiente nivel?’”.
La línea borrosa entre la fábula y la realidad también está entrelazada en la estructura de los vestuarios de Luis Sequeira para LA FORMA DEL AGUA. “En el trabajo de Luis, cada pieza refleja el interior de un personaje”, comenta del Toro, “desde el hermoso traje de raya para Strickland, que es casi tan perfecto como uno de James Bond, hasta los vestidos de Elisa”.
Sequeira ha trabajado con del Toro en “The Strain”, pero este proceso fue nuevo. “En esta película, no teníamos mucho arte conceptual, así que todo comenzó a partir de pláticas de cada uno de los personajes y sus mundos distintos. Cientos de fotos e imágenes fueron recabadas para tal efecto, y a partir de ello fue que comenzamos a perfeccionar la apariencia de cada personaje, como parte de la narrativa”, explica.
La instrucción para los atuendos de Elisa provino tanto de su estatus de mujer de clase trabajadora, como también por su tema acuático. “Elisa no es una persona que tenga mucha ropa, así que necesitaba sólo unos cuantos atuendos, pero que fueran muy especiales”, dice Sequeira. “Está en azules y verdes, colores acuosos, la mayor parte del tiempo. Sólo hay un poco de rojo casi al final de la película, que significa un cambio en su resolución”.
Zelda, interpretado por Octavia Spencer, está en colores contrastantes. “Quería hacer un tipo de paleta de fruta amoratada para Octavia, para que se sintiera muy diferente con respecto al personaje de Sally, y también diferente a los demás personajes femeninos de la película”, comenta Sequeira.
El equipo de Sequeira realizó gran parte de la confección, una vez que crearon desde los sombreros de Michael Shannon hasta zapatos, joyas y ropa interior antiguos. “Una de las cosas importantes para Guillermo fue que el guardarropa no sólo tenía que ser preciso, sino que también se viera como si hubiera llevado una vida”, comenta Sequeira.
Para Sequeira, ver su guardarropa en acción en los sets de Austerberry, fue muy alentador y estimulante. “Esa es la belleza del cine —cuando los atuendos se combinan con el cabello, maquillaje, iluminación, sets y los actores, se vuelve algo mágico”, comenta. “De repente, es 1962, sólo que es la versión única de Guillermo del Toro de esa época”.

BAILANDO EN LAS PROFUNDIDADES

Todo el círculo colaborativo de la película —incluyendo al director de fotografía Dan Laustsen, al diseñador de producción Paul Austerberry y al diseñador de vestuario Luis Sequeira— combinó sus energías creativas para una de las secuencias más inusuales de la película: un número de danza y canto, al estilo de la época dorada de Hollywood, que bien pudo haber sido sacado de una película en blanco y negro de la década de los ’40, salvo el hecho de que presenta a una chica de limpieza muda y a una criatura en forma de pez. Al igual que los clásicos musicales de cine, el número está reservado para un momento en el que las emociones estallan más allá de los límites de la convención.
“La criatura solo sabe decir seis palabras y Elisa quiere decirle, ‘nunca sabrás cuánto te quiero’, así que se pregunta cómo se lo podría decir. Es ahí cuando comienza a cantar”, describe del Toro. “Sabía que este era un gran gesto para una película de esta envergadura y necesitábamos distribuir los recursos de manera muy cuidadosa. Así que sólo tuvimos medio día para rodar el número musical”.
En vez de emular los musicales más estáticos que MGM hizo en los ’40, del Toro se fijó en el estilo más fluido y energético de Stanley Donen, famoso por su festiva simbiosis con Gene Kelly en filmes tales como SINGIN’ IN THE RAIN e IT’S ALWAYS FAIR WEATHER. “Donen hizo todos estos barridos con grúas, así que pensé en mezclar la estética de un musical clásico en blanco y negro con estos movimientos. Es una combinación de los dos estilos —y se presenta en un momento de la historia cuando todo está tan mal, que como que rompe esa energía y hace que las cosas fluyan hasta el último pasaje de la película”, explica del Toro.
La escena fue literalmente como un sueño para Hawkins, un sueño que había tenido desde la infancia. “De niña, estaba obsesionada con Fred Astaire y Ginger Rogers”, indica “No veía otra cosa. Pero nunca pensé que algún día llegaría a experimentar ese tipo de magia en el cine. Aun así, aquí estaba viviendo ese sueño, y tuve la oportunidad de usar el vestido más bello y planear por los aires. Honestamente, para el final de la escena, estaba tan feliz que sentí que ya no tenía necesidad de volver a actuar. ¡Pensé en irme a trabajar a una librería el resto de mi vida!”.
Doug Jones estaba un poco desconcertado por un giro tan poco convencional para un personaje no humano, pero sabía que iba a funcionar en manos de del Toro. “Este momento musical cinematográfico es la cosa más inusual que me ha tocado hacer como criatura, pero es una de esas cosas que sólo Guillermo podría lograr”, reflexiona. “No podía esperar a hacer la escena. Sally y yo estábamos un poco aterrados y emocionados, pero eso hizo que nos uniéramos más”.
Rodada a color con iluminación antigua, la secuencia fue procesada más adelante a un blanco y negro de antaño. Mientras tanto, Sequeira estaba feliz por diseñar el vestido clásico de los ’30 para el número musical de ensueño. “Ginger Rogers fue la inspiración, pero después tuvimos que trabajar mucho con la intensidad del color y cómo respondería a la iluminación para maximizar el impacto”, describe.
Del Toro también trajo una orquesta completa para el número, pero indica que no fue lo que estaban esperando. “Me parece que la orquesta quizás pensó que los contrataron para una presentación del infierno, porque llegaron vestidos de esmoquin con sus instrumentos y se acomodaron, y después salen una hombre-pez y una mujer en un vestido de lentejuela, y comienzan a bailar”, dice entre risas, “pero fue un gran día”.

EL SONIDO DEL AGUA: LA MÚSICA

Guillermo del Toro colabora por primera ocasión con el compositor ganador del Oscar® Alexandre Desplat en LA FORMA DEL AGUA —y ambos se sincronizaron de inmediato con respecto a todo lo que la música debía de transmitir en una película donde dos personajes usan todo menos palabras para conectarse entre ellos.
“Esta es quizás la relación más fácil que he tenido con un compositor porque Alexandre entendió la película y su esencia, y su música está completamente imbuida en todo ello”, comenta del Toro. “Un buen compositor fluye con los movimientos de cámara y la emoción del momento —y me pareció que la puntuación de Alexandre de ese par de elementos fue impecable y nunca obvia. Una gran banda sonora le agrega otra capa a la historia, y Alexandre sabe cómo integrar la música con el diálogo, la acción y el diseño de sonido”.
Desplat dice que ver uno de los primeros cortes del filme le llegó a lo más profundo. “Me parece que es una historia de amor bellísima —y sentí que podías transponer esta situación en la película a cualquier tipo de diferencia entre los seres humanos. Pero la parte crucial para mí, desde un punto de vista creativo, es que estaba impactado con la fluidez de la cámara”, recuerda. “La cámara nunca se detiene. Siempre está en movimiento, por lo que te da una sensación acuosa dentro del flujo de la película. No hay nada más inspirador para la música que una narrativa que fluya porque puedes navegar sobre ella. En ese nivel, esta historia fue muy especial”.
Una vez que comenzó a platicar con del Toro, Desplat descubrió que ambos admiran a muchos de los mismos compositores —en especial Nino Rota, quien compuso para los maestros italianos Fellini y Visconti, y George Delerue, quien compuso para Truffaut y Godard, además de haber ganado un Oscar® por A LITTLE ROMANCE, de George Roy Hill. “Fueron compositores que nunca forzaron la emoción”, explica Desplat. “Con sus composiciones siempre intentaron plasmar la verdad y un sentimiento profundo sin excederse. Y fue así como aquí lo abordamos. La música no te está empujando, no te está manipulando. En cambio, escuchas la melodía del corazón palpitante de Elisa y eso fue lo que aquí intentamos conseguir. No es para nada simple, pero la idea es que sea algo sencillo, pero de una manera orgánica”.
Eligieron desarrollar un tema distintivo para cada uno de los personajes principales en un proceso que fue de un lado para el otro. Para Elisa, del Toro siempre escuchó un vals, con su ritmo vivaz uno-dos-tres, y Desplat sugirió el acordeón como una manera vibrante y distintiva de trabajar con esa idea…después, del Toro propuso agregar un silbido. “Siempre pensé que el ritmo y tempo de Elisa sería muy al estilo de un vals”, comenta del Toro. “Pero también sentí que necesitábamos algo más que el acordeón y se me ocurrió, ‘¿por qué no usar un silbido humano?’ Chiflar no se usa lo suficiente en las películas, pero es algo muy humano. Así que lo hicimos”.
Desplat encontró que la instrumentación lo hizo adentrarse todavía más a Elisa y a su fuente de energía vital. “Hay una inocencia que intentamos capturar con su música temática. Es inteligente, pero, de algún modo, es inocente. Le gusta el sexo, pero, al mismo tiempo, busca el amor puro. Así que hay algo ambiguo con respecto a ella, algo romántico y lírico, con lo que fue hermoso jugar en la música”.
El hecho de que sea muda sólo hizo que sus composiciones fueran mucho más significativas. “Con un personaje que no habla, tienes más espacio para maniobrar”, explica Desplat. “Puedes expandir más el sonido y decir cosas con muchos colores distintos en los instrumentos. Hasta cierto punto, puedes ser más platicador de manera musical”.
Para el tema de la criatura, las flautas predominan. “Gran parte de la criatura tiene que ver con la respiración, con el oxígeno o la falta de, así que las flautas me parecían apropiadas para reflejar a la criatura”, comenta del Toro.
Desplat secundó la idea. “Le sugerí que cambiáramos la alineación de la orquesta para contar con 12 flautas —flautas transversales, flautas bajo y flautines— pero sin clarinetes, fagots u oboes. Hay muy pocos metales, sólo en unas cuantas entradas, por lo que son las cuerdas y las flautas las que aportan las virtudes de la fluidez y transparencia que el agua tiene. A eso le agregamos algo de piano, arpa y vibráfono, instrumentos que tienen un atributo aperlado”.
Después, Desplat compuso un tema de amor para la pareja. Del Toro comenta: “Queríamos que el tema de amor fuera muy emotivo, y no artificial desde un punto de vista sentimental, así que es una variación del tema de Elisa”.
Por lo general, del Toro no asiste a las sesiones de grabación, pero en esta ocasión fue distinto. “Alexandre me dijo, ‘Me encantaría que estuvieras ahí para que me digas ‘más emoción’ o ‘menos’’. Y nuestra colaboración fue tan singular, que no me sentí un intruso en el proceso, y que, por el contrario, pude aportar más ideas a él”.
El día en que grabaron la orquesta fue un momento culminante para Desplat. “Me encantó”, dice”. “Fue un gran placer estar en el piso con los músicos y compartir mis ideas y hacer ajustes. Siempre es asombroso escuchar cómo una orquesta toca tu música frente a ti”.
En cuanto a la relación con del Toro, Desplat dice: “Para mí, Guillermo es tanto un artista como un director. Es la manera en la que esas dos cosas se combinan en él lo que hace que su trabajo sea tan mágico”.
Esa combinación inusual es lo que le dio a todo el reparto y al equipo de producción el valor de sumergirse en esta historia submarina, una que tendrá una repercusión turbulenta tanto a nivel cultural como político y personal. Sally Hawkins lo resume “Guillermo tiene una habilidad única para ir directo a la esencia de las cosas. Te sujeta del corazón y no te suelta. Esa es la experiencia que viví al haber hecho la película, y espero que la gente que vea la película viva esa misma experiencia”.

Si te contara de ella, la princesa sin voz, ¿qué te podría decir?
¿Te contaría de la época…? Sucedió hace muchos años, en los últimos días
del reinado de un príncipe justo… ¿O te contaría acerca del lugar?
Una ciudad pequeña cerca de la costa, pero lejos de todo lo demás…
O quizás sólo te advertiría de la verdad de estos hechos y
de la historia de amor y pérdida, y el monstruo que intentó destruirlo todo…

–Giles, LA FORMA DEL AGUA

ACERCA DEL REPARTO

SALLY HAWKINS (Elisa Esposito) es una de las actrices más respetadas del Reino Unido. Su extensa e impresionante obra ha sido elogiada de manera extensa en los Premios de la Academia, Premios BAFTA y Globos de Oro.
Hawkins protagonizó más recientemente el papel protagónico, junto con Ethan Hawke, en MAUDIE, dirigida por Aisling Walsh.
El año pasado vio a Hawkins estelarizar la segunda serie de la muy aclamada “The Hollow Crown”, en la que interpretó a ‘Eleanor, Duquesa de Gloucester’, al lado de Hugh Bonneville, y entre un reparto que también incluía a Benedict Cumberbatch, Judi Dench, Keeley Hawes y Michael Gambon. La miniserie estuvo basada en las obras históricas de Shakespeare.
En el 2014, Hawkins fue vista en la muy exitosa adaptación de la muy querida historia PADDINGTON, original de Michael Bond. En ella, interpretó el papel de la ‘Sra. Brown’, junto a un reparto que incluía a Ben Whishaw, Hugh Bonneville, Nicole Kidman y Julie Walters. También estelarizará la muy esperada secuela.
La actuación de Hawkins en BLUE JASMINE (Jazmín azul) en el 2013, le valió grandes elogios de la crítica y nominaciones al Premio de la Academia, BAFTA y Globo de Oro en la categoría de Mejor Actriz Secundaria. A la postre, ganaría el Premio Empire por su aclamada actuación.
En el 2014, Hawkins protagonizó GODZIILLA, de Gareth Edwards, donde interpretó a ‘Vivienne Graham’, al lado de un reparto encabezado por Aaron Taylor Johnson y Bryan Cranston.
Ese año también vio a Hawkins aparecer en X+Y, que se estrenó en el Festival de Cine de Londres ante críticas fantásticas. El drama de Morgan Matthews contiene un reparto estelar, incluyendo a Rafe Spall, Eddie Marsan y Asa Butterfield. También grabó el programa piloto de “How and Why”, escrito y dirigido por Charlie Kaufman y producido por FX.
Hawkins obtuvo éxito internacional por HAPPY GO LUCKY (La dulce vida), de Mike Leigh. Por su interpretación de la juguetona ‘Poppy’ obtuvo un Globo de Oro, así como otros doce premios y nominaciones prestigiosos. En el 2010, el papel protagónico de Hawkins de ‘Rita O’Grady’ en MADE IN DAGENHAM, del director Nigel Cole (CALENDAR GIRLS), también le valió una nominación en la categoría de Mejor Actriz en los Premios British Independent Film, mientras que la película recibió cuatro nominaciones para el BAFTA, cuatro nominaciones al BIFA y una nominación en los Premios del London Critics’ Circle Film (Círculo de críticos de cine de Londres).
En el 2011, Hawkins estuvo involucrada en numerosas películas aclamadas. En NEVER LET ME GO (Nunca me abandones) interpretó el papel de ‘Miss Lucy’, al lado de Carey Mulligan, Andrew Garfield y Keira Knightley. De igual manera, también fue vista en la ópera prima de Richard Ayoade, SUBMARINE, con Yasmin Paige, Craig Roberts y Paddy Considine, además de haber interpretado a ‘Marylin’ en DESERT FLOWER, de Sherry Horman.
El repertorio de filmes adicionales de Hawkins incluye títulos aún más impresionantes. Apareció en el thriller cómico IT’S A WONDERFUL AFTERLIFE, de Gurinder Chadha (BEND IT LIKE BECKHAM). Ese mismo año, protagonizó HAPPY EVER AFTERS, una comedia al lado de Tom Riley. En el 2008, también tuvo un papel, junto a Carey Mulligan, en AN EDUCATION (Enseñanza de vida), película ganadora del BAFTA y nominada al Oscar, y protagonizó LOVE BIRDS, dirigida por Paul Murphy. Sus otros créditos cinematográficos anteriores incluyen CASSANDRA’S DREAM (Los inquebrantables), de Woody Allen, LAYER CAKE (No todo es lo que parece), de Matthew Vaughan, ALL OR NOTHING y VERA DRAKE, esta última nominada a tres Premios Oscar®, dirigidas ambas por Mike Leigh.
En la adaptación cinematográfica del clásico de Charles Dickens GREAT EXPECTATIONS, dirigida por Mike Newell, Hawkins interpretó a la ‘Sra. Joe’, mientras compartió créditos con Ralph Fiennes, Helena Bonham Carter y Holliday Grainger. También protagonizó la comedia LUCKY DOG, al lado de Paul Giamatti y Paul Rudd.
Hawkins también ha trabajado en múltiples y notables dramas de televisión. En el 2006, interpretó a ‘Anne Elliot’ en la adaptación de ITV de “Persuasion”, que le valió a ella un Premio Golden Nymph a Mejor Actriz en el Festival de Cine de Montecarlo, además de haber obtenido el Premio Royal Television Society. Ese mismo año, protagonizó “Shiny Shiny Bright New Hole In My Heart”, para la BBC2. También tuvo un papel recurrente en tres series de la exitosa comedia “Little Britain”, para la BBC. En el 2005, interpretó el papel protagónico en el programa criminal de época “Fingersmith”, que fue nominado para tres Premios BAFTA. Sus otros créditos en televisión incluyen “Byron” (BBC), “Tipping the Velvet” (BBC), “20,000 Streets Under the Sky” (BBC) y “Man to Man”, con Dean Learner (BBC).
Hawkins también tiene antecedentes vastos en el teatro. Más recientemente, fue vista en escena en Constellations, de Nick Payne, obra nominada al Premio Olivier y que se mudó al West End después de haberse estrenado en The Royal Court. Ha actuado en el teatro Royal York, en el papel de ‘Julieta’, en Romeo y Julieta, y también actuó tanto en Much Ado About Nothing como en A Midsummer Night’s Dream (en las que interpretó papeles protagónicos; ‘Hero’ y ‘Hermia’, respectivamente) en el prestigioso teatro Park Open Ai, de Regent. También tuvo un papel en The Wintering y en Country Music, ambas en el teatro Royal Court. Hawkins interpretó a Adela en la producción de Howard Davies de House of Bernarda Alba en el National Theatre. Su corrida en Broadway, que representó su debut en este afamado circuito, la terminó con el reestreno del teatro Roundabout de la obra Mrs. Warren’s Profession, donde actuó al lado de Cherry Jones.

El actor nominado al Premio de la Academia®, Globo de Oro® y Premio Tony® MICHAEL SHANNON (Richard Strickland) continúa dejando huella en el entretenimiento, al trabajar con el talento más respetado de la industria y actuando en teatros notables de todo el mundo.
Shannon fue visto más recientemente en WOLVES, de Bart Freundlich, al lado de Carla Gugino. Shannon también puede ser visto en el thriller SALT AND FIRE, de Werner Herzog, junto a Gael García Bernal y Veronica Ferras.
Más tarde este año, Shannon será visto en THE CURRENT WAR, de Alfonso Gomez-Rejon, junto a Benedict Cumberbatch. La película será distribuida por The Weinstein Company y su estreno está programado para el 22 de diciembre de 2017.
Además, en el 2017, Shannon será visto en POTTERSVILLE, de Seth Henrikson, junto a Thomas Lennon y Judy Greer. Shannon también aparecerá en STATE LIKE SLEEP, de Meredith Danluck, al lado de Katherine Waterson.
El próximo año, Shannon podrá ser visto en HORSE SOLDIERS de Nicolai Fuglsig, junto a Chris Hemsworth.
En la actualidad, Shannon se encuentra en la producción del drama WHAT THEY HAD, de la escritora-directora Elizabeth Chomko, donde comparte créditos con Hilary Swank. Más adelante, Shannon comenzará a trabajar en “Waco”, al lado de Taylor Kitsch, una miniserie que explorará la antesala y narración de los eventos reales del asedio de dos meses entre el FBI, el ATF y la secta de David Koresh en Waco, Texas. Escrita y dirigida por John Erick Dowdle y Drew Dowdle, Shannon funge como coproductor ejecutivo del proyecto.
En el 2016, Shannon fue visto en NOCTURNAL ANIMALS (Animales nocturnos), de Tom Ford, una adaptación de la novela Tony and Susan, escrita por Austin Wright en 1993, donde actuó al lado de Jake Gyllenhaal, Amy Adams y Aaron Taylor Johnson. Por su actuación, Shannon recibió una nominación al Premio de la Academia® y al Critics Choice®. A principios de ese año, Shannon se anotó su quinta colaboración con el director Jeff Nichols, con una aparición breve en su drama LOVING (El matrimonio Loving), y protagonizó el thriller de ciencia ficción MIDNIGHT SPECIAL. Las colaboraciones previas de Shannon con Nichols incluyen TAKE SHELTER (Atormentado), por la que recibió en el 2011 una nominación el Premio Film Independent Spirit a Mejor Actor; así como los filmes MUD (El niño y el fugitivo) y SHOTGUN STORIES.
Más notablemente, Shannon recibió elogios de la crítica por su papel secundario nominado al Oscar® en REVOLUTIONARY ROAD (Sólo un sueño), donde interpretó a ‘John Givings’, el hijo del vecino que sufre de trastornos psicológicos. Dirigida por Sam Mendes y adaptada por Justin Haythe, Shannon actuó al lado de Leonardo DiCaprio, Kate Winslet y Kathy Bates. A la postre recibiría elogios adicionales por el drama oportuno 99 HOMES, de Ramin Bahrani, coprotagonizada por Andrew Garfield. Por su actuación, fue nominado para un Globo de Oro®, Screen Actors Guild®, Critics’ Choice®, Premio Gotham® y el Premio Film Independent Spirit.
Con más de cuarenta papeles en cine, los créditos de Shannon incluyen FRANK & LOLA, de Matthew M. Ross; COMPLETE UNKNOWN, de Joshua
Marston; ELVIS & NIXON, de Liza Johnson; THE NIGHT BEFORE, de Jonathan Levine; FREEHELD (No sin ella), de Peter Sollett; THE HARVEST, de John McNaughton; THE YOUNG ONES, de Jake Paltrow; MAN OF STEEL (El hombre de acero), de Zack Snyder; THE ICEMAN, de Ariel Vromen; PREMIUM RUSH (La entrega inmediata), de David Koepp; RETURN, de Liza Johnson; MACHINE GUN PREACHER (El soldado de Dios), de Marc Forster; THE RUNAWAYS, de Floria Sigismondi; MY SON, MY SON, WHAT HAVE YE
DONE y BAD LIEUTENANT (Enemigo interno), ambas de Werner Herzog; BEFORE THE DEVIL KNOWS YOU’RE DEAD (Antes que el diablo sepa que has muerto), de Sydney Lumet; WORLD TRADE CENTER (Las torres gemelas), de Oliver Stone; BUG (In-sectos), de William Friedkin; LUCKY YOU, de Curtis Hanson; BAD BOYS II (Dos policías rebeldes 2), de Michael Bay; 8 MILE (8 Mile: Calle de ilusiones), de Curtis Hanson; KANGAROO JACK, de David McNally, VANILLA SKY, de Cameron Crowe; PEARL HARBOR, de Michael Bay; CECIL B. DEMENTED, de John Waters; THE MISSING PERSON, de Noah Buschel, y THE GREATEST, de Shana Feste. En televisión, los créditos de Shannon incluyen la serie de Martin Scorsese “Boardwalk Empire”, para HBO, que recién completo su quinta y última temporada.
Afuera de sus papeles en pantalla, Shannon mantiene un vínculo fuerte con el teatro. En el 2016, Shannon fue visto en Broadway al lado de Jessica Lange, Gabriel Byrne y John Gallagher Jr. en Long Day’s Journey into Night. Producida por la compañía teatral Roundabout y dirigida por Jonathan Kent, el reestreno del emblemático drama que Eugene O’Neill escribió en 1956 llevó a Shannon a obtener una nominación al Tony® a Actor Secundario, así como un Premio Drama Desk, en el 2016, a ‘Actor Sobresaliente en una Obra’.
Previo a ello, Shannon apareció junto a Paul Rudd, Ed Asner y Kate Arrington en Grace en el teatro Cort, por la que fue nominado en el 2013 al Premio Drama League a Actuación Distinguida. Shannon también encabezó la obra fuera-de-Broadway Mistakes Were Made, de Craig Wright, en el teatro Barrow Street. Dirigida por Dexter Bullard, Shannon interpretó a ‘Felix Artifex’. En el 2009, el estreno mundial de la obra se dio en el teatro Red Orchid, de Chicago, con el mismo reparto y director. La aclamada producción también le valió a Shannon numerosos reconocimientos, incluyendo una nominación al Premio Lortel a Actor Protagónico Sobresaliente, una nominación al Premio Drama Desk a Actor Sobresaliente, una nominación al Premio Outer Critics a Actuación Solista Sobresaliente y una nominación al Drama League a Actuación Distinguida.
Créditos teatrales adicionales incluyen Pilgrim’s Progress (teatro A Red Orchid), Uncle Vanya (teatro Soho Rep), Our Town (teatro Barrow Street), Lady (teatro Rattlestick), The Metal Children (teatro Vineyard), The Little Flower of East Orange (Public Theatre), The Pillowman (teatro Steppenwolf), Bug (teatro Barrow Street, teatro Red Orchid y teatro Gate), Man From Nebraska (teatro Steppenwolf), Mr.
Kolpert (teatro Red Orchid), Killer Joe (SoHo Playhouse, teatro Next Lab y teatro Vaudeville), The
Idiot (teatro Lookingglass), The Killer (teatro Red Orchid) y Woyzeck (teatro Gate).
Shannon creció en Lexington, Kentucky, y comenzó su carrera profesional en teatro en Chicago, Illinois.

El actor nominado al Premio de la Academia RICHARD JENKINS (Giles) es uno de los actores de carácter más buscados, al haber aparecido en más de 80 filmes.
En el 2016, Jenkins fue visto en THE HOLLARS, de John Krasinski, al lado de Margo Martindale, por la que ambos ganaron un premio AARP a Mejor Historia de Amor de Adultos. Por su trabajo en BONE TOMAHAWK, de Craig Zahler, fue nominado recientemente a un Premio Independent Spirit.
Sus notables créditos cinematográficos incluyen THE VISITOR, por la que recibió una nominación al Oscar® a Mejor Actor, THE WITCHES OF EASTWICK (Las brujas de Eastwick), WHITE HOUSE DOWN (La caída de la Casa Blanca), STEP BROTHERS (Hermanastros), KILLING THEM SOFTLY (Mátalos suavemente), EAT PRAY LOVE (Comer rezar amar), CABIN IN THE WOODS (La cabaña del terror), JACK REACHER (Jack Reacher: Bajo la mira), FLIRTING WITH DISASTER, NORTH COUNTRY (Tierra fría), BURN AFTER READING (Quémese después de leerse), THERE’S SOMETHING ABOUT MARY (Loco por Mary), RANDOM HEARTS (Juegos del destino) y THE MAN WHO WASN’T THERE (El hombre que nunca estuvo).
En la actualidad, Jenkins se encuentra rodando la segunda temporada de “Berlin Station” para Epix. Protagonizó el aclamado programa de televisión “Olive Kitteridge”, por el que recibió un Emmy a Actor Sobresaliente en una Serie Limitada, además de haber interpretado a Nathaniel en “Six Feet Under”.

Si bien es famoso por trabajar con prótesis en papeles cinematográficos icónicos, DOUG JONES (Hombre anfibio) es también un actor de carácter versátil que ha actuado como “sí mismo” como actor invitado en programas como “Arrow”, “The Flash”, “Teen Wolf”, “Z-Nation”, “The Neighbors”, “Criminal Minds”, “C.S.I.” y la antología de terror “Fear Itself”, para NBC. Un veterano de más de 100 comerciales, Jones fue ‘Mac Tonight’, el pianista con cabeza de luna en la perdurable campaña de McDonald’s de la década de los ’90. También interpretó al villano principal en Hush, un episodio ganador del Emmy de “Buffy the Vampire Slayer”, considerado desde hace mucho tiempo como uno de los programas favoritos de los aficionados. Jones también es un juez invitado que aparece regularmente en el exitoso reality show “Face Off”, para Sy Fy Net.
En el 2005, interpretó el papel que le da nombre al título en la película fantástica de terror nominada al Oscar PAN’S LABYRINTH (El laberinto del Fauno), de Guillermo del Toro. Además de haber interpretado al Fauno, apareció como el personaje de las pesadillas conocido como The Pale Man. Pero fue su sensible y elegante interpretación de Abe Sapien en el éxito taquillero HELLBOY, de del Toro, que llevó el singular trabajo de Jones a una audiencia más amplia. A la postre, le prestaría su voz a ese mismo personaje para las series animadas nominadas al Emmy HELLBOY: SWORD OF STORMS y HELLBOY: BLOOD AND IRON, para Cartoon Network. En el 2007, la actuación de Jones como el papel del título en FANTASTIC FOUR: THE RISE OF THE SILVER SURFER (Los cuatro fantásticos y Silver Surfer) fue elogiada tanto por los aficionados como por la crítica. El 2008 vio a Jones repetir su papel protagónico, así como otros dos personajes, en HELLBOY II: THE GOLDEN ARMY (Hellboy 2: El ejército dorado), una vez más bajo la dirección de del Toro. También estelarizó GAINSBOURG, una película biográfica estilizada del famoso poeta/cantante/compositor Serge Gainsbourg, en la que interpreta al alter ego sombrío de Gainsbourg. La película ganó tres Premios César (el equivalente francés al Premio Oscar). Jones también ha interpretado papeles de criaturas prominentes en CRIMSON PEAK (La cumbre escarlata), THE WATCH (Vecinos cercanos del 3er tipo), THE BYE BYE MAN (Nunca digas su nombre), ALWAYS WATCHING: A MARBLE HORNETS STORY, LEGION (Legión de ángeles) y muchas otras.
Durante tres temporadas, Jones tuvo un papel periódico en la serie de ciencia ficción “Falling Skies”, producida por Steven Spielberg para TNT, y en la actualidad tiene un papel recurrente en la serie “The Strain”, producida por Guillermo del Toro, para FX.

Desde hace mucho tiempo, MICHAEL STUHLBARG (Dr. Robert Hoffstetler) ha sido un actor elogiado en el mundo teatral de Nueva York, pero no fue sino hasta que interpretó a Larry Gopnik, el papel protagónico en A SERIOUS MAN (Un hombre serio), de los hermanos Coen, que obtuvo reconocimiento considerable de la comunidad cinematográfica, incluyendo una nominación al Globo de Oro® a Mejor Actor en una Película.
Los proyectos recientes de Stuhlbarg incluyen MISS SLOANE (Sola contra el poder), con Jessica Chastain, CALL ME BY YOUR NAME, de Luca Guadagnino, y DR. STRANGE (Doctor Strange: Hechicero supremo), para Marvel. Interpretó el papel del jefe de la mafia neoyorquina Arnold Rothstein en la premiada serie “Boardwalk Empire”, para HBO, y ha tenido un papel recurrente en la serie “Transparent”, para Amazon.
Los otros créditos cinematográficos de Stuhlbarg incluyen: ARRIVAL (La llegada), de Denis Villeneuve; JOBS, dirigida por Danny Boyle; TRUMBO, con Bryan Cranston; MILES AHEAD, con Don Cheadle; PAWN SACRIFICE (La jugada maestra), de Edward Zwick; LINCOLN, de Steven Spielberg; BLUE JASMINE (Jazmín azul), de Woody Allen; CUT BANK; HITCHCOCK; MEN IN BLACK 3 (Hombres de negro 3); HUGO (La invención de Hugo Cabret), de Martin Scorsese; BODY OF LIES (Red de mentiras), de Ridley Scott; THE GREY ZONE, de Tim Blake Nelson; COLD SOULS, de Sophie Barthes; y THE KEY TO RESERVA, un cortometraje de Martin Scorsese para rendirle homenaje a Alfred Hitchcock.
En el 2005, Stuhlbarg recibió una nominación al Premio Tony y un Premio Drama Desk por su actuación en The Pillowman, de Martin McDonagh. También ha sido reconocido con el Premio a Mejor Actor New Dramatists Charles Bowden y el Premio Teatral de Boston Elliot Norton, este último por su actuación en Long Day’s Journey into Night. Los otros créditos del actor en Broadway incluyen las producciones del teatro National Actors de Saint Joan, Three Men on a Horse, Timon of Athens y The Government Inspector; Taking Sides, de Ronald Harwood; el reestreno de Cabaret, de Sam Mendes; y The Invention of Love, original de Tom Stoppard.
Stuhlbarg también ha trabajado en numerosas ocasiones con el New York Shakespeare Festival. Sus aclamados créditos incluyen el papel de ‘Sir Andrew Aguecheek’ en Twelfth Night, el papel del título en Richard II, y a ‘Hamlet’ en la producción de Oskar Eustis de la famosa tragedia, por la que obtuvo un Premio Drama League.
Otros créditos fuera-de-Broadway incluyen la puesta en escena de David Warren de The Voysey Inheritance, por la que recibió el Premio Obie y el Premio Callaway, así como una nominación al Premio Lucille Lortel; Cymbeline, donde repitió su papel en una corrida de la producción en el Reino Unido; Old Wicked Songs (ganadora del Premio Drama League); Measure For Pleasure (nominación al Premio Lucille Lortel); y The Grey Zone.
Stuhlbarg obtuvo una licenciatura en Bellas Artes de la Escuela Juilliard. También estudió en UCLA; en el Conservatorio Vilnius, en la unidad de Estudios de Chekhov, en Lituania; en la Academia Británico-Americana de Teatro en Baliol; y en la Facultad Keble en Oxford. De igual manera, estudió con una beca completa con el actor y mimo francés Marcel Marceau.

Una actriz de carácter veterana y uno de los talentos más buscados de Hollywood, Octavia Spencer (Zelda Fuller) se ha convertido en una presencia familiar tanto en cine como en televisión. Su aclamada actuación como Minny en el largometraje THE HELP (Historias cruzadas), para DreamWorks, le valió en el 2012 el Premio de la Academia, el Premio BAFTA, el Globo de Oro, el Premio SAG y el Premio Broadcast Film Critic’s Choice, entre numerosos reconocimientos.
Octavia fue vista más recientemente en el drama nominado al Premio de la Academia HIDDEN FIGURES (Talentos ocultos), al lado de Taraji P. Henson, Janelle Monáe y Kevin Costner. Hasta la fecha, la actuación de Octavia como Dorothy Vaughan le valió nominaciones al Premio de la Academia, SAG, Globo de Oro y Premio NAACP. También puede ser vista en THE SHACK, una película basada en el best-seller homónimo. De igual manera, coprotagonizó el drama GIFTED (Un don excepcional), de Marc Webb, al lado de Chris Evans y Jenny Slate.
Spencer terminó de rodar recientemente SMALL TOWN CRIME, escrita y dirigida por Eshom e Ian Nelms, donde también actúan John Hawkes y Anthony Anderson.
El año pasado, Spencer repitió su papel como Johanna en ALLEGIANT (La serie Divergente: Leal), la tercera parte de la muy exitosa franquicia de la serie de DIVERGENT, para Lionsgate. También prestó su voz para el personaje de la Sra. Otterton en la película animada ZOOTOPIA, para Disney, una de las películas del año que más rápido recuperó su inversión en taquilla. El otoño pasado coprotagonizó con Elisabeth Moss y Boyd Holbrook THE FREE WORLD, un drama que se centra en un ex convicto liberado recientemente que se involucra con una mujer casada con un marido abusivo, que se estrenó en el Festival de Cine de Sundance en el 2016; el drama FATHERS AND DAUGHTERS (Lo mejor de mi vida), con Quvenzhané Wallis, Diane Kruger, Russell Crowe, Amanda Seyfried y Aaron Paul; y THE GREAT GILLY HOPKINS, adaptación de la novela para adultos jóvenes ganadora del Premio Newberry, original de Katherine Peterson. Octavia también repitió su papel como Opal en BAD SANTA 2 (Un santa no tan santo 2), de Mark Waters, al lado de Billy Bob Thornton y Kathy Bates.
En el 2014, Spencer coprotagonizó al lado de Kevin Costner el drama BLACK OR WHITE (Donde el corazón te lleva), que se estrenó en el 2014 en el Festival de Cine de Toronto ante críticas entusiastas. Previo a ello, Spencer coprotagonizó GET ON UP, de Tate Taylor, una crónica del ascenso a la fama del músico James Brown, que también fue protagonizada por Viola Davis y Chadwick Boseman, y la película de ciencia ficción, acción y aventuras SNOWPIERCER (El expreso del miedo), junto a Tilda Swinton y Chris Evans. Dirigida por Bong Joon-ho, el filme sigue a un tren que transporta a los habitantes restantes de la tierra, después de que un experimento para cambiar el clima acabó con el resto de la población, y el sistema de clases que surge a raíz de ello. En el 2013, Spencer fue vista en el drama independiente FRUITVALE STATION, que narra las últimas horas de la vida de Oscar Grant, un joven cuya muerte provocó indignación nacional después de que se publicó el video de su asesinato en Año Nuevo de 2009. FRUITVALE STATION ganó varios premios prestigiosos, incluyendo el Gran Premio del Jurado y el Premio del Público en la categoría ‘Película Dramática de los EE. UU.’ en el Festival de Cine de Sundance, en el 2013, y el Premio Un Certain Regard for Prix de l’avenir en el Festival de Cine de Cannes (2013), además de haber sido nombrada una de las Películas del Año por el AFI y haber recibido nominaciones en los Premios Spirit y NAACP Image, en el 2014. Por su actuación en el filme, a Spencer se le otorgó el premio a Mejor Actriz Secundaria por parte de la National Board of Review, y recibió una nominación individual en los Premios NAACP Image. También fungió como productora de la película.
Créditos cinematográficos adicionales incluyen el debut como directora de Diablo Cody, PARADISE, al lado de Russell Brand y Julianne Hough; SMASHED, película independiente que se estrenó en el Festival de Cine de Sundance en el 2012; el segmento que dirigió Bryce Dallas Howard de CALL ME CRAZY: A FIVE FILM, una antología de cinco cortometrajes que se centran en varias historias de enfermedades mentales; así como BLUES FOR WILLADEAN; FLY PAPER; PEEP WORLD; DINNER FOR SCHMUCKS (Una cena para tontos); SMALL TOWN SATURDAY NIGHT; HERPES BOY; HALLOWEEN II; THE SOLOIST (El solista), DRAG ME TO HELL (Arrástrame al infierno); SEVEN POUNDS (Siete almas); PRETTY UGLY PEOPLE; COACH CARTER (El juego de honor); CHARM SCHOOL; WIN A DATE WITH TAD HAMILTON; BAD SANTA; SPIDERMAN (El hombre araña); BIG MOMMA’S HOUSE (Mi abuela es un peligro); BEING JOHN MALKOVICH (¿Quieres ser John Malkovich?); NEVER BEEN KISSED (Jamás besada) y A TIME TO KILL (Tiempo de matar). En el 2009, Spencer dirigió y produjo un cortometraje titulado THE CAPTAIN, que resultó finalista para el codiciado Premio de la Poetry Foundation en el Festival Internacional de Cine Infantil de Chicago.
Spencer fue vista recientemente como actriz invitada en la temporada más reciente de la serie “Mom”, para CBS; una comedia que se centra en una madre que ha recobrado la sobriedad y que intenta hacer que su vida vuelva a cobrar sentido. Además, hizo una memorable aparición como actriz invitada en la última temporada de “30 Rock”, protagonizó la serie “Halfway Home”, para Comedy Central, y actuó un arco de cinco episodios como el personaje de ‘Constance Grady’ en la exitosa serie “Ugly Betty”. Spencer ha sido vista como actriz invitada en programas que incluyen “The Big Bang Theory”, “E.R.”, “CSI”, “CSI: NY”, “Raising The Bar”, “Medium” y “NYPD Blue”.
Entre sus múltiples logros profesionales, Spencer también ha sido coautora de series de misterio infantiles interactivas tituladas Randi Rhodes, Ninja Detective. El primer libro de la serie, Randi Rhodes, Ninja Detective: The Case of the Time-Capsule Bandit, fue publicado por Simon & Schuster Children’s Publishing en otoño de 2013, y el segundo libro, Randi Rhodes, Ninja Detective: Sweetest Heist in History, lo puedes encontrar actualmente en librerías.
ACERCA DE LOS REALIZADORES

GUILERMO DEL TORO, p.g.a. (Dirigida por, Escrita por, Historia de, Producida por) se encuentra entre los artistas más creativos y visionarios de su generación, cuyo estilo distintivo se ha exhibido a lo largo de su trabajo como realizador, guionista, productor y autor. Nacido en Guadalajara, México, del Toro obtuvo por primera vez reconocimiento mundial por la coproducción México-EE. UU. CRONOS (1993), una película de terror sobrenatural, que dirigió a partir de un guión suyo, después de haber comenzado su carrera trabajando como maquillador de efectos especiales. Sus filmes subsiguientes incluyen MIMIC, THE DEVIL’S BACKBONE (El espinazo del diablo), HELLBOY, PAN’S LABYRINTH (El laberinto del fauno), HELLBOY II: THE GOLDEN ARMY (Hellboy 2: El ejército dorado), PACIFIC RIM (Titanes del pacífico) y CRIMSON PEAK (La cumbre escarlata). En el 2006, Del Toro recibió elogios internacionales como director, escritor y productor del drama fantástico PAN’S LABYRINTH. Por la película, fue honrado con una nominación al Oscar por su guión original, que, además, obtuvo Premios de la Academia al Diseño de Producción, Fotografía y Maquillaje. En total, la película recibió más de 40 premios internacionales y apareció en más de 35 listas de críticos de las mejores películas del año.

VANESSA TAYLOR (Escrita por), co-creadora del programa “Jack and Bobby”, también escribió para “Alias”, y media docena de otros programas, más recientemente para “Game of Thrones”. También escribió los largometrajes HOPE SPRINGS (¿Qué voy a hacer con mi marido?) y DIVERGENT (Divergente).

J. MILES DALE, p.g.a. (Producida por) es un productor y director prolífico con una carrera que abarca más de 30 años.
Más recientemente, fungió como productor ejecutivo y director principal de las cuatro temporadas de la popular serie “The Strain”, creada por Guillermo del Toro, para FX Network. Comenzó su sociedad con del Toro para producir el exitoso thriller sobrenatural MAMA (Mamá), protagonizado por Jessica Chastain, actriz nominada en dos ocasiones al Premio de la Academia.
Los créditos de Dale incluyen la aclamada nueva versión de CARRIE, protagonizada por la ganadora del Oscar® Julianne Moore, el exitazo taquillero THE VOW (Votos de amor), con la nominada al Oscar® Rachel McAdams y Channing Tatum, y la película de terror y ciencia ficción THE THING (La cosa del otro mundo), para Universal Pictures.
Produjo el clásico de culto SCOTT PILGRIM VS. THE WORLD (Scott Pilgrim vs. los ex de la chica de sus sueños), la exitosa comedia HAROLD & KUMAR GO TO WHITE CASTLE (Harold y Kumar – Aventura nocturna), para New Line, la aclamada FLASH OF GENIUS, protagonizada por el nominado al Oscar® Greg Kinnear, y HOLLYWOODLAND, para Focus Features, que recibió una nominación al Globo de Oro por la actuación de Ben Affleck.
En el 2002, Dale hizo su debut como director de cine con THE SKULLS III, para Universal, y ha dirigido episodios para una variedad de series de televisión, incluyendo The Strain, y la exitosa serie “Shadowhunters”, para ABC Family/Freeform, que fue nominada recientemente a Programa Favorito de Cable de Ciencia Ficción/Fantasía en los Premios People’s Choice.
Los créditos en televisión de Dale incluyen “RoboCop: The Series”, nominada al Premio Gemini, “Friday The 13th: The Series”, nominada al Emmy, y el aclamado telefilme “All-American Girl: The Mary Kay Letourneau Story”.

DAN LAUSTSEN, DFF (Director de Fotografía) ha fotografiado más de 40 largometrajes, telefilmes y documentales, tanto en su natal Dinamarca como a escala internacional, y por su trabajo ha recibido en tres ocasiones el Premio Robert (los Premios de la Academia daneses) a Mejor Fotografía, siendo uno de ellos I AM DINA, dirigida por Ole Bornedal, con quien colaboró a la postre en los filmes SMALL TOWN KILLERS, JUST ANOTHER LOVE STORY, y la épica serie de televisión danesa “1864”. Por su trabajo en el drama de tiempos de guerra SIMON AND THE OAKS, de Lisa Ohlin, fue nominado para el Premio de la Academia Sueca (Guldbagge) a Mejor Fotografía, además de haber trabajado con la directora más adelante en la serie británica de televisión “Wallander”.
Los otros créditos notables de Laustsen incluyen las películas de terror THE POSSESSION (Posesión satánica), SILENT HILL (Terror en Silent Hill) y WIND CHILL (Escalofrío), así como la arriesgada THE LEAGUE OF EXTRAORDINARY GENTLEMEN (La liga extraordinaria) y SOLOMON KANE. Recientemente, fotografió el thriller de acción JOHN WICK: CHAPTER 2 (John Wick 2: Un nuevo día para matar), protagonizada por Keanu Reeves, para Lionsgate.
Laustsen estudió foto fija y fue fotógrafo de modas antes de haber estudiado en la Escuela de Cine Danesa, y fotografiar su primer largometraje a los 25 años. Los dailies de su primera película estadounidense, NIGHTWATCH (una nueva versión en habla inglesa de la película danesa también fotografiada por Laustsen), para Miramax, llamaron la atención del director Guillermo del Toro, quien a la postre lo contrató para fotografiar MIMIC.
LA FORMA DEL AGUA representa la tercera colaboración de Laustsen con del Toro, después de MIMIC y CRIMSON PEAK.

PAUL DENHAM AUSTERBERRY (Diseñador de Producción) ha diseñado de manera extensa para cine y televisión, siendo uno de sus trabajos más recientes la película SHUT IN (Presencia siniestra), protagonizada por Naomi Watts, además de haber desarrollado los diseños para la venidera PACIFIC RIM 2: MAELSTROM. Otros créditos recientes incluyen LEN AND COMPANY, protagonizada por Rhys Ifans, POMPEII (Pompeya), estelarizada por Kit Harington y Kiefer Sutherland, la película internacional LIBERTADOR, protagonizada por Edgar Ramírez, DEADFALL (Atrapados), con Eric Bana y Olivia Wilde en los papeles protagónicos, THE THREE MUSKETEERS (Los tres mosqueteros), estelarizada por Logan Lerman, Orlando Bloom y Christoph Waltz, TWILIGHT SAGA: ECLIPSE (Crepúsculo, La Saga: Eclipse), protagonizada por Kristen Stewart y Robert Pattinson, AMELIA, con Hilary Swank en el papel que le da nombre al título, y DEATHRACE, con Jason Statham como protagonista.
Sus créditos adicionales como diseñador de producción incluyen largometrajes tales como 30 DAYS OF NIGHT (30 días de noche), protagonizada por Josh Hartnett, TAKE THE LEAD, estelarizada por Antonio Banderas, ASSAULT ON PRECINCT 13, con Ethan Hawke y Lawrence Fishburne en los papeles principales, RESIDENT EVIL: APOCALYPSE, con Milla Jovovich, HIGHWAYMEN, protagonizada por James Caviezel, THE TUXEDO (El Smoking), con Jackie Chan y Jennifer Love Hewitt, EXIT WOUNDS, estelarizada por Steven Seagal, la película canadiense MEN WITH BROOMS y MERCY, con Ellen Barkin y Julian Sands en los papeles protagónicos.
Como director de arte, los créditos de Austerberry incluyen X-MEN, FOREVER MINE, THE CORRUPTER (El corruptor), HALF BAKED, THE REAL BLONDE (Una rubia de verdad), EXTREME MEASURES, HARRIET THE SPY y KIDS IN THE HALL: BRAIN CANDY.
Austerberry ganó el Premio Canadian Screen al Logro en Dirección de arte/Diseño de producción por su trabajo en el diseño de POMPEII, y, en televisión, obtuvo un Premio Gemini canadiense por su trabajo en el diseño del especial musical “Inspired by Bach”.
Oriundo de Toronto, Austerberry estudió arquitectura en la Universidad de Carleton en Ottawa. Después de su graduación, trabajó durante dos años como arquitecto, diseñando pequeños proyectos comerciales y residenciales, antes de haber hecho la transición al diseño en cine. En su tiempo libre, Austerberry disfruta viajar y ha visitado más de 50 países.

DANIEL KRAUS (Productor asociado) apareció en la lista de los Mejores 10 Libros del 2015 (The Death and Life of Zebulon Finch) de Entertainment Weekly, ganó dos Premios Odyssey (Rotters y Scowler), y fue elegido para el Library Guild, además de haber ganado el Premio Parent’s Choice, el premio YALSA a Mejor Ficción para Adultos Jóvenes y haber sido finalista del Premio Bram Stoker, entre otros reconocimientos. Sus novelas han sido traducidas a más de 15 idiomas.
Con Guillermo del Toro, Kraus coescribió Trollhunters, adaptada para la serie animada ganadora del Emmy, que se transmitió por Netfliz. Kraus y del Toro también fueron co-creadores de The Shape of Water, cuya versión cinematográfica será estrenada en cines en diciembre de 2017.

SIDNEY WOLINSKY, ACE (Editor) se graduó de la Universidad de Brandeis y obtuvo una maestría en cine de la Universidad Estatal de San Francisco. Fue editor de “The Sopranos”, “Rome”, “Ray Donovan”, “House of Cards” y de la película NOT FADE AWAY, de David Chase. También editó los programas piloto para “Sons of Anarchy”, “Blue Bloods”, “Boardwalk Empire”, “Ray Donovan”, “The Strain” y “Extant”. Obtuvo dos Premios Eddie por su trabajo en “The Sopranos” y un Emmy por el programa piloto para “Boardwalk Empire”. Wolinsky acaba de terminar la tercera temporada de “Power”.

Fundador Mr. X Inc., DENNIS BERARDI (Supervisor de efectos visuales) es un visionario destacado en la industria de los efectos visuales. Con casi tres décadas de experiencia, Berardi es un realizador apasionado y una persona que siempre aporta soluciones creativas. Su dedicación inquebrantable por su oficio se ve claramente reflejada en la calidad de su trabajo en su estudio. Mr. X entrelaza de manera imperceptible la narrativa visual con tecnología de clase mundial, gracias a una infraestructura colaborativa de productores, supervisores y artistas excepcionales.
Desde sus innovadores inicios con IMAX y con el National Film Board of Canada, Berardi trabajó de manera estrecha para integrar sistemas de imagen digital revolucionaros tanto para películas de acción en vivo como animadas. Como resultado, Berardi emergió como el precursor y experto indicado dentro del campo de la animación por computadora. Después de fundar el departamento de efectos visuales en Command Post Toybox, fungió como jefe de efectos visuales para películas de un alto impacto visual, tales como THE CELL (La célula), de Tarsem Singh, y FIGHT CLUB (El club de la pelea), de David Fincher.
En el 2001, Berardi fundó Mr. X Inc. Ahora respetado y reconocido en todo el mundo, el estudio ha crecido de ser un pequeño taller de ocho personas a una empresa mundial. Con más de cuatrocientas personas empleadas en la actualidad en sus estudios de Toronto, Nueva York, Montreal y Los Ángeles, Mr. X tiene en su haber más de cien créditos cinematográficos. A lo largo de los años, Berardi y su equipo han recibido numerosos premios y compartido nominaciones por sus logros en efectos visuales, incluyendo dos nominaciones al Emmy en la categoría de Efectos Visuales Especiales Sobresalientes por “Vikings” y “American Gods”, en el 2017.
El trabajo previo de Mr. X Inc. incluye la franquicia de cine de RESIDENT EVIL, TRON: LEGACY (Tron: El legado), para Disney, BILLY LYNN’S LONG HALFTIME WALK, de Ang Lee, SULLY (Sully: Hazaña en el Hudson), de Clint Eastwood, PACIFIC RIM, para Warner Bros., CRIMSON PEAK, para Legendary, “Penny Dreadful”, para Showtime, y THE THING y MAMA, ambas para Universal.
En la actualidad, Mr. X se encuentra en la producción de AMERICAN MADE, protagonizada por Tom Cruise, “Vikings”, para History Channel, GODLESS, de Scott Frank, la cuarta y última temporada de “The Strain” y MOLLY’S GAME, debut como director de Aaron Sorkin.

En la actualidad, el músico ganador del Oscar® ALEXANDRE DESPLAT (Música de) es uno de los compositores de cine más codiciados del mundo. Desplat es célebre por sus colaboraciones con algunos de los realizadores más importantes del mundo: Wes Anderson, George Clooney, Stephen Daldry, David Fincher, Stephen Frears, Tom Hooper, Ang Lee, Terrence Malick, Roman Polanski y Angelina Jolie, que lo han llevado a recibir ocho nominaciones al Premio de la Academia.
Desplat cautivó por primera vez los oídos estadounidenses con THE GIRL WITH THE PEARL EARRING (La chica con el arete de perla) y BIRTH (Reencarnación). Desde entonces, el ganador del Globo de Oro y el Oscar ha compuesto la banda sonora para una serie de películas increíbles, ocho de las cuales han sido nominadas al Oscar: THE QUEEN (La reina), THE CURIOUS CASE OF BENJAMIN BUTTON (El curioso caso de Benjamin Button), FANTASTIC MR. FOX (El fantástico Sr. Zorro), THE KING’S SPEECH (El discurso del rey), ARGO, PHILOMENA, THE IMITATION GAME (El código enigma), y THE GRAND BUDAPEST HOTEL (El gran hotel Budapest), de Wes Anderson, que en el 2015 obtuvo el Oscar a Mejor Banda Sonora.
El trabajo reciente de Desplat incluye UNBROKEN (Inquebrantable), de Angelina Jolie; THE DANISH GIRL (La chica danesa), su segunda colaboración con Tom Hooper (THE KING’S SPEECH); el reciente exitazo taquillero THE SECRET LIFE OF PETS (La vida secreta de tus mascotas), para Illumination Entertainment; FLORENCE FOSTER JENKINS (Florence: La mejor peor de todas), protagonizada por Meryl Streep; y THE LIGHT BETWEEN OCEANS (La luz entre los océanos), estelarizada por Michael Fassbender y Alicia Vikander, para Touchstone. El proyecto venidero de Desplat es la comedia criminal SUBURBICON, de George Clooney.
Hijo de una madre griega y un padre francés, Desplat creció en Francia con un amor siempre creciente por la música de las películas de Hollywood, e irrumpió en la industria cinematográfica francesa en la década de los ’80. Con una propensión al lirismo, las orquestaciones elegantes y la dramatización precisa, Desplat se ha unido rápidamente al olimpo de los grandes de todos los tiempos.

LUIS SEQUEIRA (Diseñador de vestuario) se reúne de nueva cuenta con Guillermo del Toro después de tres temporadas exitosas en “The Strain”.
Versátil y consumado en una variedad de géneros, su trabajo cinematográfico incluye: CHARLIE BARTLETT, protagonizada por Robert Downey Jr. y Hope Davis; MAMA, producida por Guillermo Del Toro y protagonizada por Jessica Chastain; THE THING; BREACH, estelarizada por Chris Cooper y Ryan Phillippe; CARRIE, con Julianne Moore y Chloe Grace Moretz como protagonistas; así como THOMAS & THE MAGIC RAILROAD, protagonizada por Alec Baldwin y Peter Fonda.
“Being Erica” (5 temporadas) le valió a Sequeira una nominación al Premio Gemini a Mejor Diseño de Vestuario.

Gerente de unidad de producción
J. MILES DALE

Gerente de producción
DENNIS CHAPMAN

Primer asistente de director
PIERRE HENRY

Segundo asistente de director

TYLER DELBEN

REPARTO

Elisa Esposito SALLY HAWKINS
Richard Strickland MICHAEL SHANNON
Giles
RICHARD JENKINS

Zelda Fuller
OCTAVIA SPENCER

Dr. Robert Hoffstetler
MICHAEL STUHLBARG

Hombre anfibio
DOUG JONES

Fleming
DAVID HEWLETT

General Hoyt
NICK SEARCY

Bernard
STEWART ARNOTT

Mihalkov
NIGEL BENNETT

Elaine Strickland
LAUREN LEE SMITH

Brewster Fuller
MARTIN ROACH

Yolanda
ALLEGRA FULTON

Sr. Arzoumanian
JOHN KAPELOS

Tipo con pastel
MORGAN KELLY

Ruso fornido
MARVIN KAYE

Policía militar
DRU VIERGEVER

Sally (secretaria)
WENDY LYON

Guardia
CODY RAY THOMPSON

Trabajador
DIEGO FUENTES

Tammy Strickland
MADISON FERGUSON

Timmy Strickland
JAYDEN GREIG

Esposa afroamericana
KAREN GLAVE

Esposo afroamericano
DANNY WAUGH

Vendedor de Cadillac
DAN LETT

Lou DENEY FORREST

Duane
BRANDON McKNIGHT

Cliente de cine húmedo CLYDE WHITHAM

Pasajero de autobús #1 JONELLE GUNDERSON
Pasajero de autobús #2 CAMERON LAURIE
Banda rusa EVGENY AKIMOV
SERGEI NIKONOV
VANESSA OUDE-REIMERINK
ALEXEY PANKRATOV

Doble de baile de Elisa SHAILA D’ONOFRIO
Doble de baile de hombre anfibio EDWARD TRACZ

Coordinador de dobles de riesgo STEVE LUCESCU

Dobles de riesgo

RON BELL
MARCO BIANCO
MATT BIRMAN
BAUSTON CAMILLERI
CHAD CAMILLERI
CHRISTINE EBADI
ANTHONY FERRI
SIMON GIRARD
BRIAN JAGERSKY
BROOK JONES
KELLY JONES
SPENCER JONES
STEPHANE LEFEBVRE
DAVE LEWIS SIMON NORTHWOOD
NEVEN PAJKIC
KATHLEEN POLLARD
JOHN STONEHAM JR.
ALICIA TURNER
LEN WAGNER
JAMIE YUNGBLOOD


Servicios de producción de BOB INDUSTRIES, LLC
Productores asociados CHUCK RYANT
JOHN O’GRADY
T.K. KNOWLES

Director de arte NIGEL CHURCHER
Primeros asistentes del director de arte DAVID BEST
DAVID FREMLIN
WILLIAM CHENG
EVAN WEBBER
JEREMY GILLESPIE
DANIELLE HAEBERLIN

Segunda asistente del director de arte JANE STOIACICO

Aprendices del departamento de arte SAMANTHA DICK
ALEX ROBERTSON

Artistas conceptuales GUY DAVIS
VINCENT PROCE

Bosquejos de Giles de
NATALIE HALL

Asesor de arte
GEORDIE MILLAR

Decoradores de sets SHANE VIEAU
JEFF MELVIN

Asistente de diseñador de sets CARLOS CANECA
Decoradores de sets KARL BROWN
DOMINIC CASHMAN
SARAH GARDNER
STEVE MIDDLEBROOK
BYRON PATCHETT
JEFF POULIS
TONI WONG

Decorador en set BRENTON BROWN
Agentes de compras de decorado de sets AVRIL DISHAW
ALEXX HOOPER

Terceras asistentes de director LIZE VAN DER BIJL
NICOLE DIPIETRO

Operador de cámara A
GILLES CORBEIL

Operador de cámara B J.P. LOCHERER

Primeros asistentes de cámara JOHN HARPER
DAVID NARDI

Segundos asistentes de cámara COURTNEY GRAHAM
JULIA SEIDMAN

Responsable de cámara SHEENA MUNROE
TID GAUTAM PINTO
Video Assist PAUL THOMPSON
Foto fija KERRY HAYES
Director de fotografía de segunda unidad J.P. LOCHERER

Continuista DUG ROTSTEIN

Mezcla de sonido en producción GLEN GAUTHIER
Operador de caña STEPHEN SWITZER
Responsable de cables JASON McFARLING

Supervisor de postproducción DOUGLAS WILKINSON
Editor asociado
CAM McLAUCHLIN
Segundo asistente de editor
MARY JURIC
Supervisor de edición de sonido NATHAN ROBITAILLE, MPSE
Mezcla de sonido final CHRISTIAN COOKE, CAS
BRAD ZOERN, CAS

Técnico en Jefe de Iluminación TOM STARNES
Asistente de técnico en jefe de iluminación DANNY PIVA
Eléctricos de la compañía JOHN CROCKFORD
DESIREE LIDON
KO MADDOCK
ANDREW MEREDITH
SEAN OSADZUK
NEIL SAITO
KEN WIEBE

Técnico en jefe de tramoya JASON DODDS
Asistente de eléctrico principal de tramoya
SAM BOJIN
Operador de planta JOHN PIVA

Tramoyista en jefe ROBERT JOHNSON
Asistente de tramoya JAMES HOLMES
Operadores de dollies RON RENZETTI
MIKE YABUTA

Tramoyistas de la compañía ANDREW CANEY
WILTON HIGGINS
ROBERT RICE

Asistente principal de tramoya CHRISTOPHER HARVIE
Asistente de Tramoya CHRIS SCHULZ

Supervisora de vestuario SUZANNE APLIN
Asistente de diseñador de vestuario ANN STEEL
Agente de compras de vestuario SARA SCHILT
Supervisora de vestuario en set RACHEL ARCHER
Supervisor en camiones de vestuario JAY BARRIGAR
Costureras SYLVIE BONNIERE
YING ZHAO

Coordinadora de vestuario de fondo AMY SZTULWARK
Cortadora de vestuario TAMIYO TOMIHIRO
Artista principal de textiles y teñidos MELANIE TURCOTTE
Artista de breakdown KAREN RODD
Asistentes de guardarropa LISA PRINCE
HANNE WHITFIELD

Asistente de producción de vestuario MARC CHABOT

Jefe de Maquillaje JORDAN SAMUEL

Maquilladora principal PATRICIA KEIGHRAN

Maquilladora KRISTIN WAYNE

Jefa de Estilistas PAULA FLEET
Estilista principal ROSSANA VENDRAMINI

Estilista TAMARA CIRAOLO

Traje de criatura y varios efectos de maquillaje creados por
Legacy Effects
Supervisor de proyecto Shane Mahan Diseñador en jefe/Escultor de criatura
Mike Hill
Concepto de criatura y equipo de escultura
Dave Grasso Dave Meng Glenn Hanz Mario Torres
Luca Nemalato Scott Patton Kazuhiro Tsuji
Maquilladores en set
Sean Sansom Jason Detheridge
Artistas principales
Jamie Grove Ryan Pintar John Cherevka
Damian Fisher Cory Czekaj Marilyn Chaney
Co-supervisores de proyecto
Lindsay Macgowan John Rosengrant Alan Scott
Equipo de efectos de Legacy
Kenneth Calhoun Steven Munson Maria Palazon Dawn Dininger A.J. Venuto
Larry Robertson Walter Phelan Clay Martinez Steve Adkins Hiroshi Ikeuchi
Louis Diaz Trevor Hensley Christopher Swift Tj Loza Jamie Siska
Jeff Deist Amy Whetsel Jim Charmatz Derek Rosengrant Todd Bates
Victoria Arias Elin Adler Nyssa Grazda Jason Matthews Lasander Washington
Andrea Wiserma Lon Muckey Joshua Lopresti Daniel Driscoll Won-Il Song
Bruce Fuller Laura Trejo James Spinner Kenneth Cornett Christopher Grossnickle
Coordinador de Producción de Legacy
Damon Weathers

Gerente de locaciones VINCE NYULI
Asistentes de gerente de locaciones STAN LIDON
ALEX MAKRYGIANNIS

Asistentes de producción en locaciones FERMIN BALADO
KYLE McKENZIE

Jefe de utilería VIC RIGLER
Asistentes de jefe de utilería RON HEWITT
JONATHAN KOVACS

Coordinador de efectos especiales WARREN APPLEBY
Efectos especiales TERRY DOYLE
MIKE MURAWSKY
DAVID NEIL TRIFUNOVICH
BRAD WEISS
DANNY WHITE

Coordinador de construcción MARC KUITENBROUWER
Carpintero en jefe TRACELEY YOUNG
Asistente de carpintero en jefe GERARD PACE
2o asistente de carpintero en jefe STEVE CONNER
Carpintero CHAD JACKSON
Jefe de taller de construcción JERRY SELIGMAN
Carpintero en set PETER CONSTANTINIDES
Artista escénico principal MATTHEW LAMMERICH
Pintor en jefe MIRO DZIWIK
Asistente de pintor en jefe JUDY KUNTZ
Artista escénico en jefe JEFFREY HELGASON
Artista escénico FRANK PERNA
Pintores ANDREW BEETON
STAN GRUSZKA
Pintor interino GREGORY AQUILA

Coordinadora de producción MARIE-CLAUDE HARNOIS
Asistente de coordinadora de producción MAGGIE McCORMICK

Secretaria de producción LINDSAY GILMER
Asistentes de producción ALYSSA BEACH-WALLIS
ALI GOLDTHORPE

Asistentes de producción en set JOYCELIN LAI
AMBROSE WONG

Asistente del Sr. del Toro IAN GIBSON
Asistente del Sr. Dale GILLIAN GORDON

Contadora de producción WENDY GABOURY
Primeros asistentes de contaduría ERIN RENTON
ALLYSON CAMERON

Segundo asistente de contaduría NIKKI ALFONSO
Contadoras de postproducción LORETTA VANHART
SONIA TERZYAN
KATE CLARK

Socia de Casting ASHLEY GRAY
Casting de extras ZAMERET KLEINMAN

Coreógrafo de baile ROBERTO CAMPANELLA
Asistente del coreógrafo CHRISTINA JAZZAR
Entrenadores de LSA AMANDA RICHER
JUSTIN JACKERSON

Entrenador ruso GENADIJS DOLGANOVS
Traductora ruso ALEKSANDRA MASLENNIKOVA
Profesora de canto VALERIE MOREHOUSE

Coordinador de transporte BRUCE McLEAN
Capitán de transporte
BUDDY McGRATH
Publicista de unidad LISA SHAMATA
Documentalista/Productor de EPK JAVIER SOTO
Camarógrafo detrás-de-cámaras BENJAMIN MARTIN-COCHER
Asesora de investigación y licencias MARA McSWEENY
Doctor en set JOHN DUTKA
Servicios alimenticios DAVID MINTZ CATERING
Servicios de comedor STARGRAZING
Dollies para cámara Chapman proporcionados por
WILLIAM F. WHITE INTERNATIONAL, INC.

Efectos visuales de Mr. X
Productor de efectos visuales Luke Groves Supervisor de efectos digitales Trey Harrell
Supervisor en set Greg “Ziggy” Sigurdson
Gerentes de producción de efectos visuales
Ben Mossman Nick Colangelo Editor de efectos visuales Brandon Schaafsma
Supervisor de animación Kevin Scott Jefe de animación Daniel Krzywania
Iluminador en jefe Ben King Jefe de ambientes Tory Miles
Jefe de efectos por computadora Jeremy Dineen Supervisora de composiciones Aurore de Blois
Jefe de modelos por computadora Atilla Ceylan Karol Wlodarczyk Jefe de tramoyistas de personajes Seema Gopalakrishnan
Jefes de Tracking/Diseño gráfico Matt Ralph Ollie Hearsey Supervisora de producción de EV Sarah McMurdo
Supervisor de Pipeline Aaron Weintraub
Modelistas de gráficas por computadora
Alec Drake Alex Avdyushin Alexis Reyes Carlos Maciel Cristian Camaroschi
David Roby Ervin Kink Jason Gougeon Jin Yan Cheng Juan De Santiago
Kenneth Doyle Lorena E’Vers Nikita Lebedev Paul Wishart Ricardo Gomez
Ryan Chong Summer Zong Taj Nabhani Ryan Ng
Tramoyistas de personajes
Doug E. Smith Jarom Brand Jason Teske Justin Phillips Tom Rodwell
Yanyan Li
Artistas de tracking y diseño gráfico
Alan Liwen Ying Ashkan Yousefi Benjamin Tan Cheng Joseph Chen Colton Dujon
Fadi Sara Olabisi Famutimi Olumide Adeyemo Phil Dakin Robin S Mangat
Wilfred Garcia
Animadores
Andrei Delgado Andrew Grant Carlos Arancibia Charlie Dilberto Chris De Souza
Emily Wiebe Hayley Fromstein Jason Edwardh Justin Mah Louis Yeum
Matt Horner Michael Lopez Nate Thomas Pete Dydo Reza Abolmolouk
Simon Milner Tom Nagy
Artistas de efectos por computadora
Aditi Doshi Artem Smirnof Dougie Cook Gustavo Sanchez Perez Hector Dubon
Jeremy Fung Kyle Yoneda Ran Long Wen Terry Liu Tyler Britton
Warren Lawtey Yoan Sender Norman Ran

Pintores de matte digital
Asia Diaz Bobby Myers Charles Tigner Colin Mayne Dani Devereux
Fiona Wong Jordan Nieuwland Leo Huang Matt Schofield Milan Schere
Shaoai Chen Woohee Lee
Artistas de iluminación
Ankit Kenia Ayo Burgess Chris Rainey Laura Nettles Leonardo Silva
Lily S.H. Yiu Parichoy Choudhury Troy Tylka
Composiciones realizadas por
Alan Millan Alessandro Pantanella Barb Benoit Brodie McNeill Charles Angus Taylor
Cody McCaig Hussain Taj Jai Krishnaswamy Jeremy Johnson Keyur Patel
Kristy Blackwell Mandy Au Mark Hammond Meng Angel Li Mike Portoghese
Nina Lankveld Olivia Yapp Patrick Schultz Perrine Michel Peter Bas
Rachel Beniuk Ryan Kitagawa Ryan Sonderegger Simin Zhang Sarah Coffyn
Scott Buda Star Xu Chaplin Praveen Allu
Wei-Che Tseng Zena Bielewicz Andy Chan
Artistas de Rotoscopio
Andrew Farris Betty Li Chris Lyons-Uhlenbrauck Colleen Catton Michael C. Tang
Vineetha Upadrashta
Desarrolladores de pipeline Jim Price Isabelle Alles Jessica Spinelli Mario Marengo
Editor de dailies de EV Connor McMahon Controladores de datos en set Adam Schafer Mathew Dale
Coordinadores de efectos visuales
Anastasia Starova Dave Sauro David Lee John Markle Karen McGregor
Kirsten Bligh Lauren Barnes Ryan MacDuff Sunkyu Park
Edición de efectos visuales
Brianne Wells Conner Stirling Darren Hinchy Eilidh Goosen Greg Takacs
Grant Lynch Jaime Fok Luke Stevens
Gerentes de recursos Maria Lozano Naomi Foakes

Supervisor de edición de diálogos NELSON FERREIRA

Editores de efectos de sonido
KEVIN HOWARD, MPSE
TYLER WHITHAM
ALEX BULLICK
DASHEN NAIDOO

Editora de diálogos adicionales
JILL PURDY, MPSE
Editor musical ROBERT HEGEDUS
Edición adicional de música DUSTIN HARRIS
Editor de sonido KEVIN BANKS
Artista de incidentales
STEVE BAINE
Mezcla de incidentales
PETE PERSAUD

Instalaciones de mezcla final
DELUXE TORONTO
Asistente de mezcla final
FIL HOSEK
Gerente de proyecto de audio REGAN RAMOS

Mezcla de diálogos adicionales DEVIN DOUCETTE
BOBBY JOHANSON
JIM McBRIDE
DAVE FRITZ
MATT HOVLAND

Grabación de diálogos adicionales por CHRIS McLEOD
MIKE RIVERA

Voces adicionales ZABRYNA GUEVARA
JACK FOX
MARIA DEL MAR
CHRISTOPHER MARREN
TIM CAMPBELL
MAURICE DEAN WINT
LISA NORTON
CATHERINE FITCH
ALISON BROOKS
JIM WATSON
SERGEY VOLKOV

Voces de criatura GUILLERMO DEL TORO
NATHAN ROBITAILLE

Títulos principales
CAM McLAUCHLIN

Instalaciones de película digital DELUXE TORONTO
Colorista de película digital
CHRIS WALLACE
Gerente de proyecto de película digital
SARAH RILEY
Editores de película digital
ADRIAN SAYWELL
DAVE MUSCAT

Efectos visuales en línea ERIC MYLES
Efectos visuales adicionales MICHAEL MOREY

Banda sonora de DOMINIQUE “SOLREY” LEMONNIER
Banda sonora orquestada por JEAN-PASCAL BEINTUS NICOLAS CHARRON
SYLVAIN MORIZET

Banda sonora conducida
ALEXANDRE DESPLAT
Conducción adicional de
DOMINIQUE “SOLREY” LEMONNIER
Banda sonora copiada por NORBERT VERGONJANNE, CLAUDE ROMANO,
JAKE PARKER & DAVID HAGE FOR DAKOTA MUSIC

Banda sonora interpretada por THE LONDON SYMPHONY ORCHESTRA

Líder
CARMINE LAURI
Acordeón MYRIAM LAFARGUE
Piano

DAVID ARCH
Chiflido; Flauta de jazz
ALEXANDRE DESPLAT
Percusiones
PAUL CLARVIS
Banda sonora grabada por
PETER COBBIN
Banda sonora mezclada por PETER COBBIN & KIRSTY WHALLEY

Banda sonora grabada en ABBEY ROAD STUDIOS, LONDON

Banda sonora mezclada en HENRY LICHT, ISLINGTON

Productor ejecutivo y Coordinador de banda sonora para Galilea Music

XAVIER FORCIOLI
Asistente de compositor y programación
ROMAIN ALLENDER

Asesor musical JOHN HOULIHAN
Servicios de permisos musicales CHRISTINE BERGREN AND ANNA ROMANOFF

CANCIONES

YOU’LL NEVER KNOW
Música de Harry Warren
Letra de Mack Gordon
Interpretada por Renée Fleming y la Orquesta Sinfónica de Londres
Arreglos y conducción de Alexandre Desplat
Grabada y mezclada por Jonathan Allen en Studio de la Grande Armée, París
Asistente: Ludovick Tartavel
Piano: Frédéric Gaillardet
Contrabajo: Riccardo Del Fra
Batería: Jeffrey Boudreaux
Flauta bajo: Alexandre Desplat
Cortesía de Decca Music Group Limited
Con la licencia de Universal Music Operations Ltd.

THE STORY OF RUTH
Escrita por Franz Waxman
Cortesía de Twentieth Century Fox Film Corporation
I WENT TO MARKET
Escrita por Bill Robinson
Interpretada por Bill “Bojangles” Robinson
De la película “THE LITTLE COLONEL”
Cortesía de Twentieth Century Fox Film Corporation

BABALU
Escrita por Margarita Lecuona
Interpretada por Caterina Valente y Silvio Francesco
Cortesía de Universal Music GmbH
Con la licencia de Universal Music Enterprises
SPACE RACE
Escrita e Interpretada por Roger Suen
Cortesía de El Cap Productions

PRETTY BABY
Escrita por Egbert Van Alstyne, Tony Jackson y
Gus Kahn
Interpretada por Betty Grable
De la película “CONEY ISLAND”
Cortesía de Twentieth Century Fox Film Corporation

FASHION PARADE
Escrita e Interpretada por Roger Suen
Cortesía de El Cap Productions

HELLO FRISCO
Escrita por Louis Hirsch y Gene Buck
Interpretada por Alice Faye
De la película “HELLO, FRISCO, HELLO”
Cortesía de Twentieth Century Fox Film Corporation
YOU’LL NEVER KNOW
Música de Harry Warren
Letra de Mack Gordon
Interpretada por Alice Faye
De la película “HELLO, FRISCO, HELLO”
Cortesía de Twentieth Century Fox Film Corporation

DREAMIN’
Escrita por Jerry Burnham y Raun Burnham
Cortesía de APM Music
MONTY’S MOUSTACHE WAX
Escrita por Mark Gordon, Paul Steel y Rory Andrew
Cortesía de Andrew Gordon Steel Inc

FLITTING ABOUT
Escrita por Wilfred Burns
Cortesía de APM Music
I KNOW WHY (AND SO DO YOU)
Música de Harry Warren
Letra de Mack Gordon
Interpretada por Glenn Miller con Pat Friday, John Payne & The Modernaires
De la película “SUN VALLEY SERENADE”
Cortesía de Twentieth Century Fox Film Corporation

OCHI CHERNYE
Tradicional
HOW WRONG CAN I BE
Escrita por Fred Karger y Alex Gottlieb
Interpretada por Marilyn Monroe
Cortesía de Terry Karger

THEME FROM “A SUMMER PLACE”
Escrita por Max Steiner y Mack Discant
Interpretada por Andy Williams
Cortesía de Columbia Records
Por un acuerdo con Sony Music Licensing
CHICA CHICA BOOM CHIC
Música de Harry Warren
Letra de Mack Gordon
Interpretada por Carmen Miranda
Cortesía de Geffen Records con la licencia de
Universal Music Enterprise

CHICA CHICA BOOM CHIC
Música de Harry Warren
Letra de Mack Gordon
Interpretada por Carmen Miranda
De la película “THAT NIGHT IN RIO”
Cortesía de Twentieth Century Fox Film Corporation
I’LL REMEMBER TONIGHT
Escrita por Sammy Fain y Paul Francis Webster
Interpretada por Pat Boone
De la película “MARDI GRAS”
Cortesía de Twentieth Century Fox Film Corporation

THE WIDE MISSOURI (SHENANDOAH)
Tradicional
Interpretada por The Corps of Cadets of the Virginia Military Institute y Tommy Sands
De la película “MARDI GRAS”
Cortesía de Twentieth Century Fox Film Corporation
SEMPRE FIDELIS
Escrita por John Philip Sousa
Arreglos de Kraushaar-Skiles
De la serie de televisión “MR. ED”
Cortesía de Metro-Goldwyn-Mayer Music Inc.

COMEDY BRIDGE #68
Escrita por Kraushaar-Skiles
De la serie de televisión “MR. ED”
Cortesía de Metro-Goldwyn-Mayer Music Inc.
LA JAVANAISE
Escrita por Serge Gainsbourg
Interpretada por Madeleine Peyroux
Cortesía de Rounder Records
Por un acuerdo con Concord Music Group, Inc.

YOU RANG
Escrita e Interpretada por Lionel Newman
De la serie de televisión “THE MANY LOVES OF DOBIE GILLIS”
Cortesía de Twentieth Century Fox Film Corporation
THE SPIRIT OF V.M.I.
Escrita por Benjamin Bowering
De la serie de televisión “MARDI GRAS”
Cortesía de Twentieth Century Fox Film Corporation

YOU’LL NEVER KNOW
Música de Harry Warren
Letra de Mack Gordon
Interpretada por Renée Fleming
Producida por Leo Birenberg
Producción vocal de Alexandre Desplat
Renée Fleming aparece por cortesía de Decca Music Group Limited
ENTRADAS del episodio de HONG KONG de “THE HUNTED”
Escrita por Hugo Friedhofer
Escrita por Bernard Herrmann
Escrita por Lionel Newman
Cortesía de Twentieth Century Fox Film Corporation

LOS PRODUCTORES DESEAN AGRADECER A LOS SIGUIENTES POR SU AYUDA

James Cameron
Alfonso Cuarón
Alejandro Iñárritu
Joann Sfar
Joel y Ethan Coen
David S. Goyer
Ron Fitzgerald
Dennis Kelly
Steve Wang
Edgar Wright
Tamara Deverell
La familia Mirkopoulos
Karl I. Muntz

Rodada en locaciones del Centro Teatral Elgin and Winter Garden, Toronto, Ontario, Canadá.
Con gratitud se reconoce el apoyo del Ontario Heritage Trust.

Rodada en los Cinespace Studios, Toronto

Material audiovisual de ‘THE STORY OF RUTH’, ‘CONEY ISLAND’, ‘HELLO, FRISCO, HELLO’, ‘THAT NIGHT IN RIO’, ‘LITTLE COLONEL’ y ‘MARDI GRAS’ cortesía de Twentieth Century Fox. Todos los Derechos Reservados.

Material audiovisual de “THE MANY LOVES OF DOBIE GILLIS’ y “HONG KONG” cortesía de Twentieth Century Fox Television. Todos los Derechos Reservados.

Material audiovisual de “MR. ED” cortesía de MGM Media Licensing.

Imágenes proporcionadas por ThinkStock de Getty Images

1001 ARABIAN NIGHTS
Cortesía de Columbia Pictures

Obras adaptadas de Hakim Sanai

ACTRA (logo)

Permiso No. 51030


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Twentieth Century Fox Film Corporation no recibió pago alguno u otra retribución, o formó parte de acuerdo alguno, por la representación de productos relacionados con el tabaco en esta película.

Los eventos, personajes y empresas representados en esta película son ficticios. Cualquier similitud con personas reales, vivas o muertas, o con eventos reales, es completamente accidental.

La propiedad de película está protegida por el copyright y otras leyes aplicables, por lo que cualquier duplicación, distribución o exhibición de este filme sin previa autorización resultará en enjuiciamiento criminal, así como en responsabilidad civil.

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