Notas de producción Operación Monumento

OPERACIÓN MONUMENTO

Información de Producción

 

Basada en la búsqueda de tesoros más grande en la historia de la humanidad, Operación Monumento, inspirada en hechos reales, es un drama de acción que se centra en siete directores de museo, artistas, arquitectos, curadores e historiadores de arte entrados en años y fuera de forma, que fueron al frente de batalla para rescatar las obras de arte más importantes del mundo, que estaban en manos de los ladrones Nazi para regresarlas a sus dueños legítimos. Con el arte escondido tras líneas enemigas, ¿cómo estos tipos iban a esperar tener éxito? Una vez que estos hombres se involucraron en una carrera contra el tiempo para evitar la destrucción de 1000 años de cultura, sus vidas para proteger y defender los logros más impresionantes de la humanidad también estuvieron en juego.

 

Fox 2000 Pictures y Columbia Pictures presentan una producción Smokehouse, Operación Monumento. El filme es protagonizado por George Clooney, Matt Damon, Bill Murray, John Goodman, Jean Dujardin, Bob Balaban, Hugh Bonneville y Cate Blanchett. Dirigida por George Clooney. Producida por Grant Heslov y George Clooney. Guión de George Clooney & Grant Heslov, basado en el libro de Robert M. Edsel con Bret Witter. La Productora Ejecutiva es Barbara A. Hall. El Director de Fotografía es Phedon Papamichael, ASC. El Diseñador de Producción es Jim Bissell. Editada por Stephen Mirrione, A.C.E.  La Diseñadora de Vestuario es Louise Frogley. La música es de Alexandre Desplat.

 

 

 

ACERCA DEL FILME

 

“La historia de los ‘Monuments Men’ es una que en realidad muy poca gente conoce”, comenta George Clooney, quien regresa a la silla de director para la historia de un reducido grupo de artistas, historiadores del arte, arquitectos y curadores de museo, que encabezan el rescate de 1000 años de civilización durante la Segunda Guerra Mundial en su nueva película, Operación Monumento. “Artistas, comerciantes de arte, arquitectos —estos fueron hombres con una edad que superaba por mucho a la de aquellos que son reclutados para una guerra o se ofrecen como voluntarios. Pero emprendieron esta aventura porque creían que la cultura podía ser destruida. Si fallaban, hubiera podido significar la pérdida de seis millones de piezas de arte. No iban a permitir que eso sucediera —y, la verdad de los hechos, lo lograron”.

 

La oportunidad de hacer una película de la Segunda Guerra Mundial era tremendamente atractiva para Clooney y su socio escritor y productor, Grant Heslov. “Existe un cierto romance que gira en torno a estas películas —The Great Escape, The Dirty Dozen, The Guns of Navarone, The Bridge on the River Kwai”, comenta Clooney. “En esos filmes, te enamoras de los personajes y los actores, tanto como de la historia. Y pensamos que Operación Monumento era una gran oportunidad para conseguir actores contemporáneos interesantes para contar nuestra versión de ese tipo de películas —es una manera divertida y entretenida de hacerlo”.

 

Parte del drama del filme es que todos los ´Monuments Men’ son muy inadecuados para servir como soldados en tiempos de guerra. “Las guerras se combaten entre muchachos de dieciocho años”, comenta Clooney. “Una vez que llegas a los John Goodmans, los Bob Babalabans y los George Clooneys, sabes que estos tipos no fueron reclutados”. Heslov añade: “Lo hicieron porque era evidente que eran las únicas personas que lo podían hacer”.

 

 

“De hecho, nunca la concebimos como una película de guerra —era una película de robos”, comenta Clooney. “Y después, el primer día, llegamos al set, y todo mundo se tuvo que poner sus uniformes y cascos”.

 

Clooney quiso que Operación Monumento fuera su siguiente proyecto no sólo por su emocionante y dramático tema, sino también porque representaba un cambio agudo y decisivo con respecto a su película más reciente, The Ides of March. “Estábamos muy orgullosos de esa película, pero era contemporánea, y muy pequeña —y también cínica”, comenta Heslov.

 

“Hemos hecho unas cuantas películas cínicas, pero en general no somos personas cínicas”, continúa Clooney. “Queríamos hacer una película que no lo fuera, una película que fuera sencilla, tradicional y tuviera una desarrollo positivo intrínseco”.

 

En su búsqueda por material, Heslov mencionó que había leído recientemente el libro Operación Monumento by Robert M. Edsel con Bret Witter, y le comentó el tema a Clooney. Aquí había una oportunidad de contar una historia optimista con un fondo de gran escala —una historia verdadera de grandes riesgos.

 

“Estaba viviendo en Florencia, y caminaba a lo largo del Puente Pontevecchio —el único puente que no fue destruido por los Nazis cuando se fueron en 1944— y me preguntaba que éste había sido el más grande conflicto en la historia… ¿cómo fueron rescatados todos estos tesoros culturales, y quién lo hizo?”, pregunta Edsel. “Quería encontrar la respuesta”.

 

La respuesta fue el grupo ‘Monuments, Fine Artes and Archives’, que iría al frente de guerra y que, por primera vez, intentaría salvar los tesoros que pudieran ser rescatados. “La cultura estaba en riesgo”, comenta Clooney. “Lo vez todo el tiempo. Lo viste in Irak —los museos no estaban protegidos, y viste qué tanta de su cultura se perdió debido a ello”.

 

“Incluso en la actualidad, la gente todavía está intentando recuperar el arte que fue robado de sus familias por los Nazis”, comenta Heslov, e indica que tan sólo recientemente, un tesoro de arte robado fue descubierto en un departamento de Múnich —1,500 obras de arte valuadas en $1.5 billones de dólares; pinturas de Matisse, Picasso, Dix, y otros artistas cuyas obras se habían pensado perdidas.

“Me parece que lo que esto demuestra es que esta historia no terminó en 1945 —la búsqueda de arte perdido continua en la actualidad”, continúa Heslov. “Existen miles de obras de artes todavía perdidas. Hay pinturas que cuelgan en los hogares de algunas personas o que están escondidas a la vista en las paredes de museos. ¿Te puedes imaginar si todo eso hubiera sido destruido? Hubiera sido una catástrofe”.

 

“Esta historia te ofrece una perspectiva muy distinta de lo que fue la Segunda Guerra Mundial”, comenta Cate Blanchett, quien interpreta el importante papel de Claire Simone, una mujer que guarda la llave de la locación secreta donde se encuentran miles de invaluables obras de arte robadas. “El aliciente de estos hombres fue un ideal más grande. La gran mayoría de las obras que damos por sentadas en los grandes museos del mundo fueron regresadas por esta banda de hombres —fue una tarea casi imposible. Absurda, hasta cierto punto: hombres que no formaban parte de la milicia, que iban a líneas enemigas a pedirle a generales que dejaran de bombardear cierta iglesia o zona para salvar una ventana, escultura o mural —te preguntas cómo fueron capaces de salvar algo. Es una cosa extraordinaria, altruista la que hicieron, llevada a cabo para preservar la historia”.

 

Si bien los ‘Monuments Men’ tenían el apoyo de FDR (Roosevelt) y el General Eisenhower, sí se enfrentaron al gran reto de incorporarse al campo. “A Eisenhower le entusiasmaba mucho la idea —quería asegurarse de que hubiera quedado algo una vez finalizada la guerra— y el conflicto se iba a terminar muy pronto”, comenta Clooney. “Fue una conclusión a la que llegó después de que bombas de los aliados destruyeron una antigua abadía, que en realidad no tenía por qué ser destruida. Así que era importante no sólo proteger el arte de los Nazis, sino también de las actividades de los Aliados, una vez que seguían adelante con el fin de la guerra. Los Aliados hacían estallar todo a su paso, así que se dieron cuenta de que la cultura podía ser destruida —no sólo por los alemanes, sino por nosotros”.

 

Edsel dice que muchos directores de museo en los EEUU estaban preocupados por el arte y los tesoros culturales que podían perderse durante la Guerra, pero que estaban trabajando ante fines contrapuestos —cada director con su propio plan—, en vez de hacerlo de manera conjunta. “George Stout —quien eventualmente se convertiría en el líder informal de los Monuments Men— hizo algunos esfuerzos, pero desistió —cayó en cuenta de que nadie iba a aprobar la idea de una bola de historiadores del arte, arquitectos y artistas de mediana edad, corriendo al lado de soldados de combate”. Pero Roosevelt después aprobó la idea —y justo a tiempo. “En agosto de 1943, los Aliados casi destruyen ‘La Última Cena’ accidentalmente”, continúa Edsel. “Me parece que eso fue lo que detonó la alarma y aceleró la medida de poner a los oficiales de monumentos en el campo”.

 

Edsel dice que uno puede esperar que los soldados que luchan en una guerra no sean muy receptivos si se les dice qué pueden destruir y qué no —pero pasó justo lo contrario. “Para su gran sorpresa —y nos enteramos de esto en las cartas que mandaban a casa, una y otra vez— al principio hubo un poco de resistencia, pero eso rápidamente dio paso a que los soldados preguntaran, ‘¿Cómo vamos? ¿Hemos salvado alguna iglesia? ¿Hemos encontrado alguna pintura?’ El ejército comenzó a comprometerse bastante”.

 

Los ‘Monuments Men’ también estaban trabajando contrarreloj. Conforme los Aliados cercaban Berlín, Hitler no estaba dispuesto a aceptar rendirse sin condiciones —y si no podía quedarse con Alemania, entonces nadie más podía hacerlo. “Se le llegó a conocer como el ‘Decreto Nero’”, explica Clooney. “Hitler dijo, ‘Si me muero, destrúyelo todo’ —puentes, vías de tren, equipo de comunicaciones— y eso también significaba el arte. Todo”.

 

 

ACERCA DE LOS PERSONAJES

 

Clooney y Heslov indican que aunque la película está basada en la verdadera historia de los ‘Monuments Men’, se tomaron unas licencias con los personajes por razones dramáticas. Si bien muchos de los personajes están inspirados en los auténticos ‘Monuments Men’, Clooney y Heslov inventaron personajes para la película. “Para el filme queríamos que algunos de los personajes tuvieran defectos —sentimos que iba a ayudar a que las audiencias sintieran empatía por ellos, conforme contábamos la historia”, explica Clooney. “Pero en realidad no es justo tomar el nombre de un gran ser humano y después darle un defecto que no tenía en la vida real”. Heslov añade: “Me parece que nuestros personajes terminan viéndose bastante heroicos en la película, y si nuestro filme inspira a gente a que lea y descubra que los hombres verdaderos fueron incluso más heroicos, me parece perfecto”.

 

Aún más importante, incluso si los personajes son inventados, su historia es real. “Inventamos unas cuantas escenas mundanas para ponerlas al servicio de la historia, pero las cosas en la película que piensas que son tan ridículas y extrañas…‘bueno, no hay manera de que eso hubiera pasado’… ésas son las cosas que en realidad sucedieron”, revela Clooney.

 

Para la película, Clooney y Heslov fueron capaces de atraer un destacado grupo de actores, incluyendo Matt Damon, Bill Murray, John Goodman, Jean Dujardin, Bob Balaban, Hugh Bonneville y Cate Blanchett.

 

Uno podría pensar que sería difícil encontrar el equilibrio con tantas estrellas tan diferentes en una sola película —pero Clooney dice que fue todo lo contrario. “Por lo general, todos ellos están en proyectos donde tienen que cargar todo el peso de la película, pero todos se sienten tan a gusto con sus personalidades que no necesitan adueñarse de todas las escenas en las que aparecen”, comenta. “Hubo un gran espíritu de generosidad en todos ellos —todos dispuestos a venir y jugar, porque todos estaban disfrutando la mutua compañía”.

“Este ensamble es simplemente impresionante”, comenta Matt Damon. “Cada día venía a trabajar con personas distintas y simpáticas, a quienes realmente admiro y cuyo trabajo sigo de manera cuidadosa. Le dije a George al principio, ‘Sólo voy a ir a pasármela bien, porque mejor, imposible’. Cuando estás haciendo algo con un director al que le tienes una fe absoluta, con un gran guión y un reparto de primer nivel, simplemente no se siente como si estuvieras trabajando”.

 

GEORGE CLOONEY encabeza el reparto en el papel de Frank Stokes, un importante historiador del arte. “Trabaja en el Museo The Fogg —el museo de arte más antiguo de Harvard— donde labora en restauración de arte cuando comienza la historia”, explica Clooney. “Ya ha ido a la guerra —Primera Guerra Mundial— y ha visto lo que puede pasar, especialmente una vez que terminan las guerras. Es un líder natural”.

 

¿Cómo se siente George Clooney al dirigirse en un papel protagónico? “Es una de esas cosas que aprendes en clases de actuación —a prueba de directores lo llamamos. No le presto atención a una sola indicación que me doy”, bromea Clooney.

 

La inspiración para el personaje de Clooney fue el historiador de arte George Stout. “En la vida real, era un tipo muy impetuoso. Podía hacer cualquier cosa —como arreglar coches y radios”. Jefe del departamento de conservación en el Fogg, y más tarde director del Museo de Arte Worcester y el Museo Isabella Stewart Gardner en Boston, Stout estuvo en el frente durante la Guerra, ayudando a rescatar tesoros culturales en Caen, Maastricht y Aachen, así como en almacenes de arte Nazi en Siegen, Heilbronn, Cologne, Merkers y Altaussee.

 

MATT DAMON (James Granger) está en su sexta colaboración con George Clooney, pero en su primer papel estelar con Clooney en la silla de director (Damon tuvo un pequeño rol en Confessions of a Dangerous Mind).

 

“Literalmente no sabía nada de esta historia, razón por la cual estaba muy sorprendido cuando me di cuenta que era real”, comenta Damon. “Es una historia increíble. A final de cuentas, es una película acerca de gente que está dispuesta a sacrificarlo todo para salvar lo que es mejor para nosotros, para la humanidad. Ir en búsqueda de ese arte e intentar rescatarlo, salvarlo, protegerlo y conservarlo… El arte es el alma de la sociedad, representa las mejores cosas de lo que hemos conseguido. Destruir eso es destruir algo irremplazable”.

 

El personaje de James Granger está inspirado en James Rorimer, quien más tarde se convertiría en director del Museo de Arte Metropolitano de Nueva York. La relación de Granger con Claire Simone (Cate Blanchett) tuvo como inspiración la interacción entre Rorimer con Rose Valland, una empleada de la galería Jeu de Paume, en París.

 

En la película, el personaje de Claire Simone tiene la llave del lugar que resguarda miles de piezas de arte robado —y esa locación es una pieza de información que guarda con recelo. “Ella piensa, ‘¿Por qué habría de decirte dónde está el arte? Te lo vas a llevar”, comenta Damon. “Para ella, todo se reduce a proteger el arte. Granger tiene que ganarse su confianza —tiene que convencerla que al guardar el secreto, no está protegiendo el arte, de hecho, lo está poniendo en peligro. Al final, se da cuenta que son almas gemelas”.

 

Damon también estaba agradecido por la oportunidad de trabajar más estrechamente con Clooney como director. “George corta en cámara, cosa que muy pocos directores hacen”, explica Damon. “No estás filme y filme y filme para cubrir escenas —ya ha tomado la decisión de cómo va a editar la escena, así que sólo rueda las piezas necesarias. Eso ayuda a que todos se mantengan concentrados —en cualquier momento que la cámara esté rodando, existe una gran probabilidad de que la toma vaya a quedar en la película final”.

 

BILL MURRAY estaba emocionado de unirse a Operación Monumento desde el momento en que George Clooney le habló del proyecto. “Fue como dos años antes de que empezáramos a filmar —le dije, ‘Oh, Dios, eso suena muy bien. Me encantaría formar parte de esa película’”, comenta Murray. “Me gustó mucho la historia, eso de ir tras arte robado en la Segunda Guerra Mundial. Tiene de todo. Es una película de acción, pero también es acerca de hombres buenos en búsqueda de algo, en nombre de algo bello y maravilloso. Simplemente pensé que iba a ser grandioso”.

 

Tan sólo ser parte del proyecto fue una aventura en sí misma. “Sabíamos que Bill podía marcar toda la diferencia, pero también sabíamos que puede ser un hombre muy difícil de encontrar”, comenta Heslov. “George tenía el teléfono especial al que le tienes que llamar —dejas un mensaje y esperas…pero Bill llamó de inmediato y dijo, ‘¿Dónde y cuándo me necesitas?’”.

 

Una vez que le ofrecieron oficialmente el papel a Murray, Clooney le dijo a Bill que en la mayoría de la película haría mancuerna con Bob Balaban. “George nos puso juntos y me dijo, ‘¿Crees que podrías hacerle pasar un mal rato a Balaban?’ Lo pensé tan sólo un segundo y le dije, ‘Sí, creo que puedo hacer eso’”, recuerda Murray. “Bob es un gran partidario, un gran complemento dramático para la comedia —fue maravilloso trabajar con él. Éramos como Mutt y Jeff— fue muy divertido estar con él”.

 

Murray y Balaban habían trabajado juntos en una serie de películas —en Cradle Will Rock, Moonrise Kingdom y la venidera Grand Budapest Hotel—, pero nunca tan de cerca como en Operación Monumento. “Queríamos a dos personas que fueran opuestos, que se fastidiaran el uno al otro —sin sobrepasarse”, comenta Clooney. “Bill es muy bueno en interpretar a ese tipo que, cuando se decide, no deja de molestar a alguien —es muy bueno al lado de Bob”.

 

“Obviamente, Bill le aporta humor, pero todavía más intenso es el componente emotivo”, comenta Heslov. “Asimismo, es más grande que muchos de los otros —especialmente Bob Balaban—, por lo que resulta físicamente intimidante. Cuando sonríe, es el tipo peligroso en el cuarto”.

 

El papel que Murray interpreta, Richard Campbell, es el de un arquitecto. “Es reclutado para formar parte de los ‘Monuments Men’ porque mucho de lo que van a hacer —salvar y reconstruir— tiene que ver con la manera de preservar edificios y monumentos”, explica Murray. “En algunas ocasiones deberán evitar la destrucción, en otras deberán hallar la forma de salvar algo que ha sido dañado. Necesitan un amplio grupo de perfiles artísticos, incluyendo tipos que sean capaces de trabajar en una tercera dimensión, en una realidad auténtica, práctica y física”.

 

Murray indica que es fácil ir al Louvre o al Met y dar por sentado que sus obras de arte más valiosas todavía son parte de la colección. La película captura una época cuando esa noción estaba en duda —las formas en las que un mundo de arte no existiría en la actualidad si no hubiera sido por los ‘Monuments Men’”, comenta. “No serías capaz de verlo en iglesias o museos —habría desaparecido”, comenta. “Hubo vidas que terminaron muy pronto, pero el arte perdura. La gente luchó por él de la misma manera en la que lucharon por la libertad. La gente que peleó para salvar este arte ha permitido que éste subsista”.

 

El personaje de Murray está inspirado en varios ‘Monuments Men’ reales, incluyendo al arquitecto Robert Posey. Mientras formaba parte del Tercer Ejército de Patton durante la guerra, Posey descubrió la mina de sal en Altausse, donde los Nazis habían guardado el retablo de Gante, la Madonna de Brujas, El Astrónomo de Vermeer, y miles de otras obras de arte. Por sus contribuciones, Posey fue galardonado con la Legión de Honor de Francia y la Orden de Leopoldo de Bélgica.

 

JOHN GOODMAN dice que su personaje, Walter Garfield, representa a la gente, hombres y mujeres, que estuvieron metidos en el frente, siempre dispuestos a ayudar en la guerra de cualquier manera posible. “En cuanto a combate se refiere, mi personaje ya no tiene nada que hacer ahí, pero hace lo que puede”, comenta Goodman. “No duda ante la oportunidad de ir y ayudar. Es algo que hace por pasión y por amor, para intentar proteger lo que pueda”.

 

Para el mismo Goodman, la oportunidad de unirse al filme fue un sueño hecho realidad. “Siempre quise hacer una película de la Segunda Guerra Mundial, una película de la camaradería y un misterio —y mi papel tiene todos esos elementos en uno”, señala. “¿Me dieron la oportunidad de ponerme un uniforme, casco y arma de la Segunda Guerra Mundial? ¡Per-fec-to! Esta película es todo lo que quise hacer desde que tenía cinco años”.

 

En cuanto a la película de camaradería, Operación Monumento reúne de nueva cuenta a Goodman con su coestrella de The Artist, Jean Dujardin. “Jean es un talento increíble”, comenta Goodman. “Es extremadamente divertido, es un tipo muy bien parecido, es muy ágil —es agudo y alguien dócil para trabajar. Y dado que trabajé con él en The Artist, ha aprendido a hablar en inglés, que es maravilloso porque todavía me sigue dando mucha flojera aprender francés. Ahora nos podemos comunicar”.

 

La película también hace que Goodman vuelva a hacer mancuerna con Clooney y Heslov. “John y yo trabajamos juntos en la primera temporada de ‘Roseanne’ y después en Oh Brother y Argo —hemos estado en los mismos círculos durante años”, comenta Clooney. “La única pregunta que tenía era si estaba dispuesto a hacer una película tan grande y física —tiene una rodilla lastimada. Me dijo que iba a estar bien y que estaba en muy buen estado. Hizo lo que siempre hace —mejora toda película en la que aparece”.

 

“Me parece que lo que estamos haciendo es honrar las increíbles batallas que la generación de mi padre sufrió, primero, a través de la depresión y, después, a través de una guerra”, señala Goodman. “Hicieron lo correcto y lo hicieron por la razón correcta; lo hicieron de manera constante y lo hicieron bien. En esta película, a una escala menor, intento honrar a esa previa generación”.

 

El personaje de Goodman estuvo inspirado en el ‘Monument Man’ de la vida real Walker Hancock, un reconocido escultor. Hancock era oriundo de San Luis, como lo es Goodman. “Por extraño que parezca, cuando mi madre y yo tomábamos el camión para ir al centro de St. Louis, para ir de compras, pasábamos por una de sus esculturas, el ‘Soldier’s Memorial’”, comenta Goodman. “Simplemente me puso en contacto con el personaje. Es un pequeño vínculo, pero una alegre coincidencia”.

 

“Estos hombres y mujeres vivieron su vida para el arte”, concluye Goodman. “Fueron artistas y vigilantes del arte, dispuestos a arriesgarlo todo por el arte que amaban. Me gustaría pensar que muchos de nosotros estaríamos dispuestos a arriesgar nuestras vidas para proteger la historia y conservar una cultura —en este caso la cultura occidental, pero todas las culturas. Es lo mejor que tenemos. Nos define en un cierto nivel”.

 

El personaje de Goodman, Walter Garfield, es compañero de Jean Claude Clermont, interpretado por el actor ganador del Oscar® JEAN DUJARDIN. Se vuelven a reunir después de haber trabajado juntos en The Artist.

 

“No hablan mucho entre ellos, Garfield y Clermont”, indica Dujardin. “No necesitan hablar entre ellos. Tienen una misión que cumplir. Pero tenemos algunas escenas juntos muy divertidas, y gracias al talento de George Clooney como director, logra imprimir algo de ironía en ellas, así como en otras de naturaleza muy intensa”.

 

“Jean Claude Clermont es un judío francés que es comerciante de arte en Marsella”, explica Dujardin. “Escapa y se refugia en Londres con su familia. Es reclutado por el ejército estadounidense por su conocimiento artístico. No es un soldado, pero es realmente importante para él formar parte de la guerra. Está realmente orgulloso de ser un miembro de los ‘Monuments Men’”.

 

“Jean ganó el Premio de la Academia® el mismo año en el que yo estaba nominado por The Descendants”, indica Clooney. “Yo sólo quería que formara parte de la película para matarlo. De hecho, sugerí matarlo en la primerísima escena, pero Grant pensó que nos teníamos que esperar un poco, así que espere…De hecho, Jean es una de mis personas favoritas con las que me ha tocado trabajar. Me gustaría que los dos habláramos mejor el idioma del otro, porque sería todavía más divertido estar con él —es tremendamente simpático y muy talentoso. Incluso con la barrera del lenguaje, no pierde nada en personalidad. Es encantador, con un dejo de pícaro”.

 

“Es el George Clooney francés”, comenta Heslov.

 

“George realmente confía en sus actores”, comenta Dujardin. “No es un director que te dice qué hacer: sólo te da unas ideas. Es muy flexible y todos quieren darle lo mejor de sí. Se te acerca muy lentamente y te dice, ‘Quizás y esté mal, pero quizás y puedas intentar una así’, o, ‘¿Por qué no lo intentamos decir de una manera francesa?’”.

 

Aún así, Dujardin dice que fue la oportunidad de hacer cosas a la manera norteamericana lo que le llamó la atención del proyecto especialmente. “Tengo la oportunidad de hacer un tipo de actuación distinta —la manera de actuar francesa es con frecuencia más privada, mientras que la norteamericana es muy emocionante, muy juguetona. Siempre fui criticado en Francia por ser muy expresivo, por lo que es muy liberador para mí”.

 

HUGH BONNEVILLE, de “Downton Abbey”, interpreta a Donald Jeffries, un hombre con defectos que busca una segunda oportunidad. “Cuando introducen a los personajes, los ves en sus hábitats naturales, por decirlo de alguna manera”, explica Bonneville. “El de Donald resulta ser un bar. Ahí nos enteramos que ha cometido errores en la vida; es alguien en quien no se puede confiar y el personaje de George le da una segunda oportunidad para reencontrarse con su primer amor, que es el arte”.

 

“Jeffries es un hombre imperfecto”, continúa Bonneville. “Una vez que avanza la historia, termina por aceptar los errores que ha cometido, e impulsado por el arte que ama. Cuando encuentra finalmente la Madonna de Brujas, se toma un momento para escribir una carta a casa, a su padre, para reflexionar en su propia vida y sus limitaciones. Es el impresionante trabajo de Miguel Ángel, ahí mismo, frente a él, lo que lo inspira a buscar la absolución de su padre por los errores que ha cometido —especialmente el error de querer encontrar respuestas en el fondo de una botella”.

 

“A partir del primer minuto en el que nos dimos cuenta que Hugh sería bueno para el papel, de inmediato comenzamos a escribir el papel para él —realmente nos ayudó a enfocarnos, especialmente cuando estábamos escribiendo la escena con la carta”, comenta Clooney. “Lo chistoso es que estábamos en el set —el set donde presentamos por primera vez al personaje— y había un cuarto arriba en silencio. Le conseguimos un micrófono y leyó la carta —sabíamos que iba a ser ‘voz en off’. A la primera toma lo logró. Y ésa fue la que utilizamos en el corte final —no la volvimos a hacer, no hubo necesidad de repetirla. Es muy bueno —extraordinariamente talentoso.

 

Bonneville es un premiado actor, ex alumno del Royal National Theatre, y ha aparecido en escena y en películas con grandes estrellas en diversas ocasiones; sin embargo, admite estar ligeramente encandilado con el reparto multiestelar de Operación Monumento.

 

“La noche previa a mi primer día de rodaje no dormí”, comenta Bonneville. “La hoja de llamado decía, ‘George Clooney, Matt Damon, Bob Balaban, John Goodman, Bill Murray, Jean Dujardin, Dimitri (Leonidas) y yo’. Ese primer día estaba fascinado. Pero, al igual que todos ellos —y estos son actores particularmente buenos—, se habla un lenguaje de actuación similar; no pasa mucho tiempo para que comiences a compartir una taquigrafía laboral. Son personajes maravillosos, tanto fuera como dentro de la pantalla. Fue un privilegio. No dejaba de pellizcarme”.

 

BOB BALABAN interpreta el papel de Preston Savitz.  “Savitz es un intelectual, un historiador del arte y un empresario teatral”, comenta Balaban.

 

Heslov no mide sus palabras: “Es un dandi”, indica.  “Este es un tipo al que jamás esperarías encontrarte en una guerra. Todos ellos son como peces fuera del agua, pero el personaje de Bob es una ballena fuera del agua. Es esa yuxtaposición contra el personaje de Bill, lo que hace la relación muy divertida”.

 

“George es muy determinado. Muy preparado. Y muy tranquilo. Sabe lo que quiere y es un gran comunicador”, comenta Balaban. “Conserva su sentido del humor bajo presión. Le presta atención al detalle. Tiene un gran gusto y hace que venir a trabajar todas las mañanas sea un placer. ¿Qué más podrías pedir en un director?”.

 

Clooney y Heslov conocían a Balaban desde un ámbito social, y apenas estaban considerando actores para Operación Monumento cuando se cruzaron con él en el camino. “Acabábamos de terminar el guión de Operación Monumento y estábamos en un evento para apoyar Argo, y ahí estaba Bob”, comenta Heslov. “Esa noche estábamos hablando de eso y pensamos que sería maravilloso para el papel de Savitz. Le llamamos y aceptó hacerlo”.

 

Para Preston Savitz se inspiraron en el ‘Monument Man’ Lincoln Kirstein, un empresario estadounidense, conocedor del arte, autor e importante figura cultural de Nueva York, que fue cofundador del ballet de la ciudad de Nueva York.

 

El guión hizo que Balaban se metiera de lleno a la historia. El libro de Robert Edsel le dio una perspectiva más amplia, y obtuvo inspiración y entendimiento de otro libro que Edsel le dio —un libro de poesía escrito por Kirstein. “Fue escrito mientras Kirstein estaba en el extranjero”. Balaban dice, “Estaba claramente abrumado y nada preparado para su experiencia bélica. Su libro me recordó que si bien los ‘Monuments Men’ eran por lo general demasiado viejos, y de muchas maneras no aptos para la enorme tarea que se les avecinaba, cada uno de ellos estaba tremendamente honrado de estar ahí y absolutamente comprometido con su misión”.

 

En la película hace mancuerna con Richard Campbell, interpretado por Bill Murray. Su relación refleja aquella entre Kirstein y el capitán Robert Posey, asignados al Tercer Ejército de Patton, durante su búsqueda por el retablo de Gante.

 

“Esta es la tercera ocasión que he trabajado con Bill”, comenta Bob, “y esta vez nuestros personajes estaban prácticamente unidos a la cadera. Bill me enseñó todo lo que sé acerca de la cocina tailandesa. Y mi putting mejoró dramáticamente con tan sólo estar a su alrededor. Preston Savitz y Richard Campbell tampoco se llevaban muy bien. Pero nosotros sí. Si iba a estar atado a alguien durante cinco meses, me da gusto que haya sido con él”.

 

El último ‘Monument Man’ en la película es Sam Epstein, interpretado por DIMITRI LEONIDAS. Epstein, quien todavía no cumple los diecinueve años, es el único soldado real del grupo, reclutado por su habilidad para conducir y hablar alemán.

 

“Mi personaje creció en Alemania —pero Alemania lo rechazó porque es judío”, comenta Leonidas. “Cuando conocemos a Sam, es un cabo en el ejército y está básicamente perdido en el sistema. No saben qué hacer con él. Saben que podría ser útil de alguna manera, debido a sus antecedentes alemanes, pero es pasado por alto. Frank Stokes es quien aprecia su auténtica valía — es práctico tenerlo cerca porque sabe manejar y por su habilidad para entender el alemán”.

 

La inspiración para el personaje de Leonidas es Harry Ettlinger. “Nací en Alemania bajo la fe judía”, comenta Ettlinger. “Hitler estaba en pos de deshacerse de todos los judíos en el mundo. Mi papá perdió su negocio y mis padres se dieron cuenta que la vida económica para un judío ya no era posible en Alemania”.

 

Así, en septiembre de 1928, el Bar Mitzvah de Ettlinger fue recorrido a enero —y al día siguiente la familia se fue a los EEUU. “De hecho, el rabino sugirió que nos fuéramos esa misma tarde —a pesar de que supuestamente no puedes viajar en el Sabbat”, recuerda Ettlinger. “Pero mi padre dijo, ‘La guerra no va a comenzar esta tarde’ —y nos fuimos al día siguiente”.

 

Después de haber llegado a los Estados Unidos, Ettlinger se enlistó a los dieciocho años —como lo hacían todos los jóvenes de aquella época. En su cumpleaños diecinueve fue bajado de un vehículo que iba en camino hacia el frente para pelear la Batalla de las Ardenas, y tres meses después se unió a los ‘Monuments Men’.

Al trabajar en las minas, Ettlinger estuvo en contacto con numerosas piezas de arte invaluable. “Jim Rorimer encontró una pintura de Grunewald, la Madonna de Stuppach —ese fue el artículo más preciado para todos—, pero a un nivel personal vi un autorretrato de Rembrandt que pertenecía al museo de Karlsruhe, mi pueblo natal. Esa pintura era el orgullo y gloria del museo —y, de hecho, mi abuelo tenía una copia de esa obra. Está colgada en mi sala”.

 

De hecho, la familia de Ettlinger tenía una vasta colección de copias ex libris que habían perdido cuando vinieron a los Estados Unidos. “Durante mi estancia en Alemania, me fui un domingo en jeep a Baden Baden, el pueblo turístico. Me llevó un sobreviviente del holocausto llamado Ike. No le había dicho a mi sargento, así que, técnicamente, me ausenté sin permiso. Ahí fue donde encontré el almacén con la colección de mi abuelo”, comenta Ettlinger. “Tuvimos una especie de celebración —y esa noche acabamos en la mejor suite del mejor hotel del pueblo. Aquí estamos, un sobreviviente del holocausto y un soldaducho, durmiendo en una cama en la que debería descansar el Káiser de Alemania. Estoy muy orgulloso de eso”.

 

CATE BLANCHETT redondea el reparto como Claire Simone, una francesa en una singular posición en la Francia ocupada. “Claire Simon es la curadora en el Jeu de Paume —otrora museo de arte, pero se convirtió en una especie de depósito de arte robado por los Nazis”, explica Blanchett. “Pero su trabajo real se lleva a cabo por la noche, cuando registra el origen de las obras y adónde son llevadas de una manera obsesivamente detallada. Es el catalizador para el tercer acto de la película —los ‘Monuments Men’ saben que las obras están desapareciendo, pero no saben a dónde están siendo llevadas, por lo que necesitan su información”.

 

Blanchett dice que había algo verdaderamente diferente con respecto a las formas en las que los Nazis robaban arte. “En cada guerra, hay robos. Lo que más me impactó fue la manera matemática, calculada y sistemática en la que los Nazis lo hacían, y el hecho de que la adquisición de las obras comenzara desde principios de 1938”.

 

El otro elemento que hizo distinto a los robos Nazi fue el llamado Decreto Nero. “Cuando Hitler se percató que iba a perder la guerra, ordenó que todo lo que los Nazis habían amasado fuera destruido. No iba a dejar nada en manos de los ganadores”, explica Blanchett. “En cuanto al arte, lo que el Decreto Nero significaba era que todo lo que habían robado tenía que ser destruido”.

 

“El personaje de Matt, Granger, deberá ganarse su confianza”, continúa Blanchett. “Existía un miedo entendible por parte de los franceses de que si las obras las recuperaban los Aliados de manos de los Nazi, simplemente irían a colecciones o a coleccionistas en Rusia y los Estados Unidos. Desde ese punto de vista, ¿realmente importaba si era robada por los alemanes, los rusos o los americanos?”.

 

A final de cuentas, Granger y Simone forjan una inusual relación, comenta Blanchett. “Me parece que la historia de amor que existe entre ellos es un mutuo amor al arte, a la cultura”, comenta Blanchett. “Ambos están obsesionados —apasionadamente obsesionados— con la importancia de salvar esta obra para siempre. Creen que ni una sola persona debería ser dueña de una obra de arte. Es para todos. Así que me parece que están unidos por la nobleza de la causa”.

 

El personaje de Blanchett está inspirado en Rose Valland, una mujer francesa que valiente y secretamente mantuvo el registro del sistemático rastreo de los Nazis, arriesgando su vida en el proceso. “Rose Valland fue, al principio, una voluntaria y después supervisora en el Jeu de Paume, que colinda con el Louvre. Durante la guerra, fue un almacén para colecciones robadas de arte de judíos y otros objetos. Hermann Göring utilizó básicamente el Jeu de Paume como un centro comercial —los Nazis lo montaron como un espacio de exhibición para el arte hurtado”, explica Blanchett. “Su trabajo por sí solo salvó una incontable cantidad de obras de arte que, de otra manera, pudieron haber sido destruidas fácilmente. El hecho de que haya estado trabajando sola fue un acto de valentía extraordinaria. Me parece que fue capaz de conseguir lo que hizo porque no sobresalía —era la mujer con menos probabilidades de hacerlo”.

 

ACERCA DE LA PRODUCCIÓN

 

Operación Monumento se rodó principalmente en locaciones de Alemania, con unas cuantas semanas en Inglaterra.

 

Tras bambalinas, Clooney y Heslov ensamblaron a un equipo de jefes de departamentos, que han colaborado en varios de sus filmes, incluyendo el director de fotografía Phedon Papamichael, ASC (quien fotografió The Descendants y The Ides of March), el diseñador de producción Jim Bissell (que representa su cuarta película con Clooney como director), el editor Stephen Mirrione, A.C.E. (quien tiene once colaboraciones con Clooney, incluyendo las cinco películas de Clooney como director), y la diseñadora de vestuario Louise Frogley (quien ha colaborado con Clooney en ocho películas en total, incluyendo sus cuatro películas más recientes como director).

 

“Todo el equipo de producción —el editor, el diseñador de producción, el primer asistente de dirección, el cinefotógrafo, el sonidista, el supervisor de guardarropa— es el mismo película tras película, porque confiamos en ellos y nos encanta trabajar con ellos. Hace que ir a trabajar sea divertido. Se siente como una familia”, comenta Clooney.

 

Bissell admite que estaba sorprendido por la esfera de acción y ambición del nuevo proyecto cuando leyó por primera vez el guión de Operación Monumento, incluso a pesar de que estaba esperando algo distinto con respecto a la propuesta a escala menor de The Ides of March. “Pensé, ‘Esos son muchos sets’ —lo desmenucé y resultaron ser 146 sets. Rompió el record personal de George de 110 sets en Confessions of a Dangerous Mind”.

 

“No creo que la mayoría de la gente esté consciente del alcance de la contribución de un diseñador de producción durante la realización de una película”, comenta Heslov. “Son los primeros en llegar, encuentran las locaciones, y son aquellos que hacen que las locaciones se vean correctas para todas las escenas…”

“…y después, invariablemente, tienes que improvisar —digamos, hay mal clima. No puedes perder el día, así que piensas, ‘Bueno, podría rodar esta otra escena…’ Jim dice, ‘OK, dame una hora’, y hace que todo funcione”, comenta Clooney. “Yo no haría una película sin Jim Bissell”.

 

Después de muchas películas juntos, Bissell ha desarrollado una manera económica y fácil de trabajar con Clooney. “Hablo con George de una toma —qué elementos son factores de composición importantes en una escena. Una vez que lo platico con él, ya sea que salga y diseñe el set o vaya a buscar la locación que sea buena para lo que necesita. Después, regreso, lo consulto con él y es en ese momento donde hace el compromiso —antes de que llegue la compañía de rodaje. Le gusta estar preparado y no le gusta desperdiciar”, explica Bissell.

 

Nominado al Oscar® por su trabajo de diseño en Good Night, and Good Luck, Bissell sabe que un diseño de producción imperceptible le permite a la audiencia centrarse más de lleno en la esencia de la historia y los personajes. “La cosa más importante siempre, fue crear un ambiente, una impresión de cómo fue para los ‘Monuments Men’ y de cómo eran los marcos dramáticos donde la historia se desarrolla en realidad. Si hice mi trabajo bien, nadie debería saber o darse cuenta de lo que hice”, comenta.

 

Para Operación Monumento se seleccionaron tres locaciones importantes para el rodaje: el sur y sudeste de Inglaterra en el Reino Unido; la ciudad de Berlín y el área en y alrededor de Babelsberg, Alemania —incluyendo los Estudios Babelsberg (de 100 años de antigüedad) en la campiña adyacente en Potsdam—; y las montañas Harz, la cordillera más elevada al norte de Alemania.

 

Sin embargo, había docenas de sub-locaciones dentro de esos países que tuvieron que hacer las veces de una variedad de lugares en el mundo —incluyendo Washington D.C., Nueva York, Chicago, París, Gran Bretaña, Bélgica, Alemania, Austria e Italia— mientras representaban una plétora de lugares específicos: iglesias, museos, castillos, minas de sal, hospitales, campos aéreos, una base de entrenamiento militar y cuarteles generales de campo, caminos rurales, oficinas y viviendas.

 

Rodar en locaciones ayudó a los actores, comenta Dujardin. “Imagina estar en un lugar con 300 extras, jeeps, tanques y una historia intensa. Actuamos en Alemania, en Inglaterra. Rodamos bajo todo tipo de clima: nieve, lluvia, viento, sol. Desde luego, eso te sirve mucho de inspiración”, comenta. “Recuerdo una escena con John Goodman. Estábamos en el jeep y estoy herido, recostado sobre los brazos de John. Detrás de nosotros, había llovizna y estaba increíblemente brumoso. Yo sí creo que intensifica la emoción y ayuda a la película”.

 

“Fue realmente desafiante hacer que Alemania se hiciera pasar por Francia y Bélgica, y hasta cierto punto, hacer que el Reino Unido se viera como Alemania”, comenta Bissell. “Afortunadamente, las catedrales góticas tienen una escala y estilo que trasciende identidades nacionales. Así que fuimos capaces de ser un poco más genéricos en la manera en como las abordamos”.

 

Por ejemplo, Bissell rediseñó el interior de la catedral de San Esteban y de Sexto en Halberstadt, la capital del distrito Harz. Bajo la supervisión de Bissell, la catedral de Halberstadt hizo las veces de la catedral de San Bavo en Gante, Bélgica; el legítimo hogar de Adoración del Cordero Místico (también conocida como el retablo de Gante), del pintor Van Eycks.

 

Los procesos geológicos han producido numerosas cuevas en las montañas de Harz, muchas de las cuales fueron minadas por sus depósitos minerales. Bissell y su equipo transformaron éstas en las minas para la película, principalmente aquellas en Merkers, Alemania, y Altaussee, Austria, dos monumentales lugares donde resguardaron los saqueos Nazi.

 

“El área montañosa en la zona de Harz tiene los exteriores de todas nuestras minas en la película”, comenta Bissell. “Encontramos algunas minas de época maravillosas y antiguas. Algunas de ellas estaban en ruinas; otras fueron abandonadas, pero eran lo suficientemente pintorescas para arreglarlas y hacer que funcionaran para nosotros”.

 

Uno de los mayores retos para Bissell fue transmitir la enormidad de las reservas de arte y artefactos robados. “Al leer acerca de la escala del hurto de los Nazi, simplemente el volumen es alucinante”, comenta Bissell. “Es muy importante que nuestras audiencias entiendan qué fue lo que nuestros ‘Monuments Men’ encontraron —incluso ellos se sorprendieron con el alcance y la escala del robo. Necesitábamos ese impacto dramático. Tienes que ver esto —cuando por primera vez comenzaron a descubrir estas minas donde el arte robado había sido resguardado— y sentir lo que sintieron. Es sobrecogimiento, incredulidad —antes de que comiences a sentir la euforia por encontrar estos tesoros”.

 

Si bien parte del rodaje se llevó a cabo en minas auténticas, la mayoría de túneles fueron construidos en foros de los Estudios Babelsberg. “Son muchas cosas las que tienes que andar moviendo —pinturas, cajones, esculturas—, y para poder obtener la escala debes de tener grandes espacios que sean accesibles por uno o dos túneles, a quinientos metros bajo tierra”, comenta Bissell. “No es ahí donde te gustaría enviar a una compañía de cine. Así que, durante las primeras etapas, tomamos la decisión de construir un gran set de minas que fuera modular, en el que pudiéramos rodar desde ángulos distintos y que contará con diferentes reservas de arte. Construimos esos sets en los Estudios Babelsberg. Eran grandes, pero tenían que serlo”.

 

Además de estos sets, copias eficientes de las obras de arte también fueron clave en la producción. Más de mil obras de arte tuvieron que ser duplicadas de manera auténtica, aunque sólo haya aparecido una esquina de la gran pintura, escultura o tapiz mostrado en pantalla.

 

La producción tenía una serie de medios para conseguir fuentes de arte. Existen muchas casas de renta —principalmente en Inglaterra— que tienen colecciones de pinturas al óleo en renta. “No son obras maestras, pero son bastante buenas, en su mayoría retratos”, comenta Helen Jarvis. Muchas esculturas podían ser adquiridas de la misma manera, al rentar reproducciones que habían sido hechas a lo largo de los años.

 

También se dieron a la tarea de obtener archivos de alta resolución e imprimir las pinturas. “Muchas de estas pinturas son bastante complejas, e imprimir se ha vuelto muy sofisticado; era claramente el camino a seguir”, comenta Jarvis.

 

Dos de estas piezas, sin embargo, fueron coestrellas artísticas en la película: la Madonna de Brujas y el retablo de Gante. Iban a estar saliendo bastante en pantalla y requerían de una atención especial.

 

Para la Madonna de Brujas, los realizadores adoptaron varios enfoques. “Sabíamos que íbamos a necesitar dos reproducciones —una para nuestras ‘tomas heroicas’, tan bellas como se pudieran, y otra para estarla moviendo de lado a lado, envuelta en colchas —que íbamos a usar más como pieza de utilería”, recuerda Jarvis.

 

En Italia, el decorador de sets del filme, Bernhard Henrich, encontró un jardín lleno de estatuas que habían pertenecido alguna vez a Cinecittà, el famoso estudio cinematográfico italiano. “Por sorprendente que parezca, tenían una Madonna de Brujas, hecha de fibra de vidrio”, comenta Jarvis. “Sabíamos que les íbamos a rentar varias obras a ellos, así que ésa la enviamos antes para que pudiéramos ver cuán buena era —y era muy, muy buena”.

 

Los realizadores también contrataron a un escultor de Berlín para que tallara una nueva reproducción de hule espuma de alta densidad. “Fuimos a Brujas y tomamos unas fotos de alta resolución — ¡y compramos incluso mejores imágenes en la tienda de regalos! Asimismo, en el ayuntamiento de Brujas, resulta que hay un molde de yeso de 100 años de antigüedad de la Madonna, que está en un pasillo. A partir de esa reproducción, fuimos capaces de sacar muy buenas fotos laterales de la Madonna. Después, nuestro muy consumado escultor talló durante dos o tres semanas”.

 

Los realizadores después compararon tres fotos de tamaño real, una al lado de la otra: la Madonna real, la reproducción italiana en fibra de vidrio y la escultura de hule espuma. “Ganó la de fibra de vidrio italiana”, comenta Jarvis. “Era la más parecida a la original. La de hule espuma se convirtió en nuestro respaldo”.

 

La otra pieza clave fue el retablo de Gante. “Para el retablo de Gante, obtuvimos los derechos de un archivo impreso digital de muy alta resolución”, comenta Bissell.

 

“Hicimos una prueba tras otra”, comenta Jarvis. “Imprimimos el panel de la Madonna en el vestido de terciopelo verde en diferentes tipos de materiales, antes de habernos dado cuenta que una técnica más moderna —una técnica de impresión revestida de vinilo— fue la que funcionó mejor. Después se lo dimos a nuestro pintor escénico, quien le puso un acabado de pintura encima —una cera con acrílico— que le dio el gran aspecto de haber sido pintada. Y, después, nuestro carpintero creó todo el marco de madera, y construimos un complejo retablo de piedra para que descansara sobre él”.

 

Los realizadores recrearon Los Burgueses de Calais, la gran escultura de Rodin. “Encontramos una compañía en Nueva York que hizo dos réplicas de la estatua de sesenta centímetros”, comenta Jarvis. “Podrías pensar que no fueron útiles, pero fueron maravillosas porque las podíamos rotar y ver cada matiz de la tapicería. Nuevamente, los tallamos de un hule espuma denso, pero la textura de bronce fue mucho más flexible que el mármol”.

 

Louise Frogley, la diseñadora de vestuario, dice que su reto fue similar al de Bissell —uno de logística y esfera de acción. “Existían muchas escenas de gran envergadura, donde habían personas uniformadas y civiles en diferentes estados de deterioro”, recuerda Frogley. “Había grandes cantidades de gente involucrada y vastas sumas de vestuario, por lo que teníamos que hacer pruebas previas mientras el rodaje seguía su camino. Además, enviábamos cosas por adelantado mientras filmábamos. También, teníamos que vestir a gente en una locación, mientras que en otra les estábamos probando su atuendo. Tuvimos que encontrar relojes para cada actor principal, múltiples para ellos. Tuvimos que hacer lentes, revestidos y sin revestir. Y lentes oscuros, igual, revestidos y sin revestir. Y así fue todo el tiempo. Tanto detalle nos llevó a la locura, pero lo logramos”.

 

A pesar de la cantidad de películas antiguas de la Segunda Guerra Mundial, uniformes militares no fueron fáciles de encontrar. “Muchos de los uniformes originales han sido vendidos, destruidos o están en malas condiciones”, comenta Frogley. “Estas cosas no duran mucho si no se les da el debido cuidado. Existen cosas originales todavía en existencia, pero los tamaños son casi siempre muy pequeños. Teníamos algunos maravillosas sacos originales Nazi, pero en tallas 36 del pecho —sin los pantalones”.

 

Frogley, junto con el supervisor de vestuario John C. Casey y el supervisor de vestuario militar Joe Hobbs, tuvieron la tarea adicional de vestir a los actores que representaban a los diferentes ejércitos: estadounidense, alemán, británico, francés y belga. “Y, desde luego, a mitad de la guerra, los uniformes cambiaron”, añade Frogley.

 

Para lograrlo, Frogley explica, se convirtió en un auténtico esfuerzo internacional. “Los uniformes llegaron de todas partes”, explica Frogley. “Teníamos cosas hechas en Polonia. Teníamos telas hechas en Pakistán. Trajimos cosas de comerciantes en Holanda. Botas desde México”.

 

Si bien los ‘Monuments Men’ pasan la mayor parte de la película en uniforme, fue importante diseñar el vestuario en las primeras escenas para reflejar su vida como civiles. “Estábamos intentando en gran medida reflejar quiénes eran al principio como civiles, porque no eran los típicos militares”, dice Frogley. “De esa manera, podíamos mostrar la diferencia que pudo haber tenido el haber estado en el ejército. Stokes (George Clooney) es un intelectual, así que está vestido elegantemente, de manera apropiada, pero sobresaliente. Granger (Matt Damon) es un poco más extravagante; lo vemos por primera vez con agradables overoles de época sobre atuendos más informales, antes de que se vista un poco mejor cuando se reúne con Stokes. Campbell (Bill Murray) es un arquitecto, así que lo vemos en un traje, justo en el lugar donde está construyendo un edificio. Garfield (John Goodman) es un escultor, así que lo conocemos en una bata y gorra de escultor; en uniforme no deja de verse un poco desaliñado, porque eso encaja con el personaje. Savitz (Bob Balaban) trabaja en el mundo de la danza; lo vestimos de una manera más llamativa”.

 

Una vez que se unen al ejército, cada hombre pasa a formar parte de una unidad, trabajando para conseguir el mismo objetivo. “Desde luego, los actores todavía aportan individualidad a sus personajes y pueden apelar a la manera en la que utilizan sus uniformes para reflejar eso —un camisa fajada a la cintura de manera impecable, un cuello doblado, pequeñas cosas que muestren diferentes características. Todos estos hombres son actores muy inteligentes. Van a utilizar todo lo que puedan, cualquier cosa para mejorar al personaje”.

 

“Louise Frogley es una diseñadora brillante”, señala Cate Blanchett. “Sus pruebas de guardarropa siempre me han parecido realmente informativas y creativas. Junto con ella, intercambias imágenes e ideas. Louise siempre aborda épocas de maneras inesperadas, pero auténticas”.

 

 

ACERCA DE LOS AUTÉNTICOS ‘MONUMENTS MEN’ Y EL ARTE

 

Durante siglos, ejércitos conquistadores han tratado el arte de sus conquistados como botines de guerra. Pero el mundo no estaba preparado para el saqueo de los Nazis, quienes robaron millones de tesoros artísticos conforme marchaban a lo largo de Europa.

 

Adolf Hitler fue un gran amante del arte. Un artista frustrado que fue rechazado en dos ocasiones por la prestigiosa Escuela de Bellas Artes de Viena, Hitler soñó con transformar su pueblo adoptado de Linz, Austria, en una súper ciudad. La pieza central de esta metrópolis soñada iba a ser supuestamente el Fuhrermuseum, que albergaría y exhibiría prácticamente las mejores piezas de arte del mundo: pinturas, esculturas, tapices…cualquier cosa que Hitler considerara digna de su colección. El segundo al mando de Hitler, Reichsmarschall Hermann Göring, fue el principal procurador de Hitler en la adquisición del arte europeo, mientras robaba una significante cantidad de piezas de arte para él.

 

El volumen de piezas robadas es impactante: más de cinco millones de los más grandes tesoros culturales fueron robados por los Nazis. Los artículos hurtados incluían cientos de miles de trabajos de los Maestros, los más grandes artistas del arte clásico: Miguel Ángel, DaVinci, Rembrandt, Van Eyck, Vermeer y muchos más. Tan sólo un depósito para las piezas de arte —la mina de sal en Altausse, Austria— tenía 6,577 pinturas, 230 dibujos o acuarelas, 137 esculturas, 122 tapices, y entre 1200 y 1700 cajas de libros raros.

 

Una vez que se comenzó a correr la voz en los Estados Unidos del robo de arte de los Nazis y la destrucción de iglesias, museos y monumentos de ambos frentes durante la guerra, líderes de la comunidad artística norteamericana se organizaron para salvar la historia cultural del mundo occidental. Le presentaron su caso al presidente Franklin D. Roosevelt y, con su apoyo, formaron la American Commission for the Protection and Salvage of Artistic and Historic Monuments in Europe (Comisión Americana para la Protección y Salvaguarda de Monumentos Artísticos e Históricos en Europa). De esa comisión, surgió el grupo Monuments, Fine Arts and Archives (MFAA) (Monumentos, Bellas Artes y Archivos), que formaría la brigada que protegería los restantes monumentos históricos, recuperaría el arte robado y regresaría aquellos tesoros a su país de origen.

 

Para cuando Alemania se rindió, había aproximadamente una docena de ‘Monuments Men’ en el campo al norte de Europa, incluyendo:

 

El teniente George Stout, un líder en el campo de la restauración de arte, que concibió por primera vez la idea de los ‘Monuments Men’. Stout fue el líder reconocido del grupo (el rango militar no reflejaba necesariamente la jerarquía práctica dentro de la MFFA).

 

El segundo teniente James J. Rorimer, futuro director del Museo de Arte Metropolitano en Nuevo York, a cargo de los famoso claustros del Met.

 

El capitán Walker Hancock, uno de los escultores más reconocidos de los Estados Unidos.

 

El capitán Robert Posey, un reconocido arquitecto que fungió como asesor del MFAA en el Tercer Ejército de Patton.

 

El cabo Lincoln Kirstein, futuro fundador del Ballet de la ciudad de Nueva York.

 

El cabo Harry Ettlinger, judío nacido en Alemania y con tan sólo dieciocho años, por mucho, el más joven del grupo. Ettlinger llegó a los Estados Unidos con sus parientes poco tiempo después de la toma de los Nazis de su tierra natal. Si bien Ettlinger no se movió en los mismos círculos artísticos que los otros, probó ser un miembro invaluable como conductor y traductor.

 

Los ‘Monuments Men’ también encontraron una valiosa aliada en París, en la persona de Rose Valland, una historiadora del arte, miembro de la Resistencia Francesa y, durante la ocupación Nazi, supervisora del Museo Jeu de Paume. Los alemanes utilizaron el museo como su depósito central y almacén de clasificación, de hasta 20,000 obras de arte.

 

De manera subrepticia, Valland mantuvo registros de cada una de las piezas que pasaron por ese museo. Durante cuatro años, logró mantener secreto el hecho de que hablaba alemán, mientras se daba a la tarea de localizar los destinos de las piezas y, ante un gran riesgo personal, le informaba a la resistencia francesa qué cargamentos de trenes contenían invaluables obras de arte.

 

Valland es una de las mujeres más condecoradas en la historia de Francia.

 

En marzo de 1945, una vez que las tropas de los aliados se aproximaban rápidamente, Hitler emitió su infame “Demolitions on Reich Territory Decree” (apodado el “Decreto Nero”), que ordenaba la destrucción de la infraestructura alemana para prevenir su uso por las fuerzas aliadas —y fue ampliamente interpretada hasta extenderse a la masiva colección de arte robado.

 

Mientras los ‘Monuments Men’ eran responsables por el rescate y preservación de millones de tesoros de arte europeos, dos piezas en particular cobraron especial significancia: la Madonna de Brujas y el Retablo de Gante.

 

La Madonna de Brujas

 

El cuarto tratamiento de Miguel Ángel del tema de la Madonna y el Niño Jesús representa una gran variación con respecto a su trabajo previo. La Madonna no acuna al Niño Jesús en sus brazos o regazo. En cambio, el niño está entre sus rodillas, como si fuera a dar su primer paso. La expresión preocupada de la madre parece indicar un entendimiento claro de lo que le espera.

 

Alrededor de 1506, los hermanos Mouscron, adinerados flamencos minoristas de telas, llevaron la estatua de mármol de 1.27 m. a Bélgica, donde fue colocada en el altar de su capilla familiar en la iglesia de Notre-Dame, en Brujas. Desde entonces, la Madonna de Brujas ha sido el residente más famoso de Bélgica. La escultura fue removida de Brujas por Nazis en retirada en septiembre de 1944, y fue encontrada y regresada por los ‘Monuments Men’.

 

El Retablo de Gante

 

La Adoración del Cordero Místico o Cordero de Dios, un antiguo políptico flamenco de paneles, es una de las obras de arte más espectaculares y admiradas del mundo. Es comúnmente llamada el Retablo de Gante debido a su hogar, en la Catedral de San Bavo en la ciudad belga de Gante.

 

Se cree que la obra fue empezada por Hubert Van Eyck alrededor de 1415 y después continuada por su hermano menor y más prolífico, Jan, a la muerte de Hubert en 1426. Jan terminó el trabajo en 1432. Los historiadores del arte concuerdan comúnmente que Jan hizo la gran mayoría de la pintura. Este magnífico retablo de doce paneles es una producción compleja, que cuenta con ocho persianas de bisagra, pintadas en ambos lados, que presentan dos puntos de vista distintos, al estar cerradas o abiertas.

 

El Retablo de Gante también es reconocido por ser una de las piezas de arte más frecuentemente robadas:

 

1566: El retablo es desmantelado y escondido para proteger su quema de los calvinistas, ya que lo consideraban como un icono católico.

 

1784 a 1860: Dos paneles, que representaban las figuras desnudas de Adán y Eva, desaparecieron misteriosamente.

 

I794: Los cuatro paneles que representan La Adoración son llevados a París por el ejército francés.

 

1816/17: Seis persianas son compradas por Guillermo de Prusia.

 

1914-1918: El retablo es dividido en tres ciudade: Bruselas, Berlín y Gante.

 

En 1914: Los alemanes se roban los paneles de Adán y Eva.

 

1919: Una cláusula en el Tratado de Versalles —ante la insistencia de críticos de arte de todo el mundo— exige el regreso de todos los paneles a su lugar de origen, en Gante. La cláusula no fue impuesta hasta 1923.

1935: Los paneles de Los Jueces Justos y San Juan el Bautista son robados, seguido de una demanda de rescate. El panel de San Juan es regresado como una “muestra de buena fe”, pero no se entrega dinero alguno. El panel de los jueces nunca fue recuperado. (El restaurador Jan van der Veken repintó el panel perdido después de la Segunda Guerra Mundial).

 

 

ACERCA DEL REPARTO:

 

George Clooney (Frank Stokes / Director / Productor / Coescritor) ha sido reconocido con nominaciones al Oscar^® y numerosos honores más por su trabajo como actor, escritor, director y productor, además de ser igualmente reconocido por sus esfuerzos humanitarios mundiales.

 

Clooney después será visto al lado de Hugh Laurie y Britt Robertson en la aventura de ciencia ficción Tomorrowland, dirigida por Brad Bird, y escrita por Bird, Jeff Jensen y Damon Lindelof, para Disney.

 

Más recientemente actuó al lado de Sandra Bullock en la mundialmente exitosa película Gravity (Gravedad), dirigida por Alfonso Cuarón. Además, con su socio productor en Smokehouse, Grant Heslov, produjo el largometraje August: Osage County.

 

Con Heslov y el director/productor Ben Affleck, Clooney ganó el Oscar® a Mejor Película por el thriller Argo (Ídem). La película también obtuvo los premios a Mejor Película en los BAFTA, Globos de Oro y en el Producers Guild of America (PGA) (Sindicato de Productores de los EEUU).

 

En el 2012, recibió una nominación al Oscar^® a Mejor Guión Adaptado por su trabajo en el drama político The Ides of March (Poder y traición), que también dirigió, produjo y protagonizó. También recibió nominaciones al Globo de Oro a Mejor Director y Mejor Guión, así como nominaciones para el premio tanto del Producers Guild of America (PGA) como del Writers Guild of America (WGA) (Sindicato de Escritores de los EEUU).

 

Previo a ello, la sumamente aclamada película de Clooney Good Night, and Good Luck (Buenas noches, buena suerte), que también coescribió con Grant Heslov, obtuvo una serie de reconocimientos. Recibió nominaciones al Premio de la Academia®, Globo de Oro, Premio BAFTA y Premio Critics’ Choice a Mejor Director y Mejor Guión; nominaciones tanto del Premio del Directors Guild of America (DGA) como del Writers Guild of America (WGA); una nominación al Premio Independent Spirit a Mejor Director; y una nominación al Premio Screen Actors Guild^® (SAG)(Sindicato de Actores de Cine) a Mejor Ensamble, compartido con el reparto. También obtuvo por la película el Premio Freedom de la Broadcast Film Critics Association.

 

Su debut como director, la película Confessions of a Dangerous Mind (Confesiones de una mente peligrosa) en el 2002, obtuvo un Premio Special Achievement in Film (Logro Especial en Cine) de la National Board of Review.

 

George Clooney y Grant Heslov fundaron Smokehouse Pictures con el estreno en el 2008 de Leatherheads (Jugando sucio), que Clooney dirigió y protagonizó. En el 2009, bajo los auspicios de Smokehouse, Clooney también protagonizó y produjo The Men Who Stare at Goats (Hombres de mentes), que representó el debut como director de cine de Heslov.

 

Clooney estuvo asociado previamente con Steven Soderbergh en la compañía productora Section Eight, que produjo la trilogía de Ocean, dirigida por Soderbergh y protagonizada por Clooney como parte de un reparto estelar. Otros filmes de Section Eight incluyen Michael Clayton (Ídem), Syriana (Ídem), Good Night, and Good Luck, The Informant! (El informante), The Good German (Intriga en Berlín), Insomnia (Insomnia), Far From Heaven (Lejos de casa), The Jacket (Regresiones de un hombre muerto), Full Frontal (Todo al descubierto) y Welcome to Collinwood (Pandilla de fracasados). Para la división televisiva de Section Eight, Clooney fungió como productor ejecutivo y dirigió cinco episodios de “Unscripted”, un reality-show que salió al aire por HBO en el 2005. También fue productor ejecutivo de “K Street”, para HBO.

 

Clooney ha sido igualmente reconocido por sus actuaciones en la pantalla grande. Ganó un Oscar^® a Mejor Actor Secundario por su papel en Syriana; además, por este papel obtuvo un Globo de Oro y recibió nominaciones al Premio BAFTA, SAG^® y Critics’ Choice a Mejor Actor Secundario. Clooney ha sido honrado con tres nominaciones adicionales al Oscar® a Mejor Actor, por sus papeles en Michael Clayton, Up in the Air (Amor sin escalas) y The Descendants (Los descendientes). Su actuación en The Descendants también le valió un Globo de Oro y varios premios de asociaciones de críticos, así como nominaciones a Mejor Actor para el Premio BAFTA y el Premio Screen Actors Guild (SAG)^®.

 

Sus otros créditos cinematográficos como actor incluyen las películas de las hermanos Coen Burn After Reading (Quémese después de leerse), O Brother, Where Art Thou? (¿Dónde estás hermano?), por la que Clooney obtuvo su primer Globo de Oro, y Intolerable Cruelty (El amor cuesta caro); Solaris (Ídem) y Out of Sight (Un romance peligroso), ambas de Soderbergh; The Perfect Storm (La tormenta perfecta), The Peacemaker (El pacificador), Batman & Robin (Batman y Robin), One Fine Day (Un día muy especial) y From Dusk Till Dawn (Del crepúsculo al amanecer). También prestó su voz para el personaje que le da nombre al título en la película animada nominada al Oscar^® Fantastic Mr. Fox (El fantástico Sr. Zorro), de Wes Anderson.

 

En la pantalla chica, Clooney ha protagonizado varios proyectos televisivos, pero es mejor conocido por sus cinco años en “ER”. Su interpretación del Dr. Doug Ross en la exitosa serie dramática de NBC le valió nominaciones a los Premios Emmy, Globo de Oro y SAG^®. Además, en el 2000, fue productor ejecutivo y estrella de la transmisión en directo por televisión de “Fail Safe”, basada en la novela homónima de 1962, y por la que obtuvieron un Globo de Oro. También es productor ejecutivo de la serie “Memphis Beat”, de Smokehouse.

 

Más recientemente, Clooney fue nominado en el 2010 para un Emmy por su trabajo como productor en el teletón “Hope for Haiti Now”, que recabó más de $66 millones de dólares, para establecer un nuevo record de donaciones hechas por el público para un teletón de ayuda para un desastre.

 

Hijo de un presentador de noticiarios, Clooney es un defensor a ultranza de la Primera Enmienda, con un profundo compromiso ante las causas humanitarias. En el 2006, Clooney y su padre, Nick, fueron a Darfur, África, devastada por la sequía, a filmar el documental Journey to Darfur. El trabajo de Clooney a favor de Darfur lo llevó a pronunciar un discurso ante el Consejo de Seguridad de las Naciones Unidas. También narró el documental de Darfur titulado Sand and Sorrow.

 

En el 2007, Clooney, Brad Pitt, Matt Damon, Don Cheadle y Jerry Weintraub cofundaron Not On Our Watch, una organización cuya misión es centrar la atención mundial y los recursos para detener y prevenir las atrocidades de masas en Darfur.

 

Entre los múltiples honores que recibió como resultado de sus esfuerzos humanitarios en Darfur estuvo el Premio Peace Summit, en el 2007, dado en la octava Cumbre Mundial de los Ganadores del Premio Nobel de la Paz, en su reunión anual en Roma. También formaron parte de la ceremonia el alcalde de Roma Walter Veltroni, Lech Walesa, Mikhail Gorbachov y el Dalai Lama. En el 2008, Clooney fue designado Mensajero de la Paz de las Naciones Unidas, uno de ocho individuos elegidos para apoyar a las Naciones Unidas en sus esfuerzos por salvaguardar la paz.

 

La Academia de Ciencias y Artes de la Televisión galardonó a Clooney con el Premio Humanitario Bob Hope en los Emmy matutinos del 2010. Fue la cuarta persona en recibir este prestigioso premio.

 

Más tarde ese año, Clooney recibió el Premio Robert F. Kennedy Ripple of Hope por su dedicación a los esfuerzos humanitarios en Sudán y Haití.

En diciembre de 2010, Clooney junto con las Naciones Unidas, la Universidad de Harvard y Google, lanzaron “The Satellite Sentinel Project”, un esfuerzo por supervisar la violencia y las violaciones a los derechos humanos entre el norte y el sur de Sudán. Not on Our Watch financió una nueva tecnología de supervisión, que le permite a satélites tomar fotografías para advertir cualquier amenaza potencial a civiles, detectar bombas, observar el movimiento de tropas y percibir cualquier otra evidencia de posible violencia de masas.

 

MATT DAMON (James Granger) protagonizó más recientemente el éxito de ciencia ficción Elysium (Ídem), dirigido por Neill Blomkamp, y su séptima película para Steven Soderbergh, “Behind the Candelabra”, producida por HBO y estrenada mundialmente en cines después de su premier en televisión. Por su actuación en “Behind the Candelabra”, Damon fue honrado con nominaciones al Emmy, Screen Actors Guild, y Globo de Oro. Damon trabajó previamente con Soderbergh en The Informant!, Contagion (Contagio), Che, Ocean’s Eleven (La gran estafa) Ocean’s Twelve (La nueva gran estafa) y Ocean’s Thirteen (Ahora son 13).

 

“Behind the Candelabra”, protagonizada por Michael Douglas en el papel de Liberace, obtuvo dos Globo de Oro, uno para Douglas a Mejor Actuación de un Actor en una Miniserie o Película realizada para Televisión y otro a Mejor Miniserie o Película realizada para Televisión. Además, fue nominada para la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes del año pasado, y ganó 11 Premios Emmy por su estreno en televisión.

 

Los otros reconocimientos de Damon incluyen tres nominaciones al Premio Primetime Emmy por haber fungido como productor ejecutivo de las tres temporadas de la serie documental “Project Greenlight”.

 

En el 2009, Damon recibió nominaciones al Premio de la Academia^®, Globo de Oro y Screen Actors Guild por su papel en el drama histórico Invictus (Ídem), de Clint Eastwood. Previo a ello, por su actuación en la película Good Will Hunting (Mente Indomable), fue honrado con nominaciones al Premio de la Academia^® y al Globo de Oro, además de haber obtenido un Oscar^® por haber coescrito el guión original. También recibió nominaciones al Globo de Oro por sus papeles protagónicos en The Informant!, de Soderbergh, y The Talented Mr. Ripley (El talentoso Mr. Ripley), de Anthony Minghella.

 

Damon interpretó a Jason Bourne en los thrillers The Bourne Identity (Identidad desconocida), The Bourne Supremacy (La supremacía Bourne) y The Bourne Ultimatum (Bourne: El ultimátum). También actuó al lado de un reparto estelar en Ocean’s Eleven, Ocean’s Twelve y Ocean’s Thirteen, todas de Steven Soderbergh.

 

Los créditos de Damon también incluyen Promised Land (La tierra prometida), que coescribió y produjo en el 2012; We Bought a Zoo (Un zoológico en casa); Margaret (Ídem); The Adjustment Bureau (Los agentes del destino); True Grit (Temple de acero); Hereafter (Más allá de la vida); Green Zone (La ciudad de las tormentas); The Good Shepherd (El buen pastor); The Departed (Los infiltrados); Syriana; The Brothers Grimm (Los hermanos Grimm); Stuck on You (Pegado a ti); Gerry; All the Pretty Horses (Espíritu salvaje); The Legend of Bagger Vance (Leyendas de vida); Dogma (Ídem); Rounders (Apuesta final); Saving Private Ryan (Salvando al soldado Ryan); The Rainmaker (El poder de la justicia), Chasing Amy (Mi pareja equivocada); Courage Under Fire (Valor bajo fuego); Geronimo: An American Legend y School Ties.

 

BILL MURRAY (Richard Campbell) interpretó más recientemente a Franklin Delano Roosevelt en Hyde Park on Hudson, por la que obtuvo una nominación al Globo de Oro a Mejor Actor. El año pasado también se reunió con el director Wes Anderson en Moonrise Kingdom (Un reino bajo la luna). Ha actuado en todas las películas previas de Anderson, incluyendo The Royal Tenenbaums (Los Excéntricos Tenenbaums), The Life Aquatic with Steve Zissou (Vida acuática), The Darjeeling Limited (Viaje a Darjeeling), y Fantastic Mr. Fox (voz). En 1998, su papel protagónico en la comedia de Anderson  Rushmore (Tres es multitud), le valió el Premio a Mejor Actor Secundario del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York, la Sociedad Nacional de Críticos de Cine, la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles y de los Premios Independent Spirit. También protagonizará The Grand Budapest Hotel, de Wes Anderson, junto a Ralph Fiennes en marzo de este año.

 

Nacido en Chicago, comenzó su carrera en la actuación ahí, con la compañía de improvisación Second City. Se unió al reparto de “Saturday Night Live”, para NBC, en la segunda temporada del programa, y poco tiempo después obtuvo un Premio Emmy como uno de los escritores del programa. Más tarde escribió el libro Cinderella Story: My Life in Golf.

 

Después de haber hecho su debut en la pantalla en Meatballs, de Ivan Reitman, Murray volvió a hacer mancuerna con el director en Stripes (El pelotón chiflado) y en las películas de Ghostbusters (Los cazafantasmas). Sus créditos cinematográficos también incluyen Caddyshack (Los locos del golf) y Groundhog Day (Hechizo del tiempo), ambas de Harold Ramis; Where the Buffalo Roam, de Art Linson; Tootsie (Ídem), de Sydney Pollack; The Razor’s Edge (Al filo de la navaja), de John Byrum; Scrooged (Los fantasmas contraatacan), de Richard Donner; What About Bob?, de Frank Oz; Mad Dog and Glory (Perro bravo y gloria) y Wild Things (Criaturas salvajes), ambas de John McNaughton; Ed Wood (Ídem), de Tim Burton; Kingpin, de Peter y Bobby Farrelly ; The Man Who Knew Too Little (El teatro de la vida), de Jon Amiel; Cradle Will Rock, de Tim Robbins; Hamlet, de Michael Almereyda; City of Ember, de Gil Kenan; Get Low, de Aaron Schneider, por la cual recibió nominaciones a los Premios Spirit y Satellite; Passion Play (El ángel del deseo), de Mitch Glazer; y A Glimpse Inside the Mind of Charles Swan III, de Roman Coppola.

 

Por su actuación en Lost in Translation (Perdidos en Tokio), de Sofia Coppola, Murray recibió los Premios Globo de Oro, BAFTA, Independent Spirit, así como el premio de los críticos de cine de Nueva York, Los Ángeles y Chicago, entre otros, a Mejor Actor. También fue nominado para el Screen Actors Guild y el Premio de la Academia^®.

 

 

Actuó para Jim Jarmusch en el segmento Delirium de Coffee and Cigarettes (Café y cigarrillos); en Broken Flowers (Flores rotas), por la que fue nominado a un Premio Satellite a Mejor Actor; y en The Limits of Control (Los límites del control).

 

Los proyectos cinematográficos recientes de JOHN GOODMAN (Walter Garfield) incluyen el drama Argo (Ídem), de Ben Affleck, que ganó el Premio de la Academia^® en el 2013 a Mejor Película, el thriller Flight (El vuelo), de Robert Zemeckis, y el drama deportivo Trouble with the Curve (Curvas de la vida), al lado de Clint Eastwood. En el 2013, Goodman ganó el Premio National Board of Review Spotlight por su trabajo en conjunto en Argo, Flight y Trouble with the Curve.

 

Entre sus estrenos del 2013 estuvieron Inside Llewyn Davis, de los hermanos Coen, que se estrenó ante grandes elogios en el Festival de Cine de Cannes, y la película animada Monsters University, para Disney/Pixar.

 

Los otros créditos cinematográficos recientes de Goodman incluyen la película silente en blanco y negro ganadora del Premio de la Academia The Artist (El artista), para The Weinstein Co., y el drama nominado al Oscar^® Extremely Loud and Incredibly Close (Tan fuerte y tan cerca), dirigido por Stephen Daldry, para Warner Bros.

 

Sus créditos televisivos recientes incluyen “Damages”, para DirecTV, y “Community”, para NBC. Entre sus múltiples reconocimientos por su trabajo en televisión se encuentran un Globo de Oro a Mejor Actor y siete nominaciones al Emmy por su papel en “Roseanne”. También obtuvo nominaciones al Emmy por sus papeles protagónicos en “Kingfish: A Story of Huey P. Long”, para TNT, y en la producción de “A Streetcar Named Desire”, original de Tennessee Williams, para CBS. En el 2007, Goodman ganó su segundo Emmy, a Actor Invitado Sobresaliente, por su participación en “Studio 60 on the Sunset Strip”.

 

La película biográfica de Jack Kevorkian, “You Don’t Know Jack”, para HBO, reunió a Goodman con Al Pacino (Sea of Love) y Susan Sarandon (Speed Racer), La película también le valió una nominación al Emmy a Actor Secundario Sobresaliente en una Miniserie o Película y una nominación al SAG a Actuación Sobresaliente de un Actor en un Película para Televisión o Miniserie.

 

Créditos cinematográficos previos incluyen In The Electric Mist, Confessions of a Shopaholic (Loca por las compras), Bee Movie (Bee Movie: La historia de una abeja), Pope Joan (La pontífice), Alabama Moon, Gigantic, Marilyn Hotchkiss’ Ballroom Dancing and Charm School (Encuentros y despedidas), Beyond the Sea, Masked and Anonymous, Storytelling (Historias de ironía y perversión), O Brother, Where Art Thou?, Coyote Ugly (Ídem), What Planet Are You From?, One Night at McCool’s (Un ángel seductor), Bringing Out the Dead (Vidas al límite), Fallen (Poseídos), The Borrowers (Mis pequeños inquilinos), Blues Brothers 2000 (Hermanos cara dura 2000), The Runner (El apostador), The Flintstones (Los Picapiedra), Mother Night (La sombra del pasado), Arachnophobia (Aracnofobia), Always (Siempre), Pie in the Sky, Born Yesterday (Nacida ayer), Matinee (Matiné), The Babe (Babe Ruth: Rebelde, amante y leyenda), King Ralph, Punchline (La última carcajada), Everybody’s All-American, Sea of Love (Prohibida obsesión), Stella (Ídem), Eddie Macon’s Run, C.H.U.D., Revenge of the Nerds (La venganza de los nerds), Maria’s Lovers (Los amantes de María), Sweet Dreams, True Stories (Verdades maliciosas), The Big Easy (La ciudad del vicio), Burglar (La ladrona), The Wrong Guys, Raising Arizona (Educando a Arizona) y The Big Lebowski (El gran Lebowski). Goodman obtuvo una nominación al Globo de Oro a Mejor Actor Secundario por su papel en la película Barton Fink (Ídem), de los hermanos Coen.

 

Ha prestado su voz para múltiples películas animadas, incluyendo Monsters, Inc., The Emperor’s New Groove (Las locuras del emperador), Tales of the Rat Fink y The Jungle Book II (El libro de la selva 2). También le prestó su voz al personaje principal en la serie animada “Father of the Pride”, para NBC.

 

Goodman estudió en la Escuela Estatal de Southwest Missouri con la intención de jugar futbol americano, pero una lesión lo llevó a cambiar su rumbo. Nunca regresó al futbol y se graduó con un título en teatro.

 

Goodman actuó en Broadway en “Waiting for Godot”, por la que recibió críticas entusiastas por su papel como Pozzo. Sus otros créditos en escena incluyen muchas producciones de cena-teatro y de teatro infantil, así como varias obras fuera-de-Broadway. Sus créditos en teatro regional incluyen “Henry IV, Parts I and II”, “Anthony and Cleopatra”, “As You Like It” y “A Christmas Carol”. Actuó en una producción itinerante de “The Robber Bridegroom” y protagonizó dos espectáculos de Broadway: “Loose Ends” en 1979 y “Big River” en 1985. En el 2001, actuó en la puesta en escena de “The Seagull” (La gaviota), dirigida por Mike Nichols, dentro del marco del NY Shakespeare Festival Central Park. Al año siguiente, apareció en Broadway en la producción del Teatro Público de “Resistible Rise of Arturo Ui”.

 

Goodman y su familia tienen hogares en Los Ángeles y Nueva Orleáns.

 

 

JEAN DUJARDIN (Jean Claude Clermont) recibió elogios internacionales por su actuación como George Valentin en The Artist, el tributo de Michel Hazanavicius a la era silente de Hollywood, que terminaría ganando cinco Premios de la Academia® en el 2012, incluyendo Mejor Película y un Premio a Mejor Actor para la estrella francesa. Ese mismo año, Dujardin también recibió el Globo de Oro a Mejor Actor en una Comedia o Musical, un Premio BAFTA, un Premio del Screen Actors Guild y un Premio Independent Spirit, entre otros galardones. El sorprendente viaje de The Artist comenzó en el Festival de Cine de Cannes en mayo de 2011, donde, después del estreno de la película, Dujardin recibió un trofeo a Mejor Actor de manos del presidente del jurado, Robert De Niro.

 

Jean Dujardin comenzó su carrera a principios de la década de los ‘90, haciendo comedia en directo con su compañía cómica Nous C Nous, que eventualmente consiguió su propio especial en la televisión nacional francesa. En 1999, obtuvo su gran oportunidad, al haber protagonizado la exitosa comedia “Un gars, une fille”, con Alexandra Lamy. El programa duró cinco temporadas y promedió siete millones de espectadores por episodio; un éxito fenomenal que le permitió a Dujardin hacer la transición a la pantalla grande. Después de papeles secundarios en Mariages! y Le Convoyeur (2004), obtuvo su primer papel protagónico en Brice de Nice, basado en un personaje que Dujardin había creado en escena. El filme se convirtió en la película francesa más exitosa de ese año. Al año siguiente, Dujardin tuvo otro éxito con la comedia de espionaje OSS 117: Cairo, Nest of Spies, que generó una secuela en el 2009, OSS 117: Lost in Rio. Ambas fueron dirigidas por Michel Hazanavicius, quien hizo mancuerna nuevamente con Dujardin en el 2011 para The Artist.

 

Después de haber ganado el Oscar®, Dujardin hizo su debut estadounidense en The Wolf of Wall Street (El lobo de Wall Street), de Martin Scorsese, donde interpretó al banquero suizo Jean-Jacques Saurel, al lado de Leonardo DiCaprio.

 

Dujardin se encuentra rodando en la actualidad el thriller La French, que lo reúne de nueva cuenta con Gilles Lellouche, con quien escribió, produjo, protagonizó y codirigió un segmento de la película de antología Les Infidèles, en 2012. Esta pasada Navidad, Dujardin produjo y apareció en una segunda edición de su programa de ‘sketches’ Le Débarquement, inspirado en “Saturday Night Live”.

 

Créditos adicionales incluyen 99 francs (2007), Ca$h (2008), Lucky Luke (2009), The Clink of Ice (2010), Little White Lies (2010), Un balcon sur la mer (2010) y Möbius (2013).

 

BOB BALABAN (Preston Savitz) coprotagonizó más recientemente Moonrise Kingdom, de Wes Anderson, y la comedia Girl Most Likely, al lado de Kristen Wiig y Annette Bening. Después será visto en Grand Budapest Hotel, de Wes Anderson, y en Fading Gigolo, de John Turturro.

 

Balaban fue nominado para un Premio de la Academia^® y Globo de Oro como productor de la contendiente a Mejor Película Gosford Park (Muerte a la medianoche), de Robert Altman, que le valió a Altman el Globo de Oro a Mejor Director y a Julian Fellowes el Premio de la Academia^® a Mejor Guión Original, basado en una idea de Altman y Balaban. También compartió el principal Premio del Screen Actors Guild a Actuación Sobresaliente de un Reparto en una Película. Él y sus compañeros productores ganaron el Premio BAFTA Alexander Korda a Mejor Película Británica.

 

Dirigió el telefilme “Georgia O’Keeffe”, protagonizado por Joan Allen y Jeremy Irons, que fuera nominado para tres Globo de Oro y nueve Premios Emmy. La película le valió a Balaban su segunda nominación al Emmy a Dirección Sobresaliente para una Miniserie, Película o Especial de Drama. La primera vino por “Bernard and Doris”, que también produjo. Esa película, protagonizada por Susan Sarandon y Ralph Fiennes, recibió diez nominaciones al Premio Emmy, así como tres nominaciones al Globo de Oro. Balaban también obtuvo nominaciones del Directors Guild of America (Sindicato de Directores de Cine) y del Producer’s Guild (Sindicato de Productores).

 

Balaban produjo, dirigió y coescribió The Last Good Time, protagonizada por Armin Mueller-Stahl y Olivia d’Abo para Samuel Goldwyn, y dirigió el clásico de culto Parents, con Randy Quaid, Sandy Dennis y Mary Beth Hurt.

 

En el 2002, Balaban produjo y dirigió la exitosa obra fuera-de-Broadway “The Exonerated”, protagonizada por Richard Dreyfuss y Jill Clayburgh, que obtuvo el Premio Drama Desk, el Premio Outer Critics Circle y el reconocimiento “Obra del Año” por parte del New York Times. También produjo y dirigió la versión itinerante del espectáculo con Robin Williams, Stockard Channing y Mia Farrow, entre muchos otros. Así como la versión televisiva, protagonizada por Susan Sarandon, Danny Glover, Aidan Quinn, Delroy Lindo y Brian Dennehy.

 

Ha aparecido en casi cien películas, incluyendo clásicos tales como Midnight Cowboy, de John Schlesinger, Catch-22, de Mike Nichols, Close Encounters of the Third Kind (Encuentros cercanos del tercer tipo), de Steven Spielberg, Absence of Malice (Ausencia de Malicia), de Sidney Pollack, The Mexican (La mexicana), de Gore Verbinski, y Capote (Ídem), de Bennett Miller. Ha actuado en varias películas de su amigo Christopher Guest, como Waiting for Guffman, Best in Show (Mejor en exposición), A Mighty Wind y For Your Consideration. Sus múltiples créditos como actor también incluyen Alice (Alicia) y Deconstructing Harry (Los enredos de Harry), ambas de Woody Allen; Bob Roberts y Cradle Will Rock, ambas de Tim Robbins; Altered States (Estados Alterados), de Ken Russell, y Prince of the City (Príncipe de la ciudad), de Sidney Lumet. Escribió un libro acerca de sus experiencias en Close Encounters, titulado Spielberg, Truffaut and Me: An Actor’s Diary.

 

Balaban ha actuado en espectáculos de Broadway tales como “Plaza Suite”, “Speed-the-Plow” y “The Inspector General”, por la que fue nominado para un Premio Tony. Actuó fuera-de-Broadway en una serie de obras, incluyendo la producción original de “You’re a Good Man Charlie Brown”, “The Basic Training of Pavlo Hummel” y “Marie and Bruce”.

 

Escribió una serie de libros infantiles, que se convirtieron en best-sellers, llamados McGrowl, para Scholastic, y en la actualidad se encuentra a medio camino de una serie titulada The Creature from the Seventh Grade, para Viking/Penguin.

 

Oriundo de Chicago, sus raíces están en el mundo del entretenimiento. Su tío fue durante mucho tiempo presidente de Paramount Pictures y su padre encabezó durante muchos años el departamento de producción en MGM.

 

 

HUGH BONNEVILLE (Donald Jeffries) fue miembro del National Youth Theatre, estudió teología en Cambridge e hizo su debut profesional en el teatro al aire libre, en el parque Regent, en 1986, tocando los platillos en “A Midsummer Night’s Dream” y como suplente de Ralph Fiennes en el papel de Lysander. Después pasó varias temporadas con el National Theatre, donde apareció en “School For Wives”, “Yerma”, “Entertaining Strangers” y “Juno and the Paycock”; también interpretó a Charles Surface en “The School for Scandal” y el papel que le da nombre al título en “The Devil’s Disciple”. Se unió a la Royal Shakespeare Company en 1991, donde apareció en “Two Gentlemen of Verona”, “The Alchemist”, “’Tis Pity She’s a Whore”, “The Virtuso” y “Amphibians”. También interpretó a Laertes en “Hamlet”, de Kenneth Branagh. Su trabajo en la RSC le valió una nominación para el Premio Ian Charleson. Otros créditos teatrales incluyen “Habeas Corpus” en el Donmar, dirigido por Sam Mendes, y temporadas en el Colchester, Leicester Haymarket y Chichester. También apareció en “My Night with Reg” (Criterion & Playhouse), “Us and Them” (Hampstead) y “Cloaca” (Old Vic, dirigido por Kevin Spacey).

 

En años recientes, Bonneville se ha convertido en un rostro familiar para las audiencias televisivas, con papeles protagónicos en “The Cazalets”, “Take a Girl Like You”, “Armadillo”, “Daniel Deronda” y “The Commander”. Apareció en la ganadora del Emmy “The Gathering Storm” e interpretó al poeta Philip Larkin en “Love Again”. Otros créditos van desde comedias “The Robinsons”, “The Vicar of Dibley”, “Freezing”, “Rev”, “Getting On” y “Mr. Stink”, a dramas tales como “Diary of a Nobody”, “Tsunami: The Aftermath”, “Miss Austen Regrets”, “Five Days”, “Hunter”, “The Silence” y “Doctor Who”.

 

“Twenty Twelve” obtuvo un Premio British Comedy (2011) y un BAFTA (2013) a Mejor Comedia de Situaciones, por la que Bonneville fue nominado dos años consecutivos a Mejor Actor de Comedia. El programa también ganó el premio a Mejor Comedia tanto en el South Bank Sky Arts como en los premios Broadcasting Press Guild.

 

“Mr. Stink”, donde Bonneville interpreta al epónimo vagabundo, fue nominado para un BAFTA a Mejor Comedia en el 2013.

 

“Downton Abbey” ganó dos BAFTA, nueve Premios Emmy, un Globo de Oro, un Premio SAG a Mejor Ensamble, así como Premios Broadcast y 2 National Television. Hugh recibió nominaciones para un Globo de Oro y dos Premios Emmy por su actuación en el papel de Robert, Earl of Grantham. En el 2013, el reparto obtuvo el reconocimiento a Mejor Ensamble en los Premios Screen Actors Guild, el primer programa extranjero en conseguirlo.

 

Bonneville hizo su debut cinematográfico en Mary Shelley’s Frankenstein en 1994, dirigida por Kenneth Branagh. Desde entonces ha aparecido en más de una docena de filmes, incluyendo Notting Hill (Un lugar llamado Notting Hill), Mansfield Park (Pasión robada), Stage Beauty (Belleza accidentada), Asylum (El pabellón del terror), Scenes of a Sexual Nature, Man to Man, From Time to Time, Glorious 39, Burke & Hare, Third Star y Shanghai. En el 2002, Bonneville ganó el Premio al Nuevo Talento en el Festival de Cine de Berlín y una nominación al BAFTA a Mejor Actor Secundario por su interpretación del joven John Bayley en Iris (Cartas a Iris). En el 2008 obtuvo el reconocimiento a Mejor Actor en el Festival de Cine de Monte Carlo por su actuación en French Film. Recién acaba de terminar el rodaje de una nueva versión para la pantalla grande de “Paddington Bear”, la clásica serie infantil de la BBC y muy queridos libros de Michael Bond, con el productor David Heyman (Harry Potter) y el director Paul King.

 

A mediados de los 90’, Bonneville coprodujo “Beautiful Thing” en el Teatro Duke of York y escribió “Half Time” con Christopher Luscombe, quien también dirigió.

 

Con BBC Films, Bonneville ha estado desarrollando su primera película como productor, a partir de un guión de Aschlin Ditta (Scenes of a Sexual Nature, French Film, “The Catherine Tate Show”), basado en Me: The Authorised Biography, la autobiografía del periodista Byron Rogers. El rodaje está programado para que inicie en septiembre de 2014.

 

CATE BLANCHETT (Claire Simone) fungió como codirectora artística y copresidenta de la Compañía Teatral de Sídney, junto a Andrew Upton, de 2008 a 2013. Se graduó del Instituto Nacional de Artes Dramáticas de Australia y cuenta con un Doctorado Honorario de Letras de la Universidad de Nueva Gales del Sur y de la Universidad de Sídney.

Blanchett ganó un Premio de la Academia^® por su interpretación de Katharine Hepburn en la película biográfica de Howard Hughes The Aviator (El Aviador), por la que también obtuvo Premios BAFTA y del Screen Actors Guild (SAG), además de haber recibido una nominación al Globo de Oro. En el 2008, Blanchett fue nominada para dos Oscares^®: a Mejor Actriz por su actuación en Elizabeth: The Golden Age (Elizabeth: La edad de oro) y a Mejor Actriz Secundaria por su papel en la película biográfica de Bob Dylan I’m Not There (Mi historia sin mí), lo que la convirtió en apenas el quinto actor en la historia de la Academia en ser nominado en ambas categorías el mismo año.  Además, recibió nominaciones tanto al SAG como al Premio BAFTA a Mejor Actriz y Mejor Actriz Secundaria respectivamente, por Elizabeth: The Golden Age y I’m Not There. Por ésta última, también obtuvo un Globo de Oro, un Premio Independent Spirit, varios premios de grupos de críticos, y la Copa Volpi a Mejor Actriz en el Festival de Cine de Venecia, en el 2007.

 

Obtuvo su primera nominación al Oscar^® y ganó el BAFTA, Globo de Oro y el Premio del Círculo de Críticos de Cine de Londres por su interpretación de la Reina Elizabeth I en Elizabeth (Elizabeth, La reina virgen), de Shekhar Kapur. También recibió nominaciones al Oscar^®, Globo de Oro y SAG^® por su actuación en Notes on a Scandal (Escándalo). Además, Blanchett ha recibido nominaciones al Globo de Oro a Mejor Actriz por el papel que la da nombre al título en Veronica Guerin (Ídem), de Joel Schumacher, y por su trabajo en Bandits (Vida bandida), de Barry Levinson, y, antes, otra nominación al Premio BAFTA por su actuación en The Talented Mr. Ripley, de Anthony Minghella.

 

Blanchett protagonizó más recientemente Blue Jasmine (Jazmín Azul), de Woody Allen, por la que acaba de ganar el Globo de Oro a Mejor Actriz en una Comedia o Musical, y está repitiendo su papel como Galadriel en la trilogía de The Hobbit, de Peter Jackson. Blanchett interpretó por primera vez el papel de Galadriel en la trilogía de The Lord of the Rings (El señor de los anillos), de Jackson. Este año, Blanchett también actuará en Knight of Cups, de Terrence Malick, con Natalie Portman y Christian Bale, y le prestará su voz al personaje de Valka en la venidera película animada How to Train Your Dragon 2 (Cómo entrenar a tu dragón 2).

 

Los múltiples créditos cinematográficos de Blanchett incluyen Hanna (Ídem), de Joe Wright; Robin Hood, de Ridley Scott, The Curious Case of Benjamin Button (El curioso caso de Benjamin Button), de David Fincher; el exitazo taquillero Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull (Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal), de Steven Spielberg; The Good German, de Steven Soderbergh; Babel (Ídem); y The Life Aquatic with Steve Zissou, de Wes Anderson.

 

Entre sus otros créditos cinematográficos se encuentran Coffee and Cigarettes, de Jim Jarmusch, que le valió una nominación al Premio Independent Spirit; The Missing (Las desapariciones), de Ron Howard; Charlotte Gray (Ídem), de Gillian Armstrong; The Shipping News (Atando cabos), de Lasse Hallström; Little Fish (El pasado está aquí), de Rowan Woods; Pushing Tin (Mi espacio), de Mike Newell; An Ideal Husband (Un esposo ideal), de Oliver Parker; The Gift (Testigo), de Sam Raimi; The Man Who Cried, de Sally Potter; Paradise Road (Paraíso prohibido), de Bruce Beresford; la comedia romántica Thank God He Met Lizzie, por la que ganó tanto el Premio del Instituto Australiano de Cinematografía (AFI, por sus siglas en inglés) como el de la Sydney Film Critics (Críticos de Cine de Sídney) a Mejor Actriz Secundaria; y Oscar and Lucinda, de Gillian Armstrong, junto a Ralph Fiennes, por la que también recibió una nominación a Mejor Actriz por el AFI.

 

Blanchett ha trabajado extensamente en escena en Australia y en el extranjero. Los últimos cinco años fue codirectora artística y copresidente de la Compañía Teatral de Sídney (STC), junto con Andrew Upton. Durante este periodo, Blanchett actuó en “Richard II”; en la reconocida producción de STC de “The Wars of The Roses” (La guerra de los Roses); interpretó a Blanche Du Bois en “A Streetcar Named Desire” (Un tranvía llamado deseo), de Tennessee Williams, dirigida por Liv Ullmann, que estuvo de gira ante grandes elogios de la crítica, desde Sídney a Washington D.C. y Nueva York (recibió el Premio Helen Hayes a Actriz Sobresaliente en una producción temporal por este papel, y su actuación fue considerada la ‘Actuación del Año’ por The New York Times); a Yelena en Uncle Vanya (Tío Vanya), de Anton Chekhov, en una versión adaptada por Andrew Upton como parte de la temporada del Escenario Principal de la STC en el 2010, que también se montó en Washington, DC y en la ciudad de Nueva York, en el Festival del Lincoln Center en junio de 2012 (y por el que también ganó el Premio Helen Hayes a Actriz Sobresaliente); y a Lotte en “Gross und Klein”, original de Botto Strauss, que estuvo de gira extensamente por toda Europa en el 2012, seguida de una temporada en Sídney en el 2011, además de haber sido parte de la Olimpiada Cultural de Londres. Su actuación en “Gross und Klein” recibió grandes elogios de la crítica y le valió el Premio de la Crítica Helpmann a Mejor Actriz y una nominación a Mejor Actriz en los premios teatrales Evening Standard. En el verano de 2013, Blanchett coprotagonizó con Isabelle Huppert la adaptación de la Compañía Teatral de Sídney de la obra de 1947 de Jean Genet “The Maids”, dirigida por Benedict Andrews y adaptada por Andrew Upton.

 

Blanchett recibió la Centenary Medal for Service to Australian Society through Acting (Medalla centenaria por los servicios a la sociedad australiana a través de la actuación), y en el 2007 fue nombrada una de las 100 Personas Más Influyentes por la revista Time. También recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.

 

En el 2008, Blanchett copresidió la transmisión de la cumbre Australia’s National 2020 del Primer Ministro. Es patrocinadora del Festival de Cine de Sídney y embajadora de la Australian Conservation Foundation (Fundación de Conservación Australiana) y del Australian Film Institute (Instituto Australiano de Cinematografía).

 

Blanchett vive en Sídney con su esposo y tres hijos.

 

 

 

 

 

ACERCA DE LOS REALIZADORES:

 

GEORGE CLOONEY (Director / Co-escritor / Productor / Frank Stokes)  Por favor ver biografía en la sección de reparto.

 

GRANT HESLOV (Co-escritor / Productor) ha sido reconocido por su trabajo como productor, escritor, director y actor.

 

Nominado en cuatro ocasiones al Premio de la Academia^®, Heslov obtuvo el Oscar^® a Mejor Película como productor de Argo, el multi-premiado drama histórico dirigido por Ben Affleck. El filme también ganó el Premio a Mejor Película en los BAFTA, los Globos de Oro y con el Producers Guild of America (PGA).

 

En el 2011, Heslov recibió una nominación al Oscar^® a Mejor Guión Adaptado por el drama político The Ides of March (Poder y Traición), dirigido por George Clooney, quien también protagonizó la película junto a Ryan Gosling. Además, Heslov recibió nominaciones al Globo de Oro y al Premio BAFTA por el guión, así como una nominación al Premio del Producers Guild of America (PGA) por ser uno de los productores del filme. Obtuvo dos nominaciones al Oscar^®, a Mejor Película y Mejor Guión Original, por el drama basado en hecho reales Good Night, and Good Luck (Buenas noches y buena suerte), de Clooney. Por su trabajo en el filme, Heslov también ganó un Premio del Writers Guild of America y el Premio Stanley Kramer del PGA. Entre los numerosos reconocimientos que ha obtenido en cine, Heslov también recibió dos nominaciones al Premio BAFTA, a Mejor Película y Mejor Guión Original; una nominación al Globo de Oro a Mejor Guión; un Premio Independent Spirit a Mejor Película; y una nominación al Premio del Screen Actors Guild como parte del ensamble.

 

En el 2009, Heslov hizo su debut como director de cine con The Men Who Stare at Goats (Hombres de mentes), protagonizada por Clooney, Ewan McGregor, Jeff Bridges y Kevin Spacey. También produjo la comedia de época de futbol americano Leatherheads (Jugando sucio), de Clooney, y el thriller The American (El ocaso de un asesino), de Anton Corbijn.

 

Para la televisión, fungió recientemente como productor ejecutivo de la serie “Memphis Beat”, para TNT. Además, fungió como productor ejecutivo y director de la serie “Unscripted”, para HBO, y como coproductor ejecutivo de “K Street”, también para HBO.

 

Heslov comenzó su carrera como coproductor de Intolerable Cruelty (El amor cuesta caro), que representó su primera colaboración con Clooney. Heslov y Clooney colaboraron más recientemente como productores de la versión cinematográfica de la premiada obra August: Osage County, original de Tracy Letts.

 

ROBERT M. EDSEL (Basada en el libro de) es uno de los autores más vendidos del New York Times, creador de los libros de no ficción Rescuing Da Vinci, Operación Monumento: Allied Heroes, Nazi Thieves and the Greatest Treasure Hunt in History y Saving Italy: The Race to Rescue a Nation’s Treasures from the Nazis.

 

Edsel también es coproductor del premiado documental de cine The Rape of Europa. Además, es fundador y presidente de la Monuments Men Foundation para la preservación del arte, una entidad sin fines de lucro que recibió la Medalla National Humanities, el honor más alto dado en los Estados Unidos por el trabajo en las humanidades.

 

Edsel ha recibido también el Premio Texas Medal of Arts, el Premio President’s Call to Service y el Premio Hope for Humanity, presentado por el Museo del Holocausto en Dallas. También funge como consejero del Museo Nacional de la Segunda Guerra Mundial en Nueva Orleáns.

 

Barbara A. Hall (Productora Ejecutiva) tiene una extensa lista de créditos cinematográficos en su haber. Operación Monumento es su quinta película con George Clooney y Grant Heslov. También trabajó con ellos en The Ides of March, The Men Who Stare at Goats, Leatherheads y Good Night, and Good Luck.

 

Los créditos de Hall como productora ejecutiva incluyen Hanna (Ídem), All Good Things (Crimen en familia), The Company Men (Hombres de negocios), Milk (Milk: un hombre, una revolución, una esperanza) y Art School Confidential. También fue productora ejecutiva de la película The Sunset Limited (El límite del atardecer), para HBO.

 

Hall fungió como coproductora o productora de línea de Mr. Magorium’s Wonder Emporium (El mundo mágico de Magorium), Ray (Ídem), Ghost World (Mundo fantasma) y Albino Alligator (Asesinos del destino). Comenzó su carrera como coordinadora de producción en películas tales como City Slickers (Aventura en el oeste), The Mambo Kings (Los reyes del mambo) y Benny & Joon (Corazones en conflicto).

 

Un premiado director y cinefotógrafo, Phedon Papamichael, ASC (Director de Fotografía) nació en Atenas, Grecia, y se mudó con su familia a Alemania, donde en 1982 terminó su educación en Bellas Artes, en Múnich. Su trabajo como reportero gráfico llevó a Papamichael a la ciudad de Nueva York en 1983, donde comenzó a hacer la transición a la fotografía en cine.

 

Su ópera prima, SPUD, película en 35mm, en blanco y negro, obtuvo el Premio a Mejor Fotografía en el Festival de Cine de Cork, en Irlanda. Después de una llamada de John Cassavetes, su primo y eventual colaborador, Phedon se mudó a Los Ángeles. Mientras seguía trabajando en cortometrajes y películas experimentales, comenzó su carrera en el cine como director de fotografía para Roger Corman, para quien fotografió siete largometrajes en un periodo de dos años.

 

Papamichael ahora cuenta con cuarenta y cuatro créditos como director de fotografía, incluyendo sus primeros éxitos taquilleros America’s Sweethearts (La Pareja del Año), protagonizada por Julia Roberts y Catherine Zeta-Jones, y Phenomenon (Fenómeno), con John Travolta y dirigida por Jon Turteltaub, para quien también fotografió While You Were Sleeping (Mientras Dormías) y Cool Runnings (Jamaica Bajo Cero)

 

Sus créditos incluyen múltiples películas aclamadas y premiadas, tales como Unstrung Heroes (Una Cierta Mirada, Cannes 1995), Unhook The Stars (Desprende las Estrellas), protagonizada por Gena Rowlands y dirigida por Nick Cassavetes, y The Locusts (Mezzogiorno, Festival de Cine de Venecia, 1997). The Million Dollar Hotel, dirigida por Wim Wenders, y 27 Missing Kisses también se encuentran entre sus créditos.

 

En el 2001, Papamichael fotografió Moonlight Mile (La Vida Continúa) (Berlinale, 2003), dirigida por Brad Silberling y protagonizada por los ganadores del Premio de la Academia Dustin Hoffman, Susan Sarandon y Holly Hunter. A ésta, le siguió Identity (Identidad), de James Mangold, y la nominada al Oscar Sideways (Entre copas), dirigida por Alexander Payne.

 

Colaboró con Gore Verbinski en The Weather Man (El Sol de cada Mañana), protagonizada por Nicolas Cage y Michael Caine, y volvió a hacer mancuerna con James Mangold en Walk the Line (Johnny June: Pasión y locura), por la que Joaquin Phoenix fue nominado para un Premio de la Academia a Mejor Actor, y Reese Witherspoon ganó un Premio de la Academia^® a Mejor Actriz. La película también ganó la Rana de Oro en Cameraimage (Premio del Presidente, 2005), a Mejor Fotografía.

 

Phedon fotografió el aclamado western 3:10 to Yuma (3:10 Misión Peligrosa), protagonizado por Russell Crow y Christian Bale; 10 Items or Less (Dame 10 Razones), dirigida por Brad Silberling y protagonizada por Morgan Freeman; The Pursuit of Happyness (En Busca de la Felicidad), por la que Will Smith recibió una nominación al Premio de la Academia; y W, de Oliver Stone. También fungió como director de fotografía en The Descendants (Los Descendientes), de Alexander Payne, con George Clooney, que ganaría un Oscar^® a Mejor Guión Adaptado, además de haber obtenido nominaciones a Mejor Película, Mejor Actor, Mejor Director y Mejor Editor.

 

Más recientemente, fotografió la popular comedia This Is 40, de Judd Apatow, y colaboró de nueva cuenta con Alexander Payne en Nebraska, que arrasó en el Festival de Cine con una nominación a la Palma de Oro y un premio a Mejor Actor para Bruce Dern.

 

Como director, su película de terror psicológico From Within (El asesino en nosotros), protagonizada por Adam Goldberg, Thomas Dekker y Jared Harris, se estrenó en el Festival de Cine de Tribeca en el 2008. El filme ha ganado un total de siete premios, incluyendo el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine de Solstice, en el 2008. Su cuarto trabajo como director, Arcadia Lost, protagonizado por Nick Nolte y filmado totalmente en locaciones de Grecia en el 2008, fue seleccionado para once festivales internacionales de cine. Su más reciente trabajo como director, Lost Angeles, protagonizado por Joelle Carter, revivió su colaboración con Adam Goldberg, Seymour Cassel, Mark Boon Junior y Kelly Blatz.

 

Además de su trabajo en cine, Papamichael ha fotografiado y dirigido más de 100 comerciales para clientes tales como BMW, Volkswagen, Audi, Cadillac, Nissan, Allstate, Goodyear, McDonalds y muchos otros.

 

Su trabajo también incluye varias incursiones en la televisión, entre ellas la innovadora miniserie “Wild Palms”, de Oliver Stone, que recibió en 1993 una nominación al Premio ASC a Mejor Fotografía. Los programas pilotos producidos por Francis Ford Coppola “The Conversation” y “White Dwarf” le siguieron. Por éste último, obtuvo su segunda nominación al Premio ASC, en 1995.

 

Su trabajo como director de fotografía incluye colaboraciones en videos musicales con U2, Eric Clapton, Bryan Ferry y Pearl Jam. También trabajó en el video de largo formato nominado al Grammy Willie Nelson at the Teatro, dirigido por Wim Wenders. Papamichael también fue supervisor visual en la película nominada al Premio de la Academia ^® Buena Vista Social Club, de Wenders.

Los múltiples reconocimientos internacionales de Papamichael incluyen el Premio Orpheus Career Achievement, que el LAGFF le otorgó en el 2010. En 1997, fue aceptado como miembro de la Academy of Motion Picture Arts and Sciences (Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas), donde estuvo durante siete años en el Comité Ejecutivo de la Filial de Fotógrafos. Papamichael es también miembro de la American Society of Cinematographers (Sociedad Americana de Directores de Fotografía) y del International Cinematographers Guild (Sindicato Internacional de Directores de Fotografía)

 

Papamichael vive en Los Ángeles y Atenas, Grecia, con su familia y habla inglés, alemán, francés y griego. Tiene la ciudadanía alemana, griega y estadounidense.

 

JIM BISSELL (Diseñador de Producción) comenzó su carrera como diseñador de producción en el perdurable clásico E.T. the Extra-Terrestrial (E.T. El extraterrestre), de Steven Spielberg, que le valió una nominación al BAFTA a Mejor Diseño de Producción. Más tarde se reunió con el director Spielberg en las películas Always (Siempre) y The Twilight Zone (Dimensión desconocida) y con el productor Spielberg en Harry and the Hendersons (Pie grande y los Henderson) y Arachnophobia (Aracnofobia).

 

A lo largo de su carrera de 35 años, ha colaborado con directores tales como John Schlesinger [The Falcon and the Snowman (Traición del Halcón)], Ridley Scott [Someone to Watch Over Me (Peligro en la noche)], Joe Johnston [The Rocketeer  (Rocketeer, El hombre cuete) y Jumanji (Ídem)] y Ron Shelton [Hollywood Homicide (Hollywood: Departamento de homicidios) y Tin Cup (Juegos de pasión)]. A principios de su carrera, Bissell ganó un Premio Emmy a Director de Arte Sobresaliente en una Serie de Televisión, por su trabajo en “Palmerstown, U.S.A.”, que fue producida por Norman Lear y Alex Haley. Más recientemente, fue honrado con nominaciones del Art Directors Guild (Sindicato de Directores de Arte) por su trabajo en 300 (Ídem), de Zack Snyder, y The Spiderwick Chronicles (Las crónicas de Spiderwick). En total, ha fungido como diseñador de producción en 30 filmes.

Bissell es un colaborador regular del director George Clooney, que dio inicio con su debut como director en Confessions of a Dangerous Mind. A ésta le siguió en el 2005 Good Night, and Good Luck y continuó con el estreno en el 2007 de Leatherheads.  Good Night, and Good Luck obtuvo nominaciones a Dirección de Arte, tanto del Art Directors Guild como de la Academy of Motion Picture Arts and Sciences, así como un Premio Satellite a Mejor Diseño de Producción. Operación Monumento es su cuarta colaboración con el director.

 

De 2009 hasta el 2010, trabajó con el director Brad Bird en el desarrollo de 1906, y a la postre diseñaría la producción del debut como director de Bird de acción en vivo: Mission: Impossible – Ghost Protocol (Misión Imposible – Protocolo Fantasma).

 

Ha sido catedrático invitado en la USC, el AFI y en la Escuela de Artes de Carolina del Norte, además de ser ex profesor de la Escuela de Educación Continua de la UCLA. Bissell es ex vicepresidente del Art Directors Guild y forma parte de la Junta Directiva de la Academy of Motion Picture Arts and Sciences. Tiene una licenciatura en bellas artes en teatro de la Universidad de Carolina del Norte, en Chapel Hill.

 

Stephen Mirrione, A.C.E. (Editor) ha colaborado con George Clooney en cuatro películas previas, más recientemente como editor del thriller político The Ides of March. También editó la comedia romántica Leatherheads, la sumamente aclamada Good Night, and Good Luck —que le valió a Mirrione nominaciones en los Premios BAFTA y en los American Cinema Editors— y el debut de Clooney como director, Confessions of a Dangerous Mind.

 

En el 2001, Mirrione recibió un Premio de la Academia^® por su trabajo en Traffic (Tráfico), su primera película con Steven Soderbergh, y que generó una colaboración a largo plazo, que incluyó The Informant! (El Informante), Ocean’s Eleven (La gran estafa), Twelve (La nueva gran estafa) y Thirteen (Ahora son trece), y Contagion (Contagio).

Mirrione volvió a hacer mancuerna recientemente con el director Alejandro González Iñárritu en la película nominada al Oscar^® en la categoría de Mejor Película Extranjera (representando a México), Biutiful, protagonizada por Javier Bardem. En el 2007, Mirrione obtuvo su segunda nominación al Premio de la Academia^® por su trabajo en Babel (Ídem), de Iñárritu, que se estrenó en el Festival de Cine de Cannes, en el 2006, donde le entregaron a Mirrione el Premio Vulcain Artist-Technician. Por su trabajo en esta cinta, obtuvo el premio de los American Cinema Editors, así como una nominación al BAFTA. En el 2004, obtuvo una nominación al BAFTA por su edición de 21 Grams (21 gramos), también dirigida por González Iñárritu.

 

Más recientemente, Mirrione editó The Convincer, de Jill Sprecher, su tercera película con la directora, seguida de su colaboración en Clockwatchers y Thirteen Conversations About One Thing. Otros créditos como editor incluyen Swingers y Go, ambas de Doug Liman.

 

Louise Frogley (Diseñadora de Vestuario) recibió nominaciones al Premio Excelencia en el Diseño de Vestuario para Cine (Contemporáneo) tanto por Ocean’s Thirteen como por Traffic. También colaboró con Steven Soderbergh en los filmes The Good German y The Limey.

 

En el 2006, los diseños de Frogley para Good Night, and Good Luck, dirigida por George Clooney, le valió una nominación del Costume Designers Guild (Sindicato de Diseñadores de Vestuario) a Excelencia en el Diseño de Vestuario para una Película de Época. En el 2008, colaboró de nueva cuenta con Clooney en la comedia romántica de época Leatherheads, que el actor protagonizó y dirigió. También fue diseñadora de vestuario del largometraje The Ides of March, que Clooney produjo, coescribió y protagonizó, al lado de Ryan Gosling. Operación Monumento será su octava colaboración con Clooney como actor, director o productor.

 

Por su trabajo en Syriana, de Stephen Gaghan, recibió una nominación del sindicato a la Excelencia en una Película Contemporánea. Había colaborado previamente con Gaghan en su debut como director de cine, Abandon.

 

En el 2010, Frogley diseñó el guardarropa para el drama de época The Conspirator (El conspirador), de Robert Redford; para The Last Song (La última canción), de Julie Anne Robinson, protagonizada por Miley Cyrus; para The Men Who Stare at Goats, debut como director de cine de Grant Heslov y protagonizada por George Clooney; y para la película de James Bond Quantum of Solace (007 – Quantum), dirigida por Marc Forster y protagonizada por Daniel Craig.

 

Sus atuendos también fueron vistos en el thriller romántico Skeleton Key (La llave maestra), protagonizado por Kate Hudson, Gena Rowlands y John Hurt; y en la película de terror fantástico Constantine (Ídem), basada en el cómic Hellblazer y protagonizada por Keanu Reeves y Rachel Weisz.

 

Más recientemente, su diseño de vestuario puede ser visto en el thriller Contagion, de Soderbergh, en la película nominada al Oscar^® Flight (El vuelo), protagonizada por Denzel Washington y en Iron Man 3, para Marvel.

 

Su primer trabajo en cine fue como asistente de la diseñadora de vestuario en la película ganadora del Premio de la Academia ^® Chariots of Fire (Carros de Fuego), de Hugh Hudson. Desde esa primera incursión, Frogley ha vestido a más de veinte largometrajes, incluyendo el thriller romántico Spy Game (Juego de espías) y Man on Fire (Hombre en llamas), ambas para el director Tony Scott, Stigmata (Estigma), U.S. Marshals (Los federales), Bull Durham (La bella y el campeón), de Ron Shelton, y Mona Lisa, de Neil Jordan, entre otras.

 

Nacida en Inglaterra, Frogley pasó su infancia yendo de su escuela en Inglaterra a su hogar en Kenia. Lleva viviendo los últimos veinte años en Los Ángeles.

 

ALEXANDRE DESPLAT (Compositor) ha sido nominado para cinco Oscares^® a Mejor Banda Sonora Original: The Queen (La reina) (2006), The Curious Case of Benjamin Button (2008), Fantastic Mr. Fox  (2009) y las ganadoras del Premio de la Academia^® a Mejor Película The King’s Speech (El discurso del rey) (2010) y Argo (2012).

 

Un músico dotado, quien estudió flauta clásica, Desplat nació en París, hijo de una madre griega y un padre francés, que se conocieron cuando estaban estudiando en Berkeley, California. Su temprano amor por el cine lo llevó a estudiar las bandas sonoras de Delerue, Jarre, Rota, Waxman, Herrmann, Mancini, Williams y Goldsmith.

 

Comenzó su carrera en el cine europeo, donde compuso la música para más de 50 películas, antes de haber llamado la atención en Hollywood en el 2003, con su evocadora banda sonora para Girl with a Pearl Earring (La joven con el arete de perla), protagonizada por Scarlett Johansson y Colin Firth. Por la película, recibió nominaciones al Globo de Oro, BAFTA, y el Premio European Film. Solidificó su reputación como uno de los principales compositores de Hollywood con las sumamente aclamadas bandas sonoras para Birth (Reencarnación), de Jonathan Glazer, y Syriana, de Stephen Gaghan, que trajo consigo su primer contacto con George Clooney.

 

En el 2006, escribió la música de The Queen, de Frears, por la que recibió su primera nominación al Oscar^®. Ese mismo año, ganó un Globo de Oro por su banda sonora The Painted Veil (Al otro lado del mundo), de John Curren.

 

A la postre, escribiría la música para Lust, Caution (Lujuria y traición), de Ang Lee, por la que ganó el Premio Golden Horse en el Festival de Cine de Taiwán a mejor banda sonora original; The Curious Case of Benjamin Button, de David Fincher, por la que fue nominado para un BAFTA y por la que recibió su segunda nominación al Oscar^®; y Fantastic Mr. Fox, de Wes Anderson, por la que también recibió nominaciones al BAFTA y al Oscar^®.

 

 

En el 2010, escribió la música de The King’s Speech, de Tom Hooper, por la que ganó un BAFTA y fue nominado para un Oscar ^® y un Globo de Oro. También trabajó con David Yates en Harry Potter and The Deathly Hallows Part 1and 2 (Harry Potter y las reliquias de la muerte, Parte 1 y 2), por la que fue nominado para un Grammy. Colaboró por segunda ocasión con George Clooney en el drama político The Ides of March.

 

Más recientemente, las composiciones de Desplat se pudieron apreciar en Extremely Loud and Incredibly Close (Tan fuerte y tan cerca), de Stephen Daldry; Rust and Bone (Óxido y Hueso), protagonizada por Marion Cotillard; Moonrise Kingdom (Un reino bajo la luna), de Wes Anderson; A Prophet (Un profeta) y The Beat That My Heart Skipped (por la que Desplat ganó el Oso de Plata en Berlín), ambas de Jacques Audiard; y Venus in Fur y The Ghost Writer (El escritor fantasma) (por la que Desplat obtuvo los Premios Premio Cesar y European Film), ambas de Roman Polanski. Su trabajo siguiente incluye la música para Zulu, de Jerome Salle, protagonizada por Orlando Bloom; Fanny, del escritor/director Daniel Auteuil; The Grand Budapest Hotel, de Wes Anderson; y la sumamente esperada nueva versión de Godzilla, protagonizada por Bryan Cranston.

 

 

 

“Premio de la Academia®” y “Oscar®” son marcas registradas y marcas de servicio de la Academy of Motion Picture Arts and Sciences.