THE PREDATOR (El Depredador)

Acerca de la Producción

Desde los confines más apartados del universo hasta una zona rural del sur de Georgia, la cacería está entre nosotros en la candente reinvención de Shane Black de la serie de Depredador. Ahora, los cazadores más letales del universo son más fuertes, más inteligentes y más mortíferos que nunca. Y sólo un equipo variopinto de ex soldados y una profesora de biología evolutiva podrán prevenir la extinción de la raza humana.

Shane Black dirige a un reparto extraordinario a partir de un guión que escribió con Fred Dekker. Boyd Holbrook encabeza el ensamble, también estelarizado por Trevante Rhodes, Jacob Tremblay, Keegan-Michael Key, Olivia Munn, Thomas Jane, Alfie Allen, Augusto Aguilera y Sterling K. Brown. EL DEPREDADOR es producida por John Davis, quien le dio vida a la influyente franquicia de Depredador. Larry Fong es el director de fotografía; Martin Whist es el diseñador de producción; Harry B. Miller III y Billy Weber son los editores; Jonathan Rothbart y Matt Sloan los supervisores de efectos visuales.

Además de haber escrito una serie de películas extraordinarias, incluyendo Lethal Weapon, y haber dirigido películas tales como Iron Man 3, The Nice Guys y Kiss Kiss Bang Bang, Shane Black es también un actor quizás mejor conocido por el papel de ‘Hawkins’ en Depredador, la clásica película de 1987 dirigida por John McTiernan. Pero, aclara Black, “El Depredador en esta película es el más mortífero y espeluznante que jamás se haya hecho”.
“Es el mismo Depredador treinta años después, pero con el paso del tiempo el monstruo se ha renovado a sí mismo”, dice John Davis. “Esta no es una reinvención y tampoco una repetición. Esta es la franquicia que has amado, treinta años después. Estas son las consecuencias de lo que ha sucedido. Esto es lo que ha estado pasando durante esas últimas tres décadas. Son más malos y más grandes —han evolucionado. No es el Depredador que le tocó ver a tu padre”.
Davis agrega, “Creo que esta es una de esas franquicias que la gente ama, y que ha amado a lo largo de los años. La primerísima Depredador todavía tiene una gran audiencia mundial, y se sigue vendiendo alrededor del mundo en servicios de televisión de cable o transmisión [streaming]. Es difícil creer que 30 años después esta película continúa cautivando generación tras generación”.
Black dice que el homenaje más grande que le podía rendir a la original era conseguir a los actores correctos, que tuvieran el mismo tipo de camaradería que habían tenido los personajes de Depredador. Boyd Holbrook interpreta a Quinn McKenna, un mercenario que tiene que liderar a un equipo variopinto de veteranos para enfrentarse al mortal alienígena. Black dice, “Son soldados olvidados, inadaptados sociales. Todos están quebrantados. Por una u otra razón, todos fueron considerados nada fiables e indeseables porque se fragmentaron, algo en ellos se quebró. Pero, de alguna manera, se encuentran entre ellos. No son un equipo de soldados expertos. Estos tipos requieren de un poco más de esfuerzo para ser buenos, pero aún queda esa chispa que está a la espera de ser encendida. Hay un espíritu insaciable que está titilando, y esta es su oportunidad para cobrar vida y apoyarse entre ellos y enfrentarse a este monstruo. Son las personas menos idóneas que jamás elegirías para hacer algo así, aunque son muy correosos a la hora de la verdad. Tienen ganas, tienen agallas, y se profesan el uno al otro una lealtad inagotable”.
“Cuando te pones a pensar en ello, un grupo de inadaptados termina por salvar al mundo”, comenta Davis. “Quizás y estén demasiado locos para tener miedo cuando deberían tenerlo”.

MITOLOGÍA DE LA PELÍCULA
John Davis, quien produjo la original y todas las películas subsecuentes de la franquicia, recuerda lo primero que le llamó la atención de Depredador hace ya más de 30 años: “Era la idea del cazador. Era la idea de esta criatura de otro planeta que caza en el juego más importante, y que iba de planeta en planeta para practicar ese deporte, y el comando estadounidense y grupo de hombres en la jungla que representaban eso. Y, al final, resultaban ser más listos que él y lo derrotaban, así que a pesar de que el Depredador tenía una gran fuerza y armas, había una inventiva y deseo de sobrevivir en el hombre que hacía que la pelea fuera justa”.
Shane Black acababa de escribir Lethal Weapon, y Davis y sus compañeros productores esperaban que pudiera trabajar en el guión de Depredador. Davis recuerda, “Pensamos en sumarlo al proyecto, darle un papel, y una vez que lo hiciéramos llegar a México ponerlo a hacer un poco de trabajo. Pero dijo, ‘no, ustedes me contrataron como actor, y eso es lo que voy a hacer’. Así, cuando a todos nosotros nos aclaró eso, dijimos, ‘bien, él será el primero en morir, así que no durará mucho’”, bromea Davis. Black señala, “Lo arruiné por completo. Era hasta cierto punto… ¿cuál es la palabra? …un imbécil, de hecho. Pero todo fue en plan de amigos. No creía que el guión necesitaba una reescritura”.
Davis dice, “Así que es irónico que haya regresado para escribir y dirigir este proyecto porque ha tenido una historia formidable y prolongada con él. Me parece que es un director brillante, tiene un sentido del humor perverso y tiene una manera asombrosa de ver las cosas. Creo que esa es la razón por la cual este guión era tan maravilloso y por qué esta película es tan grandiosa”.

MITOLOGÍA DEL DEPREDADOR
Yautja, el aterrador alienígena conocido como el Depredador que fue presentado por primera vez en pantalla en la película de 1987, fue creado originalmente por Stan Winston, gurú de efectos especiales de maquillaje y mente maestra detrás de criaturas cinematográficas icónicas, tales como Aliens y Terminator. El guionista Fred Dekker comenta, “Creo que Depredador es una de las criaturas más icónicas del cine porque el diseño es muy elegante, y, al igual que el diseño de todos los grandes monstruos, de inmediato apunta hacia nuestro subconsciente. Vemos a esta criatura y vemos algunos reflejos de nosotros mismos, pero de una manera siniestra, aterradora y primitiva, y eso es difícil de hacer”.
Davis agrega, “Ese aspecto, humanoide hasta cierto punto y alienígena en otro, fue simplemente impactante. Fue aterrador e interesante. No había nada en él que se viera trillado y me parece que eso es lo más difícil de hacer cuando creas una criatura alienígena de otro planeta”.
“El Depredador es el cazador por excelencia”, dice Davis. “Es apabullante. Tiene la habilidad de moverse de una manera increíblemente grácil, pero rápida, la habilidad de cubrir grandes distancias con un salto, la habilidad de disimular y ocultarse, como un tigre o un león: fuerza pura y cruda —y la astucia de un cazador grandioso. Es justo esa astucia: el Depredador sabe cómo seguir a su presa, cómo atraerla, cómo atacar cuando tiene la mayor ventaja, y cómo tener acceso a sus debilidades”.
“Es especial porque tiene una máscara que es súper genial, y después le retiras la máscara y se ve todavía más genial”, comenta Black. “Es una criatura que reconoceríamos, que camina como nosotros, que nos entiende; tiene el mismo tipo de impulsos primitivos que un ser humano, pero es evidente que no es de aquí. La habilidad de un tipo para ver a un Depredador a la cara, y, de hecho, sentirse relacionado a él, es lo que lo hace interesante. Creo que tiene la capacidad de ser un personaje real”.
En cuanto al aspecto del Depredador, Black acota, “Creo que siempre es importante encontrar la variante más cool sin violar el principio básico que hizo al primero tan popular. No quería ir demasiado lejos porque quería que fuera nostálgico para honrar la primera película. Lo que fue tan grandioso del Depredador original fue ese atributo humano, que, tan mortal como fuera, no sólo era un animal salvaje, sino que tenía una inteligencia y astucia, y podía verte a la cara y saber a qué le tenías miedo, como detenerte y atraparte”.
Los personajes Depredador en esta película son una combinación tanto de efectos prácticos en cámara como también a través de gráficas por computadora. Si bien el primer personaje del Depredador, más familiar, es interpretado por un actor muy alto con un disfraz, el Depredador Renovado está hecho con base en gráficas por computadora. Black dice, “Queríamos hacer una fusión imperceptible de efectos especiales y visuales. Llevar al Depredador al siguiente nivel de mortalidad requería un cierto grado de gráficas por computadora, usadas de la mejor manera posible”.

BULLABESA DE DEPREDADOR
Cuando Black se sumó al proyecto, uno de las condiciones en las que insistió fue que EL DEPREDADOR necesitaba tener un presupuesto más grande, ser más grande en escala y esfera de acción, tener más acción y personajes, y que fueran más interesantes que en cualquier película promedio de monstruos, “Sin olvidar el realismo, o que teníamos una clasificación para adultos. Así que algunas cabezas salen volando. Estos Depredadores también rebanan y trozan. Tuvimos luz verde para hacer una película de aventuras auténtica y de la vieja escuela, que para nosotros recapitula todos los tipos de género con los que nos hemos llegado a encariñar, pero amplificados para este proyecto. Es un guisado muy complejo y apetitoso, nada sencillo. No es un caldo de pollo con fideos. Es como una bullabesa”.
“Un Depredador puede arrancar el lado de una montaña, pero, no obstante, siempre parecen jugar limpio”, comenta Black. “Siempre quieren encontrar un oponente digno de sus habilidades, porque, de lo contrario, pueden saltar, brincar, escalar árboles, volverse invisibles; tienen un mecanismo de capas que les permite adquirir el camuflaje perfecto o mezclarse en cualquier ambiente. Nunca sabes que están ahí, hasta que ves la pared y parece estar un poco viva, o el árbol que parece que se está moviendo —entonces, es cuando están sobre ti. En cierto modo, son ninjas perfectos, con sus armas, habilidades y capacidad física. Deben encontrar alguien digno y buscan a los oponentes más devastadores y poderosos”.
“Para serle fiel a sus raíces, una película de Depredador necesita ser aterradora”, comenta Dekker. “Necesita tener la amenaza de una cacería que ocurra a lo largo de todo el filme. Va a haber una cierta cantidad de derramamiento de sangre, y también habrá algo de vísceras y sustancias viscosas; necesita ser espeluznante. Esas son las cosas a las que les hemos apostado. Pero creo que cualquier película necesita contar con humanidad. Necesitas preocuparte por los personajes, de lo contrario, la historia que cuentes no va a importar. Y esa fue la primera bandera que clavamos”.
Dekker dice, “Shane sintió cariño por el monstruo y quería hacer algo que estuviera al servicio del concepto y mitología de una manera que no habíamos visto desde la primera película. El Depredador auténtico de la original es uno de los grandes monstruos de cine de todos los tiempos. Queríamos en gran medida ensalzar y rendirles homenaje a las dos primeras películas. Y hacemos referencia a ellas para la cronología e historia. Pero también queríamos expandir la mitología, así que todo lo que ves en esas dos películas sí sucedió, pero hay un panorama más vasto y un rompecabezas más grande que estamos intentando desplegar”.

LOS CHIFLADOS
Los héroes en el corazón de El Depredador son conocidos de cariño como los “Chiflados”. Liderados por Quinn McKenna (Boyd Holbrook), a quien conocen en un autobús de prisión militar, los Chiflados son un grupo de veteranos que sufren de SEPT [Síndrome de estrés postraumático], que se conocen por haber tomado una terapia de grupo: Williams (Trevante Rhodes), Coyle (Keegan-Michael Key), Baxley (Thomas Jane), Lynch (Alfie Allen) y Nettles (Augusto Aguilera).
Williams dice, “Son muy diferentes, pero, no obstante, muy similares. Todos anhelan tener la relación y hermandad que alguna vez tuvieron”.
“‘Chiflado’ es una palabra muy atractiva”, comenta Keegan-Michael Key. “Cuando uno la pronuncia sale con un sentido de energía y diversión. Shane es muy sensible ante el hecho de que quiere que parezcan humanos fracturados, y no como personajes de caricatura, ni tampoco como payasos. Buscamos un balance con respecto a qué tanto comportamiento idiosincrásico íbamos a usar antes de que se volviera exagerado. Shane quería asegurarse que había un cierto grado de humor, pero no quería que fueran personajes bidimensionales. Quiere que fueran capaces de sentir dolor y sentir miedo, que expresaran incertidumbre y dudaran. Y, al mismo tiempo, que fueran extraordinarios en el trabajo que hacen. Son inadaptados y marginados sociales. Son la mitad de los ‘Doce al patíbulo’. Nunca se hubieran imaginado que iban a tener una nueva oportunidad en su vida para hacer esto —mucho menos pelear contra guerreros extraterrestres. Por lo que creo que se supone que el término es de cariño. Y también siento que es como una de esas cosas en las que dices, ‘oye, a mi primo no le puedes decir así, pero yo sí. Oye, a mi hermanito no le puedes hablar así, pero yo sí’. McKenna nos puede decir los Chiflados. Pero si alguien más nos llama de esa manera, lo asesinaríamos”, dice entre risas. “Los mataríamos”.
Jane agrega, “La manera en la que Shane me los describió fue que todos estaban dañados de la guerra que les haya tocado pelear. No se han reintegrado a la sociedad de una manera que los haga sentirse productivos o miembros normales de ella, y eso genera muchos problemas. ¿Qué pasaría si estos tipos fueran lanzados a circunstancias extraordinarias donde tienes a un cazador alienígena de otro planeta? Son arrojados a una gran aventura donde tienen la oportunidad de poner en práctica algunas de las habilidades que aprendieron. Todos tienen problemas serios, pero cuando se trata de batirse con el enemigo, toda esa basura queda en el pasado y pasan a ser una máquina muy bien aceitada. El entrenamiento no se ha ido a ningún lado, ya que está enraizado en tu memoria muscular, en tu alma, cuando lo has hecho unos cuantos miles de veces”.
Jane dice, “Este grupo de soldados chiflado y mal concebido no puede conservar la cordura durante doce horas a la vez, pero al momento de la verdad y cuando se ponen las cosas pesadas, están ahí, para su gente, y estarán dispuestos a morir por ellos. Y hay algo muy humano en todo ello”.
“Todos están unidos por el hecho de que no tienen a nadie más en sus vidas”, comenta Black. “Ellos son todo lo que tienen. Este grupo se aferra el uno al otro porque, cuando están solos, sus mentes van a lugares muy extraños y a lugares malos. Es sólo a través del contacto con la gente que los mantiene cuerdos, que pueden encontrar su ímpetu otra vez y llevar a cabo una última misión. Una que no haya sido autorizada u ordenada por nadie, una a la que son arrojados de manera inexplicable, pero una que asumen y dicen, ‘Nadie da un centavo por nosotros, todo mundo nos ha descartado. Todos creen que estamos locos. Así que, mientras no tomemos nuestras medicinas, por qué no nos volvemos todos un poco locos y matamos a esta cosa’”.

EL MERCENARIO
Boyd Holbrook interpreta a Quinn McKenna, un comando militar de las Fuerzas Especiales convertido en mercenario. Comenta, “El Depredador original fue legendario, así que es un honor y privilegio poder regresar con Shane treinta años después y reinventar esta cosa”.
Describe a su personaje: “Cuando conocemos por primera vez a Quinn, en realidad no tiene mucha razón para vivir. Está separado de su esposa e hijo, y se encuentra en una mala racha. Estando en México para llevar a cabo un trabajo como mercenario, una nave de Depredadores hace un aterrizaje forzoso. Ahí, es testigo de un encubrimiento, y termina intentando regresar este dispositivo que ha encontrado a su domicilio en los Estados Unidos. Necesita la prueba —nadie le va a creer. Desafortunadamente, su hijo Rory, quien está en el espectro autista, lo descubre. Y cuando lo encuentra comienza a descifrarlo. Rory empieza a manipularlo y como que arma el rompecabezas que, a través de su propia inocencia y mera curiosidad infantil, desencadena una avalancha de problemas”.
Holbrook agrega, “Podrías tan sólo romper la dinámica y decir que esta es una historia acerca de un padre y un hijo. El viaje de McKenna va de simplemente no ser un padre y de ser irresponsable, a convertirse en un líder y volver a ser un padre otra vez, y tener una razón de ser. Una de las cosas distintivas de la historia es la unidad de familia. McKenna es un tipo duro, y en realidad no sabe cómo lidiar con Rory. Creo que gran parte de la infelicidad de McKenna proviene de estar alejado de su hijo. No se identifica emocionalmente y le está costando mucho trabajo aceptar su autismo. Y ese es el gran defecto de Quinn. Pero sigue yendo a ver a Rory y a la postre terminan por forjar un vínculo. Nos damos cuenta de la razón por la cual no se conocen, y tenemos la oportunidad de ver cómo se vuelven a unir”.
Holbrook recuerda su primer día de rodaje, en el que él y sus compañeros “Chiflados” se personan en el hogar de la familia de Quinn. “Ensayamos la escena, y hablamos de ella en las partes donde no había diálogo alguno. Después nos fuimos a comer, y Shane se fue a su tráiler, escribió, y, cuando regresamos, nos entregó nuevas páginas. Así es como él hace una amalgama de las cosas que son importantes. Tiene estos ritmos cómicos increíbles que toman parte, pero sin alejarse de lo que está en ese momento en juego. Es un maestro para hacer eso”.
Holbrook indica, “En ocasiones, se sentía como una película muy pequeña porque estábamos trabajando en lugares muy reducidos con muchas personas, y te daba esa sensación de una pequeña familia. Y después teníamos estos sets gigantescos y vastos, en locación y en estudio, ¡que pasaron a convertirla en una pequeña gran película!”.
Debido al entrenamiento al que había estado sujeto para rodar su filme previo, Holbrook se encontraba en un gran estado físico. Recuerda que mientras trabajaba en “Logan”, conoció a un doble de riesgo. “Era un ex francotirador de los SEALS. McKenna es un comando militar de Fuerzas Especiales, pero cuando lo conocí estábamos hablando trivialidades. Tuve la suficiente suerte de pasar tiempo con el hombre y para las cinco de la mañana me tenía en la playa, en el agua, corriendo y entrenando. Hice eso durante un par de meses. Lo que realmente creo es que mi preparación se reduce al acondicionamiento que él me dio. Hay una serie de cosas peligrosas que son las que forjan a estas personas. De igual manera, me pareció muy importante obtener esa sensibilidad del porqué estos tipos tienen ese sentido del humor mórbido. Estos tipos son un grupo de hombres fascinantes”.

LA CIENTÍFICA
Olivia Munn interpreta a la Dra. Casey Brackett, una bióloga evolutiva. Munn comenta, “Casey es la mejor en su campo, en esencia, es una científica que investiga cómo las criaturas cambian y se adaptan. Ha estado en la CIA y ha formado parte de la lista de personas principales a las que acudiría el gobierno en dado caso de que alguna vez se llegue a hacer contacto con otras formas de vida inteligente. Así que esto es algo que ha estado esperando toda su vida, sin saber si alguna vez llegará a suceder. De repente, recibe una llamada. Necesitan de su pericia. Es algo que nunca esperó que fuera a pasar”.
Munn comenta, “Es algo que ha estado deseando toda su vida, pero es aterrador y surrealista sin lugar a duda. Enciende algo en su interior —es el epítome de sus estudios. Está persiguiendo y quiere capturar a este Depredador. Quiere estudiarlo, tenerlo muy de cerca, comunicarse, hablar con él, tocarlo, pero, al mismo tiempo, tiene que correr por su vida. En definitiva, hay una mezcla de alegría y miedo absoluto”.
Munn agrega, “Trabajar con Shane Black fue la principal razón por la cual quería estar en esta película. Shane básicamente escribió la década de los 80. Fue la voz de los ‘80”. No obstante, cuando la abordaron por primera vez para ver si quería participar en el filme, rechazó el ofrecimiento. Munn no tenía detalle alguno del personaje, sólo que era el papel protagónico femenino. “Por lo general, en una gran película como ésta, tiene que ser el interés amoroso. Les dije no y gracias, pero regresaron y me dijeron que Shane quería reunirse conmigo para decirme que ella era una científica y no el interés amoroso. Así que me junté con Shane. Me encantaron él y su energía, y cómo quería abordar el filme. Si bien esta es una gran película, se sintió como si hubiéramos estado haciendo una película independiente, porque Shane es un actor/director. Es una gran colaboración, en la que todos encontramos cosas divertidas que hacer para mantener vivo el momento. Nunca he visto una gran película de escala tal operar de una manera tan íntima”.
Munn dice que su personaje está inspirado en varias personas, incluyendo varios miembros de su familia. “Soy estadounidense de primera generación. Mi familia era china, pero llegó de Vietnam el día que la guerra terminó. No tenían nada de dinero cuando llegaron a los Estados Unidos, pero se las arreglaron, mi madre y sus ocho hermanos, y obtuvieron múltiples títulos universitarios. Y todos se volvieron científicos y doctores, maestros e ingenieros”. Munn dice que Casey está basada en especial en una prima, que hace trabajo sin fines de lucro alrededor del mundo. “Nunca sabemos dónde está, pero siempre sabemos que está en un lugar de peligro, donde más se le necesita. Gran parte de mi personaje está basado en mi prima, Angie, quien es muy apasionada con respecto a lo que hace y esa es la fuerza impulsora en su vida”.

LA FUERZA
Trevante Rhodes, quien interpreta a Williams, estaba tan asustado cuando de niño vio al Depredador original, que dice, “No he visto películas de miedo desde que tenía siete años, debido a esa película, o debido a esta franquicia. Durante días, tuve pesadillas”. A pesar del impacto aterrador que tuvo en él haber visto la película, Rhodes dice que estaba emocionado con la idea de Shane Black de retomar la franquicia treinta años después. “La idea de trabajar con este hombre que fue actor en la primera, regresar y tener un gran rol en ella, es una experiencia asombrosa, que sólo se te presenta una vez en la vida”.
Rhodes estaba interesado en explorar qué le sucede a un soldado después del combate. “Tenía la oportunidad de incorporar esta idea de haber perdido mi unidad. Williams era el capitán, tomó una mala decisión y toda su gente murió debido a ella. Así que ha tenido que vivir con eso. Y, después, viene este tipo que está luchando por salvar a su familia, salvar a su hijo. Y eso es algo muy bello, ver la pasión que hay detrás de eso. Williams tiene ese anhelo, el querer tener esa experiencia familiar, porque no la tiene. Apelar a ese cordón emocional y mostrar esa faceta del individuo que fue, en cierto sentido, un asesino frío y calculador, pone en evidencia la perspectiva de lo que siempre ha estado buscando”.
El nombre completo de su personaje es Gaylord Nebraska Williams, “pero no le gusta mucho Gaylord”, indica Rhodes. “Fue sargento del grupo de Fuerzas Especiales de la Fuerza Aérea”.
Williams trabajó de cerca con la jefa del departamento de maquillaje, Victoria Down, en la creación de los complejos tatuajes de su personaje. Cada uno de ellos tiene un significado para el actor, y todos están inspirados en tatuajes de soldados reales que conoció en hospitales de veteranos mientras investigaba para su papel. “Cada tatuaje son recuerdos del viaje que ha sido su vida”, comenta Rhodes. En cada uno de sus dedos, una letra está tatuada para formar la palabra ‘Sorry’ [Perdón]. Agrega, “En mi mente, está pidiendo perdón a la unidad que murió por su culpa. Hay un signo de interrogación en el interior de su muñeca porque termina intentando suicidarse, y eso simboliza la contemplación de ello”. Tiene una tira de alambre de púas alrededor de su brazo, con los nombres de los miembros de su unidad, y una bandera estadounidense. Tiene las siglas ‘DNR’, que significan ‘Do not resucitate’ [No resucitar]. “También tiene un rifle de asalto en su antebrazo. Fue el primer tatuaje que se hizo, sólo porque tenía dieciocho años y era cool”. Williams dice que los tatuajes le añadieron peso a su interpretación. “Se ven geniales, pero es algo más mental. Si se convierten en tu verdad, se convierten en la verdad de la audiencia”.
Al investigar para su papel, Rhodes se reunió con una cantidad de veteranos, muchos con el SEPT [Síndrome de estrés postraumático]. “Tuve la oportunidad de hablar con una buena cantidad de gente maravillosa”.
La intención del término ‘Chiflados’ no es de menosprecio. Rhodes acota, “Está intentando restarle importancia a una situación que es muy pesada. Y la mejor manera de hacerlo es agregarle humor. El mejor humor proviene del dolor, ¿correcto? Pero estas personas son tipos que sufren de Sept, y serán los primeros en decirte que están locos. Pero todos lo estamos hasta cierto punto, así que sólo está intentando desestimar esta sensación terrible que experimentas todos los días”.
Rhodes tiene la distinción de repetir el icónico diálogo de la película original: “Vete al helicóptero”. Pero, en esta película, es en plural —“helicópteros”. Agrega, “Así que hay mucho peso en ello, ¡así que no hay que sentirse presionado! Había que estar a la altura de muchas cosas”.

‘ENEAMIGOS’: COYLE & BAXLEY
“Shane Black es la persona que creó el género de amigos policías disconformes como lo conocemos en la actualidad”, comenta Keegan-Michael Key, quien interpreta a Coyle. “Y ese tipo de criterio avanzado que tenía, no lo ha perdido. Así que la sensación de que podía aportarle algo especial a la serie de Depredador era palpable e hizo que yo quisiera formar parte de ella”.
Key comenta, “Lo que más me emocionó acerca del papel fue interpretar a una persona que está dañada, que se ha resignado a llevar una vida mundana y completa y diametralmente opuesta a la vida que ha vivido cuando estaba en el ejército. De verdad, era algo gratificante desde un punto de vista creativo. Esta sensación de que Coyle es frágil y disfrazarlo con un montón de bravuconería fue un reto divertido como actor. El humor es su armadura. Coyle pertenece a un grupo de caballeros que van a terapia de grupo para superar el Sept, la depresión y el trauma que experimentaron durante la guerra. La única manera que le va a permitir superar sus días es contar chistes vulgares e inmaduros. Me parece que quiere llenar un cuarto con jocosidad para que eso le levante el ánimo”.
Junto con Black, Key y Thomas Jane, quien interpreta a Baxley, crearon una historia pasada compartida para sus personajes. Keys dice que estuvieron en Desert Shield
[Escudo del desierto], el primer conflicto iraquí, en el que protegieron a Kuwait. “Coyle y Baxter nunca llegaron a estar en una posición de liderazgo. Eran soldados, tipos de los grados más bajos. Los otros tipos en su terapia de grupo son mucho más especializados que nosotros”.
La historia de fondo es trágica. Coyle estaba manejando un vehículo de blindaje ligero y, en medio de una balacera, se vio forzado a girar y le disparó a otro vehículo de su brigada, destruyéndolo. Todos los hombres en su interior, a excepción de Baxley, murieron. “Debieron de haber pasado años y años de investigaciones”, comenta Key, “en los que no le dieron tiempo alguno para lamentar sanamente la tragedia porque no podía dejar de ir a los interrogatorios. Los chistes son un escape o un bálsamo, pero no son una cura para el dolor que vive en su interior”. Coyle y Baxley desarrollaron una amistad aparentemente incompatible. “Repasamos dos o tres tipos de historias de cómo debíamos explicar lo que es esta relación, y esa fue la que le pareció más intrigante a Shane”.
Jane agrega, “Estos tipos se odian, pero tuvieron que pasar años juntos en las cortes. Finalmente, un día, uno de ellos dijo, ‘oye, ¿quieres ir a tomarte un café? Y fue más o menos así como dio inicio la relación”.

“Shane es implacable en su búsqueda por encontrar la cosa más genuina que podamos hacer en un momento dado, y lo que eso podría generar”, comenta Key. “Y siento que hizo todo lo que pudo en EL DEPREDADOR para pensar, ‘bueno, si estamos alterando un poco el mundo y estos Depredadores existen en él, ¿entonces cómo podemos hacer que se sienta como un documental?’. Es un documental extraño, y esa es parte de su fuerza, esta lógica de decir, ‘Quiero que sea divertida, quiero que esté aumentada, pero quiero que se vea real’. Debe de tener esta textura auténtica, esta falibilidad humana genuina, especialmente los Chiflados, porque ellos están dañados. Se están poniendo al corriente con sus habilidades mientras luchan contra algunos de los guerreros más grandiosos de la galaxia”.

Thomas Jane, quien interpreta a Baxley, ha sido un aficionado de Shane Black desde que era niño y siempre había querido trabajar con él. “No había hecho la asociación de que Shane había estado en Depredador. Ya se me había olvidado por completo que había estado ahí —porque muere al principio. Shane dijo, ‘Oye, voy a hacer EL DEPREDADOR y tenemos este reparto de ensamble’, y me explicó de qué iba. Le contesté, ‘Sólo dime dónde estar y el día que tengo que estar ahí’”.
Jane recuerda, “Crear estos personajes fue en realidad algo que partió más o menos de la intuición. En el guión no había mucho escrito acerca de ellos porque somos muchos. Si te dieras a la tarea de escribir lo que todo mundo dice, tendríamos un guión de 250 cuartillas. Shane ha estado escribiendo y haciendo esto durante tanto tiempo, que optó por dejar fuera gran parte del diálogo. Se nos ocurría a lo largo del día, o al mismo Shane. Shane te decía qué quería que todos dijeran. Y eso sirvió para generar esa sensación de una banda de tipos auténtica, que está pasando por una experiencia extraordinaria”.
Jane recuerda haber discutido con Black de cómo Baxley hubiera reaccionado de que Coyle haya matado a todos menos a él. “Me dijo, ‘tu personaje quizás y tenga el síndrome de Tourette’. Hice un poco de investigación, y resulta que hay algo a lo que se le llama trastorno de conversión. Si tienes una experiencia emocional traumática puedes adquirir los síntomas de otra enfermedad. Y puede suceder con el de Tourette. Así que apelé a eso y después de esta experiencia terrible opté porque Baxley —quien, para empezar, siempre ha tenido un poco de TOC [Trastorno obsesivo-compulsivo]— desarrollara el trastorno de conversión. Coyle se siente incluso más culpable, y Baxley sólo quiere matar a este tipo, ya que lo desquicia. Pero también como que lo quiere. Así que había muchos elementos con los cuales podíamos jugar”.
“Thomas Jane estudió muy duro para descifrar cómo suena el Síndrome de Tourette y cómo se ve”, comenta Black. “El personaje pone una pistola en su mano y reprime el síndrome porque reinserta un impulso: ‘Puedo hablar de manera más clara con una pistola en mi mano porque me pone en una situación pasada donde estoy haciendo algo que me resulta muy familiar’”.

EL PILOTO
Augusto Aguilera, quien interpreta al enigmático Nettles, vio la película original de Depredador cuando era niño. “Recuerdo haberla visto una y otra vez con todos mis hermanos, y después nos vestíamos con ropa de camuflaje y cosas como ésas. Teníamos nuestras pistolas de juguete [¡cuando darle pistolas de juguete a los niños era considerado apropiado!] y corríamos por la casa y nos disparábamos”. Admite que le dejó huella. “Era la masculinidad condensada en noventa minutos”. Para Aguilera, ser parte de EL DEPREDADOR es “regresar a ser niño. Ahora tengo la oportunidad de hacer todo eso, pero de verdad. Y estoy disparando armas reales, ¡y hacen un ruido auténtico y no lo tengo que hacer con mi boca! ¿Cómo decirle que no a una película como esta?”.
“Shane Black era uno de mis héroes”, comenta Aguilera. En cuanto al desarrollo de su personaje, comparte, “Shane me dijo que podía hacer lo que quisiera. Me encanta escuchar eso y me emocioné mucho, por lo mismo. Nos sentamos y platicamos un par de horas con respecto a cómo veíamos a Nettles. Él era un piloto y estuvo involucrado en un accidente de helicóptero, por lo que tuvo un traumatismo craneal. Así que no tiene permitido la única cosa que realmente sabe hacer y la cosa que sabe hacer tan bien. Shane y yo sentimos que era importante apelar al hecho de que esta gente ha sido desechada por el gobierno y el ejército, y, de muchas maneras, por la sociedad. Debido a que Nettles tiene un traumatismo craneal, ya no puede ser piloto de helicóptero. Así que simplemente pasa a ser descartado. Y, de muchas maneras, se siente dañado y avergonzado por ello”.
“Shane no usa el término Chiflados en un sentido despectivo”, comenta. “Hay un momento en el que McKenna se refiera a nosotros como Chiflados, pero es sólo después de que nosotros nos hemos nombrado así. En ocasiones, te burlas de algo de ti mismo para no sentirte tan avergonzado o apenado. Me parece que es a eso a lo que quería llegar Shane: aminorar la severidad de la vergüenza por la forma en la que creemos que otra gente nos ve”.

PROYECTO STARGAZER
Los Depredadores han estado viniendo a la Tierra y cazando humanos desde hace ya algún tiempo, y ya no es algo tan secreto como solía ser. El gobierno ha establecido una agencia de defensa dedicada única y exclusivamente para proteger a humanos de una incursión de Depredadores. El proyecto Stargazer se concibió en un principio como un laboratorio ultra secreto del gobierno con tecnología de punta, en el que Depredadores capturados podían ser estudiados. Dekker comenta, “Pero en la historia de fondo, el gobierno necesitaba algún tipo de negación plausible, así que lo dejaron en manos de la CIA”. Pero cuando Traeger, interpretado por Sterling K. Brown, asume el cargo de las operaciones, privatiza Stargazer para lucrar con la tecnología de los Depredadores.
Brown comenta, “El guión es muy distinto al de la original. Es más ligero, quizás y hasta más cínico; tiene un mucho mayor sentido del humor y también es más difícil determinar quiénes son los buenos y quiénes los malos. Traeger es un personaje muy distinto a cualquier cosa que el público me haya visto hacer antes, así que tuve la oportunidad de sorprender a la gente y quería sacarle provecho a eso. Me gustó la idea de interpretar a alguien que no fuera malo y se estuviera retorciendo el bigote, y que simplemente le diera más importancia a sus prioridades, que, resulta, no concuerdan con las de todos los demás. Eso me llamó la atención”. También habla de la relación de Traeger con Stargazer. “Lo que pudo haber comenzado como algo que era auténticamente altruista y benéfico para toda la raza humana, una vez que se dio cuenta que quizás y esa ya no era más una posibilidad, se preguntó, ‘¿qué podría hacer de menos para beneficiarme?’ Ve una oportunidad para obtener una ganancia personal”.
Mientras rodaba una escena con Olivia Munn en la que Traeger está intentando intimidar a Casey, Brown recuerda haberle preguntado a Black qué creía que debía hacer para culminarla. “Le dije, ‘Voy a intentar algo que va a ser completa y absolutamente inapropiado, pero que quizás no vaya a funcionar”, y Shane me respondió, ‘Esas siempre son mis opciones favoritas’”.
Brown dice, “Creo que Shane reconoce que el guión es un anteproyecto, en el que necesitamos cubrir ciertos puntos y acertar en ellos para informar al público, construir la historia e impulsar la trama. Pero después da libertad y alienta, y casi exige, que los actores se salgan del guión y hagan lo que sientan que es auténtico y correcto en el momento. Así que es una combinación de esas dos cosas; esta maravillosa vía de tren que ya ha montado frente a nosotros, para que después tengamos la libertad de jugar dentro del marco de esos rieles”.

EL NIÑO
“Este niño maravilloso fue quizás el actor más fiable del reparto”, dice Black acerca de Jacob Tremblay, quien interpreta a Rory. “Es la maravilla de una sola toma”. Black indica que cuando estaban presionados de tiempo, nunca tenían que preocuparse de que Tremblay fuera a dar la marca. “Los tres emplazamientos que necesitábamos los conseguíamos, porque hacía cada uno de ellos de manera perfecta, ¡a la primera toma!”.
Rory, hijo de Quinn, se encuentra en el espectro autista. Para ayudar a investigar su papel, Tremblay y Black realizaron varias visitas a la Canucks Autism Network, una organización ubicada en Vancouver, que ofrece programas deportivos y recreativos para individuos con autismo. “Nos hicimos de amigos y tuvimos la oportunidad de estar con algunos de los niños”, dice Tremblay. “Jugamos algunos juegos de mesa, y cocinamos unas galletas muy ricas. Conocer a niños con autismo me ayudó a entender cómo Rory actuaría y cómo se movería. Después de haber ido, Shane y yo lo platicamos, y a partir de ahí creamos al personaje”.
“A Rory le gusta el ajedrez, y suele ser intimidado”, comenta Tremblay. “Pasa mucho de su tiempo en el sótano de su casa. Es muy inteligente. Le gusta hacer cosas y descifrar rompecabezas. El sótano es la zona de seguridad de Rory. Es donde puede ser él mismo. Tiene todas estas cosas geniales, cosas que ha hecho, como piezas de robots gigantes. Tiene un tablero de ajedrez y cuatro televisiones. Cualquier cosa que un niño como yo querría”.
El don de Rory para resolver rompecabezas le ayuda a entender el lenguaje de los Depredadores. “Es muy bueno al momento de descifrar al Depredador”, comenta.

LEGADO FAMILIAR
Jake Busey interpreta al Dr. Sean Keyes, un científico investigador que estudia a los Depredadores en el Proyecto Stargazer. Comenta, “Es un grupo clandestino que estudia de manera secreta a estos extraterrestres, y no te sabría decir si los que trabajan en Stargazer son considerados buenos o malos”.
Sean es hijo de Peter Keys, un científico del gobierno en Depredador 2, que fue interpretado por el padre de Jake, Gary Busey. “Sean está continuando el legado de la familia Keys en el mundo de Depredador”, comenta el Busey más joven.
El Busey mayor apareció en Lethal Weapon, y su hijo conoce a Black desde hace años. “Que me haya llamado personalmente y me haya pedido estar en esta película, fue un gran honor. Y si bien he seguido los pasos de mi padre desde un punto de vista profesional, ¡este ciertamente lo lleva a otro nivel! Hay muchos papeles que he tenido la fortuna de interpretar, pero el del hijo de un personaje que mi padre personificó, ¡está en lo más hondo! Es interpretarme a mí mismo en un mundo ficticio. Como suele suceder entre padres e hijos, te darás cuenta que la mayoría de los hijos no emulan o imitan a sus padres; tienden a ir hacia la dirección opuesta. El personaje de mi padre, Peter Keys, era muy intenso, decidido y maniático. Sean es más como un científico devoto que está tras los hechos, buscando respuestas. ¿Por qué mataron a su padre? Hay mucha retribución que está buscando. Pero tengo que decir que no es fácil interpretar al hijo de mi padre. Porque eso es lo que soy y es algo tan cercano a mí, que es difícil ponerte un vestuario y hacerlo un personaje distinto, porque no dejo de ser yo. ¿Cómo haces eso? Es difícil”.
Pero, Busey señala, “Conozco a Shane desde hace bastante tiempo y siempre había querido estar en una de sus películas. Y el hecho de que sea una de Depredador, y una secuela de la película en la que estuvo mi padre —son demasiadas cosas envueltas en un mismo paquete, y me emociona sobremanera ser parte de ello”.

EL DEPREDADOR
EL DEPREDADOR representa el debut en la actuación de Brian Prince, el artista de parkour de dos metros de altura, quien interpreta el papel. Una vez enfundado en el disfraz del Depredador, alcanzaba más de 2.15m de altura.
“Me dijeron para qué tenía que estar preparado”, comenta Prince, “porque adentro del traje se pone muy caliente —súper caliente— y es muy restrictivo. Pero soy de Georgia, y el verano ahí es muy húmedo, así que me pareció que sí podía hacer eso. No obstante, ¡estaba mucho más caliente de lo que jamás pude haber imaginado!”. Una cosa que de verdad sorprendió a Prince fue toda la ayuda que necesitó, no sólo para ponerse el traje, sino a lo largo de todo el día cuando lo tenía puesto. “Tenía a todo un equipo de gente. Fueron maravillosos, y no podía hacer nada sin ellos. No me podía agachar a recoger algo, o comer o tomar algo —¡que eran cosas que tenía que hacer!”.
Si bien Prince había trabajado antes como doble de riesgo, él era nuevo para la actuación y no estaba familiarizado con el tiempo que puede tardar preparar una toma. “Había ocasiones en las que estaba totalmente vestido y decía, ‘bueno, hagamos esto, estoy listo’ —y después podían pasar horas antes de hacer algo. Me sentaba ahí, con el traje puesto. Además, con el disfraz puesto nunca dejaba de trabajar —incluso el estar sentado en una silla, ¡la cabeza pesaba cinco kilos y el cuerpo veintidós! Siempre estaba intentando encontrar la manera de ponerme cómodo, y la gente pensaba que estaba relajándome, ¡pero estaba trabajando!”.
También fue todo un reto escuchar y ver. Una de las cabezas era mecánica, con engranes motorizados en su interior para mover elementos del rostro del Depredador. Y Prince también tuvo que usar lentes de contacto de color brillante, que hacían que todo se viera borroso.
La máscara fue creada a partir de un molde de la cabeza de Prince y embonó de manera ceñida. Prince acota, “La máscara estaba apretada, pero no lo suficiente, y en esos momentos en los que tenía que hacer movimientos fuertes o sacudidas, la máscara se movía y me lastimaba y cortaba la nariz. Ese fue el punto principal de anclaje de mi movimiento”.
Alec Gillis y Tom Woodruff, Jr. son copropietarios de Amalgamated Dynamics, diseñadores y fabricantes de criaturas del traje de Depredador que Prince utiliza. Tanto Gillis como Woodruff trabajaron para Stan Winston en la película original. Gillis comenta, “Parte de la razón por la cual el Depredador funciona es que está basado en una forma humana. Empezamos con moldes de cuerpo, y trabajamos a partir de las proporciones de Brian. Intentamos no hacer el traje demasiado voluminoso porque el movimiento es clave. Y pasa lo mismo con el rostro. Usamos al humano por debajo como punto de partida”.
La cabeza pesa entre tres y cuatro kilos, “con rastas y baba, quizás cuatro kilos y medio”, indica Gillis. Recuerda haberle dicho a Prince, “Esta es la oportunidad de toda una vida. Vas a pasar a la historia como una de las pocas personas que jamás haya interpretado al Depredador. Y, por cierto, va a ser una experiencia miserable”.
Gillis y Woodruff también son titiriteros, toda vez que las expresiones faciales del Depredador están articuladas por animatrónicos. Gillis comenta, “Éramos tres los que estábamos trabajando su rostro por fuera. Las mandíbulas son muy complejas. Un tipo controlaba las mandíbulas superiores y otro las inferiores”.
Tom Woodruff Jr. recuerda haber visto una foto de sí mismo y de sus compañeros titiriteros trabajando en otro set: “Podías ver que todos estábamos haciendo las caras de la cosa que estábamos operando, porque así es como desglosamos la manera en la que operamos. No es algo que requiera de un solo hombre. Tenemos a un tipo que está haciendo las mandíbulas, otro la quijada y otro las cejas. Todos estamos súper enfocados. Hay pequeños matices que te hacen ver, una vez que te metes a fondo en ello, por qué apareces en fotografías haciendo caras bobas. Te sumerges tanto en la operación, que te pones a interpretar el papel como un todo. Te conviertes en el personaje. Quieres ofrecerle ese tipo de animación para mantenerlo con vida, pero también que esté enfocado en la escena”.
Woodruff añade, “Como fabricantes de criaturas, preferimos pensar en nosotros como fabricantes de personajes”. El mismo Woodruff ha interpretado a criaturas alienígenas en algunas de las películas de Alien y AVP, así que sabe cuán difícil es para el actor que está dentro. “Las cabezas no son ligeras. Tu visión siempre está borrosa, en el mejor de los casos. Estás usando lentes de contacto y estás viendo como si lo hicieras a través de una cerradura, por lo que tu visión periférica está bloqueada. Cuando enciendes el motor en el casco de fibra de vidrio es casi imposible escuchar direcciones. Brian hizo un gran trabajo. Desde un punto de vista emocional, es muy difícil, en dos niveles. Es difícil porque estás comprometido a estar en ese traje, y por más que quieras decir, ‘quítenme la cabeza, denme un descanso’, sabes que ese descanso se convierte en 25 minutos para cuando te la logras quitar, tomas un respiro durante unos cinco minutos y te la vuelves a poner. Si partes de la emoción y el respeto, no quieres hacer que la producción se detenga mientras haces eso. Así que eso es complejo. Estás cargando con una gran responsabilidad”.

SHANGRI LA
En EL DEPREDADOR, Quinn y los Chiflados se ven obligados a relacionarse de manera acelerada para convertirse una unidad de pelea eficiente y mantener a raya a feroces cazadores extraterrestres. Para ayudar a que el reparto desarrollara la camaradería de sus personajes, la producción creó Shangri La. Este lugar fue el sobrenombre de cariño que le dieron al cuarto verde del reparto; una gran tienda de campaña que viajaba a cada locación y set, desde foros hasta una cantera, y desde el bosque hasta una planta de tratamiento de aguas residuales, hasta incluso los suburbios.
“Tuvimos una gran tienda de campaña estilo medio oriente, que montábamos en medio de foros gigantescos que eran del tamaño de campos de futbol”, comenta Thomas Jane. “Pusieron unos sillones muy cómodos, iluminación y alfombras, y esa tienda de campaña nos siguió para todos lados. Cuando estábamos en locación, en medio de la lluvia y lodo, estaba este agradable lugar. Estaba calientita. Así que pasamos mucho tiempo en su interior. Y eso nos dio la oportunidad de conocernos y hacer boberías. Shane ensambló un reparto muy agradable, en el que no había manzanas podridas, ningún comportamiento terrible de estrella de cine, rivalidades, celos o conteo de diálogos, o cualquier cosa similar”.
Key describe la dinámica del ensamble: “Las escenas de grupo fueron un reto estimulante. Había días donde eras centro delantero, pero el enganche estaba que no creía en nadie. O el entrenador, en este caso Shane, decidía que nos íbamos a enfocar en el enganche, y a él le íbamos a pasar el balón. Así que debías ofrecer apoyo. No tengo palabras para describir la forma en la que nos consolidamos de una manera tan rápida. No nos conocíamos de antemano y no entiendo cómo se dieron las cosas. Pero todos queríamos que hubiera una dinámica de equipo, que se sintiera como un equipo, y ensayamos mucho ese caos organizado”.
Black dice, “Nunca he visto a un grupo de actores como este, que después de trabajar se juntan para salir a comer. Se la pasaban en una tiendita de campaña, sentados, platicando entre ellos. Eso de regresarte a tu tráiler no se dio mucho en esta película. Se cayeron bien, querían pasar tiempo juntos, estar en el set, y tan sólo pasar el tiempo con los demás. Fue algo bastante inusual. Todos se comenzaron a agradar al momento. Boyd tuvo que ver mucho en ello; fue un catalizador para el tipo de camaradería y la clase de macho sensible que se dieron. Boyd interpreta al padre espiritual de estos hombres, el miembro sano del grupo, si es que algo así existe en la película”.

LA APARIENCIA
El diseñador de producción Martin Whist recuerda sus primeras juntas con Black, en las que el director dijo que era importante que: “Fuéramos muy respetuosos y le hiciéramos reverencia al linaje y la historia —sin cambiar nada, sino actualizarlo”. Whist indica que, “De 1987 a la fecha, los Depredadores han evolucionado, y la realización cinematográfica también, así que queríamos hacer ambas. Ellos han actualizado su tecnología, mientras que nosotros, como realizadores, también hemos actualizado la nuestra”.
Mientras diseñaba la nave, conocida como el Arca, Whist explica, “Es una mezcla orgánica tecnológica, al ser el Depredador lo mismo. Existe una tecnología que no es humana y ese es un aspecto que Shane y yo queríamos enfatizar. La nave no cuenta con nada lineal. Los botones son tabletas no lineales y omnidireccionales, a los que un humano no les podría encontrar sentido. Quería crear un nuevo lenguaje, una lengua vernácula para el Depredador, basado en el hecho de que no es de este planeta. Él tiene su tecnología, el camuflaje, pero también sus raíces son análogas, dada la forma en la que pelea. Me encanta la combinación de que pueda despedazar a alguien, mientras que al mismo tiempo tiene la facultad de contar con esta tecnología de punta no humana”.
Sets construidos en los estudios Mammoth a las afueras de Vancouver incluyeron el laboratorio Stargazer, el Arca del Depredador, y el pantano, que fue erigido en dos partes; una, en la parte superior, la otra, en la parte inferior de una montaña.
El exterior del Stargazer fue creado una vez que juntaron dos locaciones reales: la presa Cleveland al norte de Vancouver, y la planta de aguas residuales de Lulu Island, en Richmond. Whist comenta, “Stargazer está escondido; no es evidente que sea una instalación del gobierno. Es este lugar muy interesante en la cima de esta presa inmensa en un desfiladero con un acantilado de paredes rocosas, y después la entrada es una estación vieja con un elevador que desciende para poder entrar a la instalación”.
Un homenaje maravilloso a la historia de Depredador y su franquicia son las exhibiciones dignas de museo en los túneles y área de observación del Stargazer. Las armas y guardarropa son “toda la utilería original de las otras películas”, comenta Whist. El casco original del Depredador también está en las “vitrinas parecidas a las de un museo”.
Si bien combinaron dos locaciones para crear el exterior de la instalación del Stargazer, el interior fue construido en un foro de los Mammoth. Sus paredes de concreto pesado son iguales a las del interior de la presa.
Whist recuerda que mientras el set de Stargazer estaba en construcción, “una noche estaba ahí a las 2 de la mañana, caminando por el set, que era todo de madera, y de ahí provino mi inspiración: los carpinteros habían hecho un círculo del tamaño de una tarta al centro del lugar y de ahí comenzaron a trazar líneas para obtener la línea del arco para el círculo. Pensé, ‘Vaya, ¡eso está genial! Es rugoso, real’. Y transformé la idea y cambié de algo limpio y antiséptico a un espacio más grande parecido a una veterinaria —como para un hipopótamo o un caballo. Tenía que ser rugoso y sólido. Fue divertido cuando tuve esa epifanía. Y después agregamos todo el equipo en el piso —teníamos utilería que era grande y desagradable. Todo es pesado y fuerte. No hubo nada de trabajo ligero”.
En el laboratorio, los realizadores usaron la tradicional proyección en pantalla de fondo para el escaneo del Depredador. Afuera del set, había un andamiaje de nueve metros de altura, a diez metros de distancia, donde se proyectaba el escaneo de manera digital sobre la parte trasera de la pantalla.
Un gran aficionado de Ken Adam, diseñador de Stanley Kubrick, Whist dice, “Los pasillos y algo de la atmósfera de los espacios son un homenaje a Ken Adam, y una reverencia al círculo central de la sala de guerra en ‘Dr. Strangelove’. No está diseñado de la misma manera, pero el diseño circular es un homenaje”.
Whist comenzó a trabajar en bosquejos del set de Stargazer en abril de 2016. La construcción les tomó veinte semanas y en el set se rodó en mayo y junio de 2017.
Para la nave del Depredador, Whist talló un modelo a escala. “Me di dos semanas para hacerlo. Me encerré en la sala de escultura y básicamente descifré el lenguaje, el estilo de diseño. Debía que tener un entendimiento mecánico intrínseco, pero al mismo tiempo que no fuera lineal ni humano. Siempre que me remonto al diseño de la Depredador original, nada es fabricado por una máquina. Hay una sensación de que fue hecho a mano, como algo tribal. Después, nuestro decorador de sets, Hamish Purdy, puso sus ideas sobre la mesa y creó un sistema de iluminación y tuberías sorprendente, que tienen la textura del Depredador”.
Whist también diseñó la gigantesca actualización del Depredador. “Mide tres metros de altura, prácticamente el doble de nuestro tamaño”, comenta Whist. “La tecnología ha avanzado, pero el Depredador Actualizado es una máquina de pelea en su totalidad. Se convierte en su propia armadura. Sus manos son letales. Es inmenso. Es una máquina asesina avanzada. Cuando él sale de la penumbra y llega, quería que su nave sólo cobrara vida, pero que esa transición entre él y la nave fuera algo imperceptible. Las rastas son una imitación de las tuberías. La nave es casi una entidad viviente. Quería que se sintiera como si fuera exactamente la inteligencia orgánica que el Depredador saca a relucir. La criatura original fue todo un descubrimiento, tan fantástica y brutal. Así que me sentí honrado al rediseñarla y actualizarla, y también otorgarle una nave. Quería asegurarme de darle un reconocimiento público genuino a Stan Winston y rendirle un fuerte homenaje a todo lo que hizo”.

RODAR EL DEPREDADOR
El director de fotografía Larry Fong recuerda que Black hizo mención de que quería mezclar los géneros de las películas de terror y acción. Aclara, “Shane, en ocasiones le gusta evitar hablar desde un punto de vista meramente técnico, así que intenté interpretar sus sentimientos y palabras en imágenes”. Fong indica, “Cuando piensas en acción, quieres ver lo que está sucediendo: no puedes tener una acrobacia, explosión o accidente que suceda donde no lo puedas ver. Mientras que, en cuanto al terror, el cliché es que está oscuro y sombrío, y no puedes ver mucho. Así que, visualmente, en ocasiones es difícil mezclar ambos géneros. Para mí, la situación dicta la apariencia de la escena”.
Fong apunta hacia las escenas en el Stargazer. “Es muy difícil hacer el laboratorio oscuro y aterrador, aunque tengamos a un monstruo que vaya a hacer algunas cosas muy malas. Así que, cuando la emergencia se presenta, las luces rojas se apagan, y otras luces quedan prendidas, hay mucho titileo, ruidos, cambios de color, que espero todo eso genere sombras, oscuridad, luz, frenetismo y caos, y que permita que algo de ese miedo se haga patente”.
Gran parte de la película se rodó de noche. “La noche por lo general significa pánico”, bromea Fong.
Otro reto fue la diferencia en escala —humanos, un humano pequeño, el Depredador y un Depredador gigante. “Las diferencias de estatura son desafiantes, pero no imposibles”, comenta Fong. “Fotografié Skull Island donde había un simio de treinta metros y gente, ¡y parece que pudimos con eso! Algunas personas les tienen miedo a los lentes anamórficos —o más bien a la proporción 2:40 en el que suelen aparecer criaturas grandes o monstruos. Pero no importa —una persona sigue siendo la misma proporción, y, cuando la fotografías, o lo haces de pies a cabeza, o haces una toma más amplia, o también puedes hacer un primer plano. Y lo mismo sucede con una criatura grande —o lo haces a través de una toma amplia o cerrada, dependiendo cómo vaya a ser editada. Todo pareció funcionar. Y, afortunadamente, teníamos al equipo de efectos visuales ahí para que nos ayudara a hacer los encuadres para adaptar una criatura más grande”.
Donde Fong disfrutó más rodar fue en los sets del Stargazer y del Arca del Depredador. Comenta, “Martin Whist, el diseñador de producción, quería asegurarse que la nave pareciera como si hubiera sido diseñada por una inteligencia foránea. Así que teníamos un color de luz extraño, un azul verdoso sobrenatural, que era diferente al blanco brillante y los matices verdosos en el Stargazer, porque ahí queríamos hacer énfasis a su aspecto submarino, en vista de que estaba debajo de una presa o planta de tratamiento de aguas residuales. Hubo mucha colaboración y nos divertimos mucho haciéndolo”.
Fong y su equipo probaron una serie de luces LED en la nave. “Es una tecnología más nueva y responden de manera distinta a la cámara. En ocasiones, titilan, generan cuadros por segundo distintos, cosas como ésas. Nos dimos cuenta que en ocasiones los rojos se saturaban, así que teníamos que controlar la intensidad y ajustarla en postproducción, para que pudiéramos capturar ciertos rojos sin mancharlos, descomponerlos o atenuarlos, que, también nos dimos cuenta, muchas luces LED lo hacían. El rojo era importante porque, con el láser, es uno de los colores principales de la Depredador original, así que están enganchados al rojo. Y todavía sigue habiendo mucho rojo en el traje del Depredador y su nave”.

EFECTOS VISUALES
Jonathan Rothbart, el supervisor de efectos visuales, quien estuvo en el set durante gran parte de la producción, había trabajado previamente en Deadpool. Estaba emocionado ante la oportunidad de trabajar con Black. “Al haber estado involucrado en la original, tiene una gran conexión con la historia. Le hemos agregado unas pequeñas exquisiteces aquí y allá, que nos llevan de regreso a la original —algunos recuerdos agradables y unos cuantos atractivos ocultos. La otra cosa que me parece genial de la propuesta de Shane es que no sólo quiere hacer una película de acción, sino que también quiere hacer una película aterradora de monstruos. Pero de verdad le gusta romper el ritmo y apelar a la comedia para lograr tal efecto, y eso es algo que siempre me ha gustado de sus películas. Hay ciertas ocasiones donde no lo ves venir, y eso es lo que lo hace tan divertido. Pero también tiene pasión por la acción y el saber popular de Depredador”.
Rothbart comenta, “Shane disfruta el lado práctico de las cosas, así que queríamos rendir un homenaje y estar conscientes del hecho de que deseábamos un Depredador auténtico, y de queríamos un traje de Depredador y que los eventos se dieran de la manera más real posible. Por lo mismo, algunas secuencias geniales evolucionaron. Generaron muchos de estos momentos misteriosos y aterradores de monstruos. Debido a que una gran cantidad de gente conoce al Depredador y lo que éste representa, es hasta cierto punto difícil hacer una gran revelación de cómo se ve o tratarlo como una cosa misteriosa en la película”. El Depredador Actualizado es “el guerrero genético ideal”, comenta Rothbart. “Cuando estábamos desarrollando su apariencia, la idea fue que estaban tomando piezas de lo mejor de cada raza e intentando construir una criatura única. Cambiamos sus ojos de Depredador a ojos humanos”.
“Es grande, ¡y está enojado!”, dice el supervisor de efectos visuales Matt Sloan, cuyos créditos recientes incluyen The Martian y X-Men: Apocalypse. Comenta, “El Actualizado pasa por un par de etapas mientras llevan a cabo el juego del gato y el ratón. Conforme se involucra más, se enoja más e iremos viendo su frustración. Una gran parte de nuestro trabajo es darle a un personaje una personalidad, aunque no esté ahí físicamente, pero hacerlo evolucionar de tal forma que adquiera su propia personalidad a lo largo de la película”.
En una secuencia, algunos de los personajes humanos terminan encima de la nave espacial extraterrestre cuando comienza a despegar. “Es algo que nunca antes había visto”, comenta Sloan. “El chiste radica en que descifren muy rápido cómo salir de esa situación. Es casi una montaña rusa literal y va a ser una parte muy emocionante de la película”.
Si bien las audiencias han visto figuras caninas depredadoras antes, hay un giro con los caninos extraterrestres en la película nueva. Sloan dice, “El Depredador Actualizado utiliza perros de caza, que son casi como grandes perros clásicos que tienen su propia personalidad. Tendremos la oportunidad de ver al Depredador interactuando con otra criatura —casi de manera cariñosa. Le da al Depredador otra dimensión. Los perros son grandes y horrorosos, pero son tiernos a su manera, si se les ve desde un punto de vista de perros depredadores”.
Rothbart agrega, “esperamos que la manera en la que hemos hecho las actualizaciones también sirva para rendir homenaje a los efectos y el trabajo práctico que hicieron en el pasado. Los mejores resultados se dan cuando es un maridaje entre efectos prácticos, físicos y visuales. Así, tenemos elementos prácticos que están frente a cámara ante los cuales los actores pueden reaccionar y con los que pueden involucrarse, para así generar ese sentido de estar en esa película de terror del Depredador. Y, más tarde, amplificarlas para que tengan esa esfera de acción que estamos intentando hacer para la época moderna”.

VISTIENDO AL DEPREDADOR
La diseñadora de vestuario Tish Monaghan nunca había visto la película original antes de haber comenzado a trabajar en EL DEPREDADOR. Recuerda, “Shane me dijo que sólo tuviera como referencia la primera película, así que ahí fue donde mi investigación comenzó. Al principio, él quería algo que fuera negro. Así que comencé a ver fuentes como minerales, fósiles, cualquier cosa con una coloración interesante basada en una paleta gráfica, entremezclada con agua aceitosa. Quería obtener toques de fósforo, y algunos verdes y azules, y usar algo de las imágenes del Depredador original, porque contaba con esta armadura básica con malla y los diversos accesorios que usaba como armas. Sabía que Shane quería una versión más pulcra, pero intenté encontrar elementos de ese vestuario que pudieran ser incorporados a un traje espacial, porque eso es lo que iba a estar usando el Depredador”.
Monaghan espera que los aficionados entiendan los cambios. “Intentamos retener algo de la forma de su armadura. Todavía tiene cierta corpulencia y quieres que se vea amenazadora e imponente. Asimismo, sigue usando algunas de las piezas de sus guantes y la armadura en sus piernas, pero acentuamos su coloración y pulcritud”.
Los Chiflados están vestidos como civiles cuando conocen a McKenna en un autobús carcelario militar, pero expanden su guardarropa después de conocer a un pueblerino con una casa rodante que resulta que vende puras cosas militares, incluyendo uniformes. Monaghan acota, “Shane quería rendirle homenaje a la película original y pensó que una vez que deciden formar parte del bando de McKenna, quería que sus apariencias fueran semejantes entre sí. Cada uno conserva partes de sus atuendos, pero queríamos asegurarnos que visualmente representaran a un equipo. Les pregunté a los actores si querían alguna apariencia en particular y al final creo que estaban muy contentos porque fueron capaces de contribuir con la apariencia de sus personajes respectivos, para que sus historias de fondo tuvieran sentido y se sintieran cómodos, que fue muy bueno porque en realidad sólo usan un atuendo a lo largo de gran parte de la película”.
Para Olivia Munn, comenta Monaghan, “siempre hay un deseo de que nuestras actrices se vean hermosas. Quería serle fiel al personaje. Es una profesora —una científica que tiene que convertirse en guerrera”. Casey usa una camiseta, pantalones de mezclilla y botas de tacón bajo. “Pero una vez que entra al laboratorio y termina formando parte del equipo, pierde eso y termina agarrando su propia chamarra militar. No hay lugar a duda que es como alguien del equipo”.

HÚMEDO Y FRÍO
EL DEPREDADOR se rodó en y alrededor de Vancouver, Canadá, desde finales de febrero hasta principios de junio de 2017, con algo de fotografía adicional en marzo de 2018.
El productor ejecutivo Bill Bannerman apunta, “La lluvia en Vancouver es un hecho. Siempre sabes que entre octubre y abril va a estar oscuro, gris y húmedo, y va y viene. Sabes que alrededor de la época de Navidad podrá nevar un día, y después deja de hacerlo. Pero el año pasado, probablemente nevó cinco veces. Cada miembro de la comunidad de Vancouver dijo, ‘¡No habíamos visto esto en 40 años! Este fue el invierno más húmedo y frío de todos los tiempos’. Nunca había visto que lloviera de manera tan frecuente en los días que no tenía porqué haber llovido, y esa fue la constante. Nos afectó porque nuestra historia no se desarrolla en invierno —se desarrolla a finales de otoño, como por Halloween. Fue una lucha continua, pero todo se redujo a la naturaleza de nuestro equipo —está incrustado en su ADN pelear sin tregua y superar eso, y crear la ilusión de que nuestra historia se lleva a cabo en cierto lugar en cierta época. Pero en un momento dado se nos acabaron los elementos para crear tal ilusión climática”.
Bannerman comenta, “Comenzamos a trabajar en el set de Stargazer 25 semanas antes de que comenzara el rodaje. Debido a que el set del laboratorio, así como la nave del Depredador y los sets del pantano, estaban siendo construidos de manera simultánea en nuestro foro, quizás y teníamos más de 500 escultores, carpinteros, eléctricos y tramoyistas. Cada uno estaba encima del otro, pero de una manera muy organizada, trabajando de manera simultánea para poder conseguirlo y acabar en las fechas establecidas de nuestra agenda. Nos tomó entre siete y ocho meses para que todo cobrara forma”.
Durante la producción, Bannerman dice, “La unidad principal tenía cerca de 250 personas trabajando, mientras que la segunda unidad tenía 150. La unidad aérea [que Bannerman dirigió] variaba entre 15 y 40 personas, y la unidad en set era aproximadamente la misma. Así que, en el punto más álgido de la producción, entre carpinteros, elementos de construcción y el equipo de producción, había probablemente alrededor de 800 personas trabajando”.

PARA LOS PERROS
Mientras se rodaba, el pseudónimo de EL DEPREDADOR fue “Ollie”. Ollie es el nombre del perro de Shane Black, un pitbull de rescate de tres años de edad. Otro pitbull hace una aparición en la película, cuando persigue al pequeño Rory. De igual manera, hay perros Depredadores. Y el personaje de Olivia Munn, Casey, es presentada en una escena con un perro. De hecho, uno de los dos perros de rescate de Munn, Chance, interpreta al perro de Casey en la escena. “Mi perro Chance interpreta al perro en la película, que me parece muy tierno”, comenta Munn. “Y fue maravilloso porque hay una toma cuando me alejo caminando y Chance está siendo sujetado por un tipo de la CIA. No sé si esta toma acabó en la película, pero es la de su pequeño rostro cuando me está viendo alejarme. ¡Esa mirada no la puedes obtener de un perro de alguien más! Estaba muy orgullo de él. Mi perro intervino porque el otro perro no se pudo aprender sus diálogos. Así que Chance llegó y ese día nos salvó la vida a todos”.

DATOS CURIOSOS:
– La película original de “Depredador” iba a ser llamada inicialmente “Hunter” [Cazador].

– Shane Black apareció en Depredador como Hawkins, quien es el primer personaje principal en ser asesinado por el Depredador.

– EL DEPREDADOR se rodó 30 años después del estreno de la primera Depredador, en 1987.

– EL DEPREDADOR reconoce que la película previa existe. En referencia a Depredadores, de Robert Rodriguez, uno de los personajes en EL DEPREDADOR hace mención de que hay Depredadores que han abducido a personas para practicar el deporte y se las han llevado a otro lado.

– Dos gobernadores salieron de Depredador: Arnold Schwarzenegger (California) y Jessie “the Body” Ventura (Minnesota).

– Las escenas de acción exteriores en el Stargazer fueron rodadas en una instalación para tratamiento de aguas residuales de Lulu Island, en Richmond, Columbia Británica. Aguas residuales es otra palabra para aguas negras —cuando el viento soplaba en algunas direcciones, ¡apestaba en el set!
ACERCA DEL REPARTO:

BOYD HOLBROOK (Quinn McKenna) está amasando rápidamente un impresionante currículo de papeles diversos, que lo ha llevado a actuar entre algunos de los actores más respetados, así como probar ser uno de los talentos de Hollywood más interesantes y buscados.
Más recientemente, Holbrook fue visto en Logan, para Twentieth Century Fox, al lado de Hugh Jackman y Patrick Stewart. Interpreta a un jefe de seguridad implacable, calculador y violento de una empresa mundial, quien se enfrenta al héroe de garras Wolverine/Logan, interpretado por Jackman. En el 2016, Holbrook actuó al lado de Kate Mara y Paul Giamatti en el thriller de ciencia ficción Morgan, para Fox, como un nutriólogo de un laboratorio que crea un ser artificial que se tiene que enfrentar a su final a manos de un asesor de minimización de riesgos de un corporativo. Más tarde ese año, Holbrook protagonizó el drama The Free World, de Jason Lew, al lado de Elisabeth Moss y Octavia Spencer, que se estrenó en cines por IFC. La película se estrenó el año pasado en el Festival de Cine de Sundance y Holbrook recibió críticas entusiastas por su actuación como un pueblerino de Luisiana, liberado recientemente de prisión por un crimen atroz que no cometió. También actuó en el western Jane Got a Gun, de Gavin O’Connor, junto a Natalie Portman, Ewan McGregor y Joel Edgerton.
En televisión, protagonizó la serie original de Netflix Narcos, que en el 2016 recibió una nominación al Globo de Oro a Mejor Serie Dramática de Televisión. El drama de época narra la historia de Pablo Escobar, mandamás de la cocaína en Colombia, y está basada en hechos reales que representan su vida.
En los últimos tres años, Holbrook ha actuado en una amplia variedad de películas, incluyendo el drama Boomtown, de Sabyn Mayfield, al lado de Rachel Brosnahan y Dwight Yoakam; y el drama musical Weightless, de Terrence Malick, junto a Ryan Gosling, Natalie Portman, Christian Bale, Michael Fassbender y Rooney Mara; así como Run All Night (Una noche para sobrevivir), junto a Liam Neeson, Ed Harris y Joel Kinnaman, para Warner Bros.; Little Accidents, de Sara Colangelo, al lado de Elizabeth Banks; la adaptación de David Fincher de la novela de Gillian Flynn Gone Girl (Perdida), junto a Ben Affleck y Rosamund Pike; el drama criminal A Walk Among the Tombstones (Un paseo por las tumbas), de Scott Frank, al lado de Liam Neeson, para Universal; y la película independiente Skeleton Twins, de Craig Johnson, junto a Kristen Wiig y Bill Hader, que se exhibió por primera vez en el Festival de Cine de Sundance, en el 2014. Previo a ello, protagonizó Very Good Girls, al lado de Elizabeth Olsen, Dakota Fanning y Peter Sarsgaard, que se estrenó en el 2013 en el Festival de Cine de Sundance, Out of the Furnace, de Scott Cooper, junto a Christian Bale y Zoe Saldana, así como la adaptación cinematográfica de Andrew Niccol de la novela de Stephenie Meyer The Host (La huésped). También apareció en Higher Ground, de Vera Farmiga, y el drama nominado al Premio de la Academia Milk (Milk: Un hombre, una revolución, una esperanza), de Gus Van Sant.
Los otros créditos en televisión de Holbrook incluyen Behind The Candelabra, película biográfica de Liberace dirigida por Steven Soderbergh, que actuó al lado de Michael Douglas y Matt Damon, para HBO, y que se estrenó ante críticas entusiastas en el Festival de Cine de Cannes en el 2013; la miniserie nominada al Emmy Hatfields & McCoys; y la serie nominada al Globo de Oro The Big C, para Showtime.
Además de protagonizarlo, Holbrook hizo su debut como director en Peacock Killer, un cortometraje basado en un cuento homónimo de Sam Shepard. Este es el primer proyecto de su compañía productora, Madbrook Films. También busca hacer otras actividades creativas, además de ser un ávido escultor. Su trabajo se ha exhibido en varios lugares, incluyendo la galería Rare en Nueva York.

TREVANTE RHODES (Nebraska Williams): Un actor talentoso con una presencia impresionante, Trevante Rhodes está listo para convertirse en uno de los actores más solicitados de Hollywood.
Rhodes fue visto recientemente en Moonlight (Luz de luna), del director Barry Jenkins, que ganó el Premio de la Academia a Mejor Película. La película es la historia de cómo un niño afroamericano llamado ‘Chiron’ alcanza la adultez, mientras lucha por navegar las calles infestadas de drogas de Miami, además de batallar por aceptar su propia sexualidad. Contada a través de tres viñetas que se desarrollan a finales de los ’90, los 2000 y la actualidad, Rhodes aparece como la versión adulta de ‘Chiron’ en el tercer acto.
Rhodes terminó recientemente Horse Soldiers (Tropa de héroes), al lado de Chris Hemsworth, Michael Shannon y Michael Pena. La película sigue a un equipo de Fuerzas Especiales de los EE UU y a su capitán, después de ser enviados a una región montañosa de Afganistán en las semanas inmediatas al 9 de septiembre.
Rhodes también apareció en Song to Song, de Terrence Malick, acerca de dos triángulos amorosos que se intersecan y que como fondo tienen la escena musical de Austin, Texas.
El primer papel reconocido de Rhodes fue en la serie de Tyler Perry If Loving You Is Wrong, para la cadena OWN. Su arco de cuatro episodios en la serie se convirtió rápidamente en un papel recurrente de dieciséis episodios, una vez que las audiencias se enamoraron de su personaje, ‘Ramsey’, el vecino dulce y apuesto. Rhodes también apareció en Burning Sands, para Netflix, Open Windows, al lado de Elijah Wood, la serie de televisión Gang Related, para Fox, y la serie dramática de ciencia ficción Westworld, para HBO.
Nacido en Luisiana, pero criado en Texas, Rhodes fue un corredor competitivo en la Universidad de Texas-Austin, donde fue descubierto por un director de casting e invitado a una audiencia para su primera película, lo que finalmente encendió su pasión por la actuación.

JACOB TREMBLAY (Rory McKenna): Con tan solo once años, Jacob Tremblay se ha establecido como uno de los mejores actores jóvenes que actualmente trabaja en la industria.
Tremblay obtuvo reconocimiento internacional por la actuación que lo puso en un primer plano al lado de Brie Larson en la aclamada película nominada al Oscar Room (La habitación). Dirigida por Lenny Abrahamson, la película fue adaptada a partir del best-seller internacional de la autora Emma Donoghue. Por su actuación en la película, Tremblay recibió el Premio a Actuación Revelación de la National Board of Review, un Premio Critics’ Choice de la Broadcast Film Critics Association a Mejor Actor Joven, y una nominación a Actuación Sobresaliente de un Actor en un Papel Secundario por el Screen Actors Guild (Sindicato de actores de cine), entre otros reconocimientos.
Tremblay fue visto recientemente en la película de aventuras ‪Burn Your Maps‬‬‬‬‬‬‬‬‬‬‬‬‬‬‬‬‬‬‬, al lado de Vera Farmiga, que se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Toronto, en el 2016, además de haber actuado junto con Naomi Watts en ‪The Book of Henry‬‬‬‬‬‬‬‬‬‬‬‬‬‬‬‬‬‬‬, dirigida por Colin Trevorrow.
El otoño pasado, Tremblay actuó en Wonder (Extraordinario), de Stephen Chbosky, basada en el best-seller del New York Times del autor R.J. Palacio. Tremblay interpreta a Auggie Pullman, un chico nacido con diferencias faciales, que comienza a estudiar en una escuela convencional por primera vez. La película es co-estelarizada por Julia Roberts, Owen Wilson y Mandy Patinkin.
En la actualidad, Tremblay se encuentra rodando The Death and Life of John F. Donovan, donde aparecerá al lado de Kit Harington, Jessica Chastain, Natalie Portman y Kathy Bates. Dirigida, escrita y producida por Xavier Dolan, la película sigue a una estrella de cine estadounidense que encuentra que su correspondencia con un chico de once años ha sido expuesta, y esto incita suposiciones que comienzan a destruir su vida y carrera.
En noviembre de 2016, Tremblay apareció en el thriller psicológico Shut In (Presencia siniestra), junto a Naomi Watts y Oliver Platt. El filme fue dirigido por Farren Blackburn y estrenado por EuropaCorp. También aparece en el thriller Before I Wake (Somnia: Antes de despertar), al lado de Kate Bosworth y Thomas Jane, para el director Mike Flanagan.
Tremblay comenzó su carrera en el 2010 cuando apareció en varios comerciales de televisión. A los cinco años, Tremblay hizo rápidamente la transición a la pantalla grande cuando le dieron un papel en Smurfs 2 (Los pitufos 2), de Raja Gosnell. En el filme, Tremblay interpreta al joven hijo de Neil Patrick Harris y Jayma Mays.
Después de Smurfs 2, Tremblay tuvo papeles secundarios en los programas de televisión Motive, para ABC, Mr. Young, para Disney, y un papel secundario en el telefilme My Mother’s Future Husband.
Tremblay vive en Vancouver con sus padres y dos hermanas.

KEEGAN-MICHAEL KEY (Coyle) Como actor, escritor y creador, Keegan-Michael Key se ha convertido en uno de los talentos más creativos y solicitados de Hollywood. Con un conjunto extraordinario y diverso de habilidades, así como con un amplio talento para la comedia y el drama, Key ha redefinido el significado de lo que es ser un camaleón y una persona multifacética en los mundos del cine, televisión y teatro.
Key es co-creador y coestrella de Key & Peele, junto con Jordan Peele, para Comedy Central. En el 2016, el programa ganó el Premio Emmy a Serie Sobresaliente de Sketches de Variedades, mientras que Key fue nominado por actuar y coescribir con Peele. Key fue nominado previamente para cinco Premios Emmy por su trabajo en el programa, así como para el Premio del Screen Actors Guild, en el 2016, a Actuación Sobresaliente de un Ensamble en una Serie Cómica. En el 2014, Key & Peele ganó un Premio Peabody y un Premio American Comedy a Mejor Serie de Comedia Alternativa. El programa se ha convertido en una sensación por televisión e internet, con quince nominaciones totales al Emmy® y cerca de un billón de vistas acumuladas en línea. La serie terminó su corrida de cinco temporadas en septiembre de 2015.
En el 2016, Key también recibió una nominación al Emmy por su trabajo de voz en la comedia animada SuperMansion, para Crackle.
Después fue visto en la película Win It All, de Joe Swanberg, que tuvo su estreno en el Festival de Cine de South by Southwest, en el 2017, con antelación a su fecha de lanzamiento por Netflix el 24 de marzo. Más recientemente, Keegan protagonizó la comedia Why Him?, de John Hamburg, que estelarizó junto con James Franco, Bryan Cranston y Megan Mullally. También protagonizó la aclamada película independiente Don’t Think Twice, de Mike Birbiglia, que se estrenó en el 2016 en los Festivales de Cine South by Southwest y Tribeca, además de haber sido considerado uno de los mejores filmes del año. También coprotagonizó y produjo Keanu, para Warner Bros., junto con Jordan Peele. La película sigue a unos amigos [Key, Peele], que traman un plan para recuperar un gato robado al hacerse pasar por narcotraficantes de una pandilla callejera.
Su trabajo cinematográfico previo incluye Pitch Perfect 2 (Más notas perfectas), Horrible Bosses 2 (Quiero matar a mi jefe 2), Let’s Be Cops (Agentes del desorden), Wanderlust (Locura en el paraíso), Just Go with It (una esposa de mentira), Role Models (Un par nada ejemplar), Hell Baby, Afternoon Delight y Due Date (Todo un parto). También ha prestado su voz para Storks (Cigüeñas: La historia que no te contaron), Angry Birds (Angry Birds: La película), Hotel Transylvania 2 y The Wild Bunch. Su voz después se escuchó en The Star (Se armó el Belén), que se estrenó en noviembre del año pasado, para Sony Pictures Animation.
Keegan terminó recientemente la producción de la serie cómica Friends from College, de Nick Stoller, que sigue a un grupo de ex alumnos de Harvard y sus éxitos como adultos —o falta de. El programa se estrenó en Netflix el verano de 2017.
En televisión, Key ha tenido un papel recurrente en la serie ganadora del Emmy Fargo, para FX, Playing House, para USA, Children’s Hospital, para Adult Swim, y Parks & Rec, para NBC. Durante seis temporadas también tuvo un papel periódico en MADtv, para FOX, además de Gary Unmarried, para CBS. Créditos en televisión adicionales incluyen The League, The Middle, How I Met Your Mother, Bob’s Burgers, Reno 911! y ER.
Key fue nombrado por la revista Time como una de las ‘Personas más Influyentes del 2014’, además de haber aparecido en la sección ‘Artistas del Año’ del 2012 en la publicación Entertainment Weekly. Es un veterano de The Second City Theater de Detroit y Chicago. Obtuvo su título de licenciatura en bellas artes de la Universidad de Detroit Mercy y su maestría en bellas artes con especialización en teatro de la Universidad Estatal de Pennsylvania.

OLIVIA MUNN (Dra. Casey Brackett) fue vista más recientemente en Office Christmas Party (Fiesta de Navidad en la oficina), al lado de Jason Bateman y Jennifer Aniston, y como ‘Psylocke’ en X-Men: Apocalypse (X-Men: Apocalipsis). Después, le dio voz a ‘Koko’ en The Lego Ninja Movie, que se estrenó en septiembre 22, de 2017. También fue vista en Ride Along 2 (Un novato en apuros 2), para Universal, donde interpreta a una detective de homicidios al lado de Kevin Hart y Ice Cube. Munn interpretó a ‘Sloan Sabbith’ en el exitoso drama político de Aaron Sorkin The Newsroom, para HBO, que sigue los acontecimientos tras bambalinas del canal de televisión ficticio Atlantis Cable News (ACN). También hizo mancuerna con The CW para desarrollar una serie dramática de locutoras deportivas de la década de los ‘70, que será producida por su compañía, ubicada en CBS Television Studios.
En el 2014, Variety reconoció a Munn como la ganadora del Premio ‘Actriz Revelación’ en los Premios Variety Breakthrough of the Year. Sus créditos cinematográficos incluyen Mortdecai (Mortdecai: El artista del engaño), Deliver Us From Evil (Líbranos del mal), Magic Mike y Iron Man 2. Tuvo un arco interpretativo en la comedia de FOX “The New Girl”, serie nominada al Globo de Oro y al Emmy, y apareció en la serie ambiental documental de Showtime “Years of Living Dangerously”, que le valió un Premio Emmy a James Cameron y Jerry Weintraub. Munn es vocera y activista de cuestiones ambientales. Entre sus labores a favor del ambiente, trabaja para la Agencia de Protección Ambiental de los EE UU y para “Green Your School Challenge”, de DoSomething.org, así como para Sierra Club.
Oriunda de Oklahoma, Munn pasó la mayoría de su infancia en Tokio, Japón, y habla japonés fluido. Estudio en la Universidad de Oklahoma después de haberse mudado de regreso a los EE UU, y haberse cambiado a la postre a Los Ángeles. En el 2006, Munn se unió al popular programa “Attack of the Show!” como co-conductora, para la cadena G4. Más tarde, en el 2010, se unió como corresponsal de la serie ganadora del Emmy “The Daily Show with Jon Stewart”, para Comedy Central, donde se convirtió en una de tan sólo cinco miembros femeninos del reparto en haber aparecido en el programa. Su primer libro, “Suck it, Wonder Woman: The Misadventures of a Hollywood Geek”, fue lanzado este año y debutó en las listas de best-sellers de The New York Times y Los Angeles Times.

THOMAS JANE (Baxley): El año pasado, Jane protagonizó Before I Wake, al lado de Kate Bosworth; Vice, junto Bruce Willis; The Veil, con Jessica Alba, y Standoff donde compartió créditos con Laurence Fishburne. Créditos adicionales incluyen The Thin Red Line (La delgada línea roja), Magnolia, The Mutant Chronicles (Crónicas mutantes, Vol. 1), Killshot (Tiro mortal), Dreamcatcher (El Cazador de sueños), The Sweetest Thing, The Crow (El cuervo), Broken Horses, White Bird in a Blizzard (Una señal en la tormenta), I Melt with You, Pawn Shop Chronicles, Drive Hard, Reach me, Into the Grizzly Maze y U.S.S. Indianapolis: Men of Courage.
Los créditos en televisión de Jane incluyen un papel protagónico en The Expanse para Alcon y Syfy, y el rol principal de ‘Ray Drecker’ en Hung, para HBO, papel que le representó tres nominaciones al Globo de Oro. También interpretó a la leyenda del béisbol de los Yanquis de Nueva York Mickey Mantle en 61*¸para HBO, un papel que le valió elogios de la crítica.
Jane cofundó los estudios RAW, una compañía de tiras cómicas, novelas gráficas y medios. Bajo su manto, Jane ha escrito y lanzado tiras cómicas, incluyendo Bad Planet.

ALFIE ALLEN (Lynch): El actor británico Alfie Allen ha sido reconocido a escala internacional por ser uno de los actores jóvenes más versátiles que trabajan en la actualidad. Con una impresionante filmografía que respalda su trabajo previo y varios proyectos emocionantes por venir, que una vez más exhibirán la diversidad de Alfie, los siguientes meses prometer sin lugar a duda establecerlo como un actor a seguir.
El año pasado, Allen terminó de rodar el multi-premiado drama de fantasía Game of Thrones, una serie de televisión para HBO. Alfie, quien fue presentado en el primer episodio de la serie en el 2011, interpreta a ‘Theon Greyjoy’, el único heredero con vida de ‘Lord Balon Greyjoy’, Lord de las Islas del Hierro. La muy esperada séptima temporada se estrenó en el 2017 por HBO y SKY Atlantic.
En noviembre de 2016, Allen interpretó el papel de ‘Ringwood’ en la nueva serie dramática de seis partes Close to the Enemy, de Steven Poliakoff, director ganador del BAFTA, para la BBC2. El programa, que tiene como fondo Londres durante la Segunda Guerra Mundial, también es estelarizado por Jim Sturgess, Angela Bassett, Alfred Molina, Freddie Highmore y Charlotte Riley. Sigue a un agente británico de inteligencia que usa métodos nada ortodoxos para forzar a un científico alemán capturado a que desarrolle un dispositivo con tecnología de punta, que es vital para la seguridad nacional británica. La serie fue transmitida en los Estados Unidos por Acorn TV el 14 de noviembre.
En mayo de 2016, Allen hizo su debut en el West End con The Spoils, en los estudios Trafalgar. En esta comedia, también escrita por Eisenberg, que debutó en Broadway el año pasado ante elogios de la crítica, Allen interpretó al banquero neoyorquino ‘Ted’, al lado de Jessie Eisenberg, Kunal Nayyar, Katie Brayben y Annapurna Sriram.
Allen apareció al lado de Keanu Reeves en el papel de ‘Losef’, hijo de un infame mafioso ruso, en el thriller neo-noir de acción John Wick (Otro día para matar). Dirigida por Chad Stahelski y David Leitch, el filme, también protagonizado por Willem Dafoe y Michael Nyqvist, sigue a un ex sicario que sale del retiro para rastrear a los gánsteres que le arrebataron todo. Thunder Road Pictures produjo y Summit Entertainment estrenó la película en todo el mundo en octubre de 2014.
Allen asumió el papel de ‘Dominic’ en el drama biográfico británico The Kid, dirigido por Nick Moran. La película es una adaptación del libro homónimo de Kevin Lewis y narra la verdadera historia de la traumática infancia de Kevin Kid, su descenso al mundo criminal y haber derrotado su pasado para forjarse una mejor vida.
En abril de 2008, Allen interpretó a ‘Kevin Hubble’ en Flashbacks of a Fool, de Baillie Walsh, con Daniel Craig, Felicity Jones y Rhys Ifans. La película sigue a una estrella de Hollywood en decadencia que rememora sus días de adolescencia cuando regresa a casa después de haber asistido al funeral de su mejor amigo.
En septiembre de 2007, Allen apareció como ‘Danny Hardman’, junto a Saoirse Ronan, Vanessa Redgrave, James McAvoy y Keira Knightley en la película ganadora del Premio de la Academia Atonement (Expiación, deseo y pecado). Dirigida por Joe Wright, el drama romántico fue adaptado de la novela homónima de Ian McEwan por el guionista Christopher Hampton. Producida por Working Title Films y distribuida por Universal Studios, la película comienza en la década de los ’30, y narra un crimen y sus consecuencias subsiguientes en el transcurso de seis décadas.
En el 2006, Allen apareció en Stoned, de Steven Woolley en el papel de ‘Harry’, al lado de Ben Whishaw, Paddy Considine y David Morrisey. La biografía narra la vida y muerte sospechosa del cofundador de los Rolling Stones, Brian Jones, quien fue encontrado en el fondo de su alberca semanas después de haber sido despedido de la banda. La película fue estrenada por Vertigo Films en el Reino Unido el 18 de noviembre.
Otros créditos notables en pantalla incluyen: Boogie Woogie en el 2009, Powder como ‘Wheezer’ en el 2011, Soulboy en el papel de ‘Russ Mountjoy’ en el 2010, Confine en el rol de ‘Henry’ en el 2011, Plastic, como ‘Yatesey’ en el 2014 y Pandemic en el papel de ‘Wheeler’ en el 2016.

AUGUSTO AGUILERA (Nettles) nació en Sun Valley, California, y fue criado en Miami, Florida. Mientras estudiaba la universidad e iba tras su pasión por el arte, Aguilera comenzó a tomar clases de actuación con Arthur Mendoza en el Actor’s Circle Theater. Después de haber estudiado durante varios años, Aguilera obtuvo su primer papel con Wim Wenders en su cortometraje 8. Este corto fue uno de ocho que giraban en torno a ocho temas, dirigidos por ocho directores de cine famosos, quienes estuvieron involucrados en compartir su opinión del progreso, rezagos y retos que nuestro planeta enfrenta en la actualidad.
Aguilera después consiguió el importante papel recurrente de ‘Kieran’, un artista sensible, en la serie Chasing Life, para Freeform (también conocido como ABC Family). Aguilera, quien busco papeles más interesantes y complejos, y un deseo continuo por trabajar con realizadores respetados, obtuvo rápidamente tres proyectos de manera consecutiva con aclamados directores: el papel recurrente de ‘Pedro’, un llamativo proveedor de drogas de luchadores profesionales, en el programa piloto Snowfall, dirigido por John Singleton, para FX; el papel periódico de ‘Julio’, un estafador de un pueblito que no entiende lo que está pasando, en el programa piloto Citizen, dirigido por Alfonso Gomez-Rejon, para Hulu/Anonymus; y el rol de ‘Chuy’, el gánster amenazante que evita que la gente se meta en problemas, en la serie “ICE”, dirigida por Antoine Fuqua, para Audience Network.
Después, Aguilera interpretará el segundo papel protagónico, al lado de Miles Teller, en la serie limitada Too Old to Die Young, de Nicolas Winding Refn, escrita y dirigida por el realizador, para Amazon.

STERLING K. BROWN (Traeger): el actor ganador del Globo de Oro y Premio Emmy, Sterling K. Brown, estelariza en la actualidad la comedia dramática This Is Us, serie nominada al Globo de Oro y por la cual Brown ganó este mismo galardón a Mejor Actuación de un Actor en una Serie Dramática de Televisión Además, ha sido nominado a un Premio SAG y ganado el Premio NAACP Image.
En el 2016, Brown interpretó al fiscal Christopher Darden en la muy popular y premiada serie de televisión The People V. O.J. Simpson: American Crime Story, para FX. Por el papel, también ganó un Premio Emmy y un Premio Critics’ Choice, además de haber sido nominado a un Globo de Oro, Premio SAC y Premio NAACP Image. Brown también coprotagonizó con Tina Fey la película Whiskey Tango Foxtrot, y apareció recientemente en Black Panther (Pantera negra), para Marvel. De igual manera, terminó la producción del largometraje Marshall, al lado de Chadwick Boseman, Josh Gad y Kate Hudson, para Open Road.
Un amante del teatro, Brown ha actuado en una variedad de espectáculos, incluyendo las producciones de Nueva York y Los Ángeles de Father Comes Home From The Wars (Parts 1, 2 & 3), por la que fue nominado para un Premio Ovation. Sus créditos teatrales adicionales incluyen Macbeth, The Brother/Sister Plays y The Resistable Rise Of Arturo Ui, al lado de Al Pacino.
Durante siete años, Brown interpretó al Dr. Roland Burton en la aclamada serie Army Wives, para Lifetime. Créditos en televisión adicionales incluyen Supernatural, Person Of Interest, Masters Of Sex, The Mentalist, Castle y Criminal Minds. Sus créditos cinematográficos incluyen Our Idiot Brother (Nuestro hermano idiota), The Suspect, Righteous Kill (Frente a frente), Trust The Man y Spaceman.
Brown se graduó con una licenciatura en teatro de la Universidad de Stanford, antes de haber recibido su maestría en bellas artes de la Escuela de las Artes Tisch, de la Universidad de Nueva York. En la actualidad, vive en Los Ángeles con su esposa y dos hijos.

YVONNE STRAHOVSKI (Emily): Mejor conocida por su participación en premiados dramas de televisión, como 24: Live Another Day y Dexter, Yvonne Strahovski protagonizó más recientemente The Astronaut Wives Club, que salió al aire el 18 de junio de 2015 por ABC.
Después, Strahovski podrá ser vista al lado de Elisabeth Moss en la aclamada serie The Handmaid’s Tale, para Hulu. El programa se lleva a cabo en un futuro distópico, en el que una mujer se ve obligada a vivir como concubina bajo una dictadura teocrática fundamentalista.
Próximamente, Yvonne será vista en el thriller psicológico He’s Out There, junto a Justin Bruening y dirigida por Dennis Iliadis. La película se desarrolla en una casa de lago remota, donde una madre y sus dos hijas jóvenes deberán luchar por sobrevivir después de que son presa de una pesadilla aterradora y grotesca concebida por un psicópata durante sus vacaciones. Strahovski también fue vista recientemente en el drama All I See Is You (Dame tus ojos), de Marc Forster, al lado de Blake Lively y Jason Clarke, que se estrenó el 4 de agosto de 2017.
En el 2014, Strahovski recibió muy buenas críticas por su papel protagónico al lado de Kiefer Sutherland en la exitosa serie de verano 24: Live Another Day, para FOX. Previo a ello, Strahovski ayudó a catapultar al premiado drama criminal Dexter a sus temporadas con mejores ratings (7 y 8), para Showtime.
En diciembre de 2012, Strahovski hizo su debut en Broadway en la producción del Lincoln Center de Golden Boy. En el 2013, la puesta en escena fue nominada para un Premio Tony.
En el 2010, Strahovski fue la voz y rostro de ‘Miranda’ en el videojuego de acción y fantasía Mass Effect 2, publicado por Electronic Arts, y que alcanzó grandes ventas. También prestó su voz para el papel protagónico femenino en Lego: The Adventures of Clutch Powers.
Créditos cinematográficos pasados incluyen I, Frankenstein [Yo, Frankestein] (Lionsgate, 2014), junto a Aaron Eckhart; Guilt Trip (Paramount, 2012), al lado de Seth Rogen; Killer Elite [Nacidos para Matar] (Open Road, 2011), una de las consentidas del Festival de Cine de Toronto; y producciones australianas, como Love and Mortar (2013) y I Love You Too (2010).
Del 2007 al 2012, Strahovski coprotagonizó la comedia de acción Chuck, de los productores ejecutivos Josh Schwartz y McG, para NBC.
Nacida y criada en Sídney, Strahovski estudió teatro en el reconocido teatro Nepean, prestigiosa institución para la preparación del actor dentro de la Escuela de Artes Contemporáneas de la Universidad del Oeste de Sídney. Después de haberse graduado en el 2003, Strahovski comenzó una corrida exitosa en la televisión australiana con papeles en Headland y el telefilme Blackjack-Dead Memory, para Channel 7, así como la serie Sea Patrol, para Channel 9.
Antes de haberse mudado a Los Ángeles a principios de 2007, cofundó una compañía teatral en Sídney, llamada Sauna Productions, donde actuó y coprodujo las producciones de Kieslowski’s Neck y Finn City.
Una amante de los animales, Strahovski dedica su tiempo a rescatar animales. En el 2011, protagonizó la campaña publicitaria ‘Adopt, Don’t Buy’, para PETA, con sus dos perros de rescate, Chazzie y Wilbur.
Strahovski vive en Los Ángeles, donde es una ávida surfista.

JAKE BUSEY (Dr. Sean Keyes) nació, fue criado y está viviendo bien en la industria del entretenimiento. Hijo de la fotógrafa Judy Lynn Helkenberg y del actor Gary Busey, Jake obviamente pasó su infancia en sets cinematográficos, de gira con las bandas de su padre y creció siendo un artista completo. Después de pasar muchos años estudiando desde un lado del escenario a artistas tales como Willie Nelson, Leon Russell y Fleetwood Mac, Jake encontró su pasión por la música y la interpretación.
Busey ingresó en la industria con el pie derecho con su primera película, Straight Time (1978), que protagonizó junto a su padre y Dustin Hoffman. Desde entonces, Jake ha trabajado con Jodi Foster en Contact [Contacto], Will Smith en Enemy Of The State [Enemigo público], Michael J Fox en The Frighteners [Muertos de miedo], de Peter Jackson, Luke Wilson y Drew Barrymore en Home Fries, Reese Witherspoon en S.F.W., y de manera más memorable como el soldado sabelotodo Ace Levy en Starship Troopers [Invasión].
Más recientemente, Busey apareció en la última temporada de la exitosa serie Justified, para FX, y estelarizó tres temporadas de From Dusk Till Dawn, original de Robert Rodriguez, que se transmitió por El-Rey Network.
Jake también puede ser visto en la miniserie épica de ocho horas Texas Rising, al lado de Thomas Jane, Bill Paxton, Ray Liotta y Jeremy Davies, dirigida por Roland Joffé para History Channel. Busey interpreta a Samuel Wallace, el hombre al que se le acredita haber dicho la legendaria advertencia, “Remember the Alamo” [“Recuerden el Alamo”].
-Un poco como un hombre decimonónico moderno, las pasiones de Jake en la viuda incluyen la paternidad, actuar, la música, pilotear aviones cuando es necesario y fabricar bicicletas de motor a la medida. ¿Qué es una bicicleta de motor? ¡Visita thejakebike.com y lo descubrirás!

ACERCA DE LOS REALIZADORES

SHANE BLACK (Director/Guionista) dejó por primera vez su huella como guionista con su guión para la película de acción Lethal Weapon [Arma Mortal]. El filme, donde hacían mancuerna Mel Gibson y Danny Glover como un par de policías incompatibles, se convirtió en un éxito taquillero arrollador. No sólo la narrativa de Black redefinió el género de las películas de colegas y estableció un nuevo estándar para las comedias de acción, sino que también lanzó una de las franquicias cinematográficas más exitosas en la historia del cine.
Con su sensibilidad irónica, Black se volvió conocido de inmediato como un escritor que podía crear personajes memorables y complejos, que no estaban asociados por lo general al género de acción. Después escribió el guión de The Last Boy Scout [El último boy scout], que fue protagonizada por Bruce Willis como un detective privado desafortunado, cuya propensión al alcohol se compensaba con su estricto código ético. A la postre, Black escribió The Long Kiss Goodnight [Memoria explosiva], protagonizada por Geena Davis, en el papel de una ama de casa de los suburbios con amnesia, que descubre que alguna vez fue un agente secreta despiadada.
En el 2005, exhibió de nueva cuenta su distintiva voz cinematográfica con Kiss Kiss, Bang Bang [Entre besos y tiros], que no sólo escribió, sino que también dirigió, y fue protagonizada por Robert Downey, Jr. Una comedia de acción con tintes de film noir, acerca de un ladronzuelo de Nueva York que se encuentra enredado en un misterio de Hollywood, debutó ante sólidos elogios de la crítica en el Festival de Cine de Cannes, en el 2005.
La colaboración exitosa con Downey Jr. los trajo de nueva cuenta de regreso para Iron Man 3, que Black coescribió y dirigió. La película se convirtió en un éxito tanto de la crítica como de taquilla, una vez que recabó más de un billón de dólares en todo el mundo. En el 2016, volvió a hacer mancuerna con el productor Joel Silver para dirigir la comedia de colegas y acción The Nice Guys (Dos tipos peligrosos), protagonizada por Ryan Gosling y Russell Crowe. La película, que se desarrolla en la década de los ’70, fue coescrita por Black.
En la actualidad, Black tiene una serie de proyectos en desarrollo, incluyendo Doc Savage y el thriller dramático Cold Warrior.

FRED DEKKER (Guión) es quizás mejor conocido por escribir y dirigir las películas de terror de culto Night of the Creeps [El terror llama a su puerta] y The Monster Squad [El escuadrón anti-monstruos] (coescrita con Shane Black). También dirigió RoboCop 3 (coescrita con Frank Miller).
Dekker concibió la historia para la película de terror de culto House [La mansión], que generó tres secuelas, y el thriller Ricochet, protagonizado por Denzel Washington, para Warner Bros.
Además de haber escrito y dirigido episodios de “Tales From The Crypt” [incluyendo haber escrito el primer episodio, dirigido por Robert Zemeckis], para HBO, fue escritor y productor asesor de la serie de televisión “Star Trek: Enterprise”, para Paramount.
Dekker ha escrito guiones para Universal, Warner Bros, Sony, Paramount, TriStar, TNT y 20th Century-Fox, y su trabajo ha sido honrado por la Count Dracula Society, los Premios Saturn y el Festival Internacional de Cine de Ciencia Ficción, Fantasía y Terror de Bruselas.
En el 2016, fue la primera persona en recibir el premio “Groovy As Hell” del Festival de Cine de Bruce Campbell, que tiene forma de una motosierra grabada y ensangrentada.
Antes de haber escrito El Depredador con Shane Black, los dos escribieron y fueron productores ejecutivos del programa piloto del western “Edge”, para Amazon Studios, y en la actualidad se encuentran trabajando en una nueva versión televisiva de la clásica serie británica de espías “The Avengers”, además de la versión cinematográfica de The Destroyer, basada en las perdurables novelas de aventuras de Warren Murphy y Richard Sapir.
Dekker vive en Studio City con su esposa Teresa, su hijo Dashiell y su gato negro Bean.

JOHN DAVIS, p.g.a. (Productor): Presidente de Davis Entertainment, ubicada en Los Ángeles, es uno de los productores más prolíficos de Hollywood, después de haber producido más de 92 películas y telefilmes, que han recabado más de $5 billones de dólares en todo el mundo. En televisión, Davis Entertainment ha colocado seis series al aire en los últimos cuatro años, incluyendo el éxito internacional The Blacklist.
En el 2004, Show West nombró a John Davis productor del año, y, en el 2015, Hollywood Reporter le otorgó esa misma distinción. También ha ganado dos premios People’s Choice por The Firm (Sin salida) y Grumpy Old Men (Dos viejos gruñones), y sus filmes han recibido varias nominaciones al Premio de la Academia.
Entre los estrenos más recientes de Davis Entertainment se encuentran la película animada Ferdinand the Bull [Olé, El Viaje de Ferdinand], de Fox Blue Sky Studios, con Carlos Saldanha como director, y Game Night [Noche de juegos], una comedia para New Line Studios.
En la actualidad, Davis Entertainment tiene cuatro series de televisión al aire: The Blacklist, Blacklist Redemption y Timeless en NBC, además de Dr. Ken en ABC. También en producción se encuentran los programas piloto Behind Enemy Lines, para Fox, con McG como director, basada en la exitosa película de la compañía, y Start Up, para ABC, con Zach Braff como actor y director. La compañía también se encuentra desarrollando programas piloto en MTV, Showtime y Lifetime.
Las múltiples producciones exitosas de Davis incluyen la producción de exiguo presupuesto Chronicle [Poder sin límites], que fue todo un éxito al haber recabado más de $100 millones de dólares en taquilla; el thriller de ciencia ficción I, Robot [Yo, robot], protagonizado por Will Smith; y Mr. Popper’s Penguins [Los pingüinos de mi papá], estelarizada por Jim Carrey, entre muchas otras.
Producciones previas de Davis incluyen Joy [Joy: El nombre del éxito], con Jennifer Lawrence; Norbit, exitosa comedia protagonizada por Eddie Murphy, para DreamWorks/Paramount; el exitazo taquillero The Firm, con Tom Cruise; los dos muy exitosos filmes de Dr. Dolittle, protagonizados por Eddie Murphy; la comedia de aventuras Gulliver’s Travels [Los viajes de Gulliver], con Jack Black, que resultó ser un éxito internacional; Courage Under Fire [Valor bajo fuego], con Denzel Washington y Meg Ryan; la franquicia de Garfield, para Fox; Waterworld [Mundo acuático], protagonizada por Kevin Costner; la exitosa comedia Daddy Day Care [La guardería de papá], con Eddie Murphy, y que recabó más de $100 millones de dólares en taquilla; la trilogía Out to Sea [Bailando sobre el mar], Grumpy Old Men [Dos viejos gruñones] y Grumpier Old Men, [Dos viejos más gruñones], protagonizadas por Jack Lemmon y Walter Matthau; Behind Enemy Lines [Tras líneas enemigas], con Owen Wilson y Gene Hackman; Paycheck [El pago], de John Woo, protagonizada por Ben Affleck y Uma Thurman, para Paramount; y la trilogía de Predator [Depredador]: Predator, protagonizada por Arnold Schwarzenegger, Predator 2 y Alien vs. Predator.
Las exitosas incursiones comerciales de Davis también incluyen la singular franquicia de pizzas rápidas ‘Blaze Pizza’, que fue nombrada la compañía restaurantera de más rápido crecimiento en los Estados Unidos. Sus socios incluyen a la estrella del basquetbol LeBron James y Tom Werner, copropietario de las Medias Rojas de Boston.
Davis Entertainment también ha sido dueño y dirigido cinco estaciones televisivas de mercados pequeños a lo largo de los últimos veinte años. La compañía vendió recientemente la última que le quedaba.
Davis nació y fue criado cerca de Denver, Colorado. Su pasión por el cine comenzó de joven cuando trabajó en el cine de un vecindario, en el que veía hasta 300 películas al año. Davis se graduó de la Facultad de Bowdoin, estudió en la Facultad de Amherst y recibió un título de maestría de la Escuela de Negocios de la Universidad de Harvard.

BILL BANNERMAN (Productor Ejecutivo) se graduó con honores especializados en cine de la Universidad de York, en Toronto, Canadá. Después de haber ganado varias becas, incluyendo la Famous Players Award of Excellence, una exhibición de su trabajo estudiantil en el Festival de Cine de Montreal lo llevó a ser invitado a Los Ángeles para instruirse en varias películas, incluyendo, One From the Heart, dirigida por Francis Coppola.
Con antecedentes en efectos visuales, Bannerman hizo la transición a la producción y comenzó una ocupación prolongada en más de 30 proyectos como asistente de director, en los que fue fungió como asistente de director de varios directores aclamados, incluyendo Michael Crichton, Clint Eastwood, Kevin Costner, Frank Marshall y Jerry Paris.
Esto lo llevó a muchos trabajos como director de segunda unidad/Unidad aérea en varias películas filmadas en los Estados Unidos. Más notablemente fue Heaven & Earth (El cielo y la tierra), épica de la guerra civil japonesa del siglo XIV, con un presupuesto de $65 millones de dólares, en la que Bannerman diseñó y dirigió las complicadas y peligrosas secuencias de guerra. Fue en este mismo proyecto donde se impuso un récord mundial para la mayor cantidad de caballos ensillados [800] jamás usados frente a una cámara en una secuencia de batalla.
Después de un periodo de desarrollo en Kadokawa Films, Bannerman trabajó con Clint Eastwood en una serie de proyectos, incluyendo la ganadora del Oscar® Unforgiven [Los imperdonables], A Perfect World [Un mundo perfecto], The Bridges of Madison County [Los puentes de Madison] y Absolute Power [Poder absoluto], entre otras. En 1993, Bannerman recibió el prestigioso premio del DGA [Sindicato de Directores de los Estados Unidos] por su trabajo en Unforgiven, primer canadiense en haber ganado semejante premio.
En 1997, Bannerman produjo Dead Man on Campus para MTV Films/Paramount, que lo llevó a producir varios proyectos para la recién fundada división de Películas Originales de MTV, más notablemente el aclamado drama Wasted. En 1998, Bannerman fue productor ejecutivo de Chill Factor [Carga mortal], protagonizada por Cuba Gooding Jr., para Warner Bros. Después de esto, Bannerman trabajó de manera extensa con Gale Ann Hurd [Terminator, Armageddon] en la primera parte de la franquicia de Hulk, para Universal Pictures.
A finales del 2000, Dimension/Miramax convenció a Bannerman para que dirigiera Air Bud III: World Pup, un nuevo capítulo de su exitosa franquicia Air Bud. A la postre, el proyecto generó la mayor cantidad de ingresos [$30 millones de dólares] en ventas de DVD para la franquicia. Desde el 2003, Bannerman produjo y dirigió la segunda unidad de la exitosa película Good Boy!, para MGM/Jim Henson Pictures, y la nueva versión del clásico de los ‘70 Walking Tall (Con la frente en alto), protagonizada por Dwayne “The Rock” Johnson, para MGM.
A principios del 2006, el director/productor Sam Raimi [Spiderman] contrató a Bannerman para que produjera la secuela de su muy exitosa franquicia de terror, The Grudge II, que fue rodada totalmente en Japón para Sony Pictures. Durante finales del 2007 y 2008, Bannerman produjo la intensa película de artes marciales mixtas Never Back Down [Rendirse jamás] y la nueva versión de la película de terror de culto Sorority Row [Secreto de sangre], para Summit Entertainment. También produjo el thriller 6 Souls [6 espíritus], protagonizado por la ganadora del Oscar® Julianne Moore y Jonathan Rhys Meyers, para The Weinstein Company. A finales de 2008, comenzó una función prolongada como coproductor de la taquillera saga de Twilight [Crepúsculo], para Summit Entertainment; entre éstas se encontraban New Moon [Luna nueva], Eclipse y Breaking Dawn: Part’s 1 & 2 [Amanecer].
En el 2013, como continuación, Bannerman coprodujo la secuela Percy Jackson: The Sea of Monsters [Percy Jackson y el mar de los monstruos], para 20th Century Fox, seguida de Goosebumps [Escalofríos], protagonizada por Jack Black, para Sony Pictures. Más recientemente, Bannerman fungió como productor ejecutivo de la última fase de Fantastic Four [Los cuatro fantásticos], a principios de 2015.
[IRA NAPOLIELLO – BIOGRAFÍA POR LLEGAR]

LARRY FONG, ASC (Director de Fotografía) nació y fue criado en Los Ángeles, California. Su interés en la fotografía y el cine comenzó en su adolescencia con cortometrajes, así como con la animación por celdas y proyectos en stop-motion. Se graduó de la UCLA con una licenciatura en lingüística, y, más tarde, del Art Center College of Design un Pasadena, con un título en cine.
Poco tiempo después, Fong emprendió su carrera como fotógrafo de videos musicales, incluyendo varios ganadores del Premio MTV Music [REM, Van Halen, Goo Goo Dolls]. A la postre, forjó una carrera boyante en comerciales para televisión, además de trabajos en películas independientes y varios programas piloto para televisión.
En el 2004, fotografió el programa piloto Lost, para JJ Abrams, que le valió una nominación al Logro Sobresaliente, y que más adelante lo llevaría a fotografiar varios episodios de la serie, antes de haber pasado a trabajar a 300, dirigida por Zack Snyder. Watchmen [Watchmen, Los vigilantes], también dirigida por Snyder, le siguió poco tiempo después.
El 2011 vio el estreno de dos de sus películas: Sucker Punch [Sucker Punch: Mundo surreal], con Snyder de nueva cuenta en la dirección; y Super 8, producida por Steven Spielberg, y que reunió a Fong con Abrams una vez más.
En el 2011, fue aceptado en la American Society of Cinematographers, y en el 2012 se volvió miembro de la Academy of Motion Picture Arts and Sciences [Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas].
Sus películas más recientes incluyen Batman v Superman [Batman vs. Superman: El origen de la justicia] y Kong: Skull Island [Kong: La isla calavera].

MARTIN WHIST (Diseñador de Producción) es un diseñador de producción y artista ubicado en Los Ángeles. Estudió bellas artes en Vancouver y Toronto, donde obtuvo su título de pasante, y completó su maestría en bellas artes en la Escuela de Graduados de Claremont, en Claremont, California. Whist ha exhibido sus pinturas y esculturas a escala internacional.
Whist ha trabajado en todos los aspectos del departamento de arte —desde ser carpintero hasta diseñador de producción— en largometrajes y comerciales durante aproximadamente veinte años. Sus créditos recientes como diseñador de producción incluyen Night at the Museum 3: Secret of the Tomb [Una noche en el museo 3: El secreto de la tumba], Robocop, Warm Bodies [Mi novio es un zombi], The Cabin in the Woods [La cabaña del terror], Super 8, Cloverfield [Cloverfield: Monstruo], Smokin’ Aces [La última carta] y Tenacious D and The Pick of Destiny [Jack Black y Kyle Gass, Reyes del Rock], entre otras.
Fue también director de arte de los largometrajes The Island [La isla], Along Came Polly [Mi novia Polly], Down with Love [Abajo el amor], Phone Booth [Enlace mortal] y de la película nominada al Premio de la Academia Lemony Snicket’s A Series of Unfortunate Events [Lemony Snicket: Una serie de eventos desafortunados], ganadora del Premio a la Dirección de Arte.

HARRY MILLER III, ACE (Editor) es editor de cine, televisión y documentales. Creció en Lexington, KY, y ahora se encuentra asentado en Los Ángeles. Estudió en la Universidad de Boston y en la Universidad de Kentucky, donde obtuvo una licenciatura en bellas artes. Después, en la escuela de cine de la USC obtuvo una maestría en bellas artes en producción de cine. En la actualidad forma parte del Concejo Directivo de American Cinema Editors, y escribe una columna de tecnología para la revista CinemaEditor. Sus créditos recientes como editor incluyen Turn: Washington’s Spies, para AMC, Outcast, para Cinemax, la película independiente de formato largo Panama 3D, y Deepsea Challenge, para National Geographic.

BILLY WEBER (Editor) ha sido nominado para dos Premios de la Academia, un Premio American Cinema Editors y un Premio Golden Reel de la Cinema Audio Society.
Uno de los primeros créditos cinematográficos de Weber fue como editor asociado en Badlands, y, por consiguiente, emprendió una asociación con Terence Malick, que abarca cinco décadas. A la postre, editó Days of Heaven [Días de gloria], The Thin Red Line [La delgada línea roja] y Tree of Life [El árbol de la vida], todas de Malick. Weber también editó tres filmes dirigidos por Tony Scott: Top Gun [Top Gun: Pasión y gloria], Beverly Hills Cop II [Un detective suelto en Hollywood 2] y Days of Thunder [Días de trueno]. Recibió nominaciones al Premio de la Academia a Mejor Edición por The Thin Red Line y Top Gun.
Los numerosos créditos de Weber incluyen Iceman, dirigida por Fred Schepisi; Beverly Hills Cop y Midnight Run [Fuga a la medianoche], dirigidas por Martin Brest; Pee Wee’s Big Adventure [La gran aventura de Pee-Wee], dirigida por Tim Burton; The Package, dirigida por Andy Davis, Pure Luck [¡Qué perra suerte!], dirigida por Nadia Tass; Grumpier Old Men, dirigida por Howard Deutsch; Murder at 1600 [Asesinato en la Casa Blanca], dirigida por Dwight Little; Miss Congeniality [Miss simpatía], dirigida por Donald Petrie; Showtime, dirigida por Tom Dey; Gigli, dirigida por Martin Brest; Nacho Libre, dirigida por Jared Hess; Rules Don’t Apply, dirigida por Warren Beatty; y Jack Reacher [Jack Reacher: Sin regreso] y Never Go Back, ambas dirigidas por Ed Zwick. Los créditos como director de Weber incluyen la 2a unidad en Batman Returns [Batman regresa], además de haber dirigido el largometraje Josh and S.A.M.

JONATHAN ROTHBART (Supervisor de Efectos Visuales) es un premiado supervisor de efectos visuales, que ha creado los efectos de muchas de las películas más taquilleras de años recientes. Más recientemente, fungió como supervisor de efectos visuales de producción en el éxito Deadpool, para 20th Century Fox. Previo a Deadpool, fue supervisor de efectos especiales de producción de After Earth [Después de la tierra] y Priest [Priest – El vengador], y supervisó el diseño de todas las gráficas de interfaz para el revolucionario filme Avatar, de James Cameron.
Jonathan Rothbart cofundó The Orphanage, Inc., la muy respetada compañía de efectos visuales y producción. Como director creativo y líder del equipo de efectos visuales de The Orphanage, Rothbart supervisó la creación de cientos de efectos visuales para películas tales como Hellboy, The Day After Tomorrow [El día después de mañana], Harry Potter and the Goblet of Fire [Harry Potter y el cáliz de fuego], Superman Returns [Superman regresa], Live Free Die Hard [Duro de matar 4.0] e Iron Man. Para esta última, lideró un equipo de artistas para crear la apariencia del ambiente “HUD” en el casco de Tony Stark. Además, diseñó y supervisó en el filme la icónica secuencia de explosión de tanques.
Rothbart ha sido nominado en múltiples ocasiones y ganado numerosos premios por su trabajo de efectos visuales en cine, televisión y comerciales, incluyendo haber ganado el Premio de la Academia de Hong Kong a Mejores Efectos Visuales por la película de acción de época Hero [Héroe]. Además, tiene una nominación al Emmy por su trabajo en una miniserie de televisión y ha contribuido en numerosos filmes que han sido nominados y ganado Premios de la Academia. Rothbart comenzó su carrera cinematográfica trabajando en el departamento de arte de Industrial Light and Magic, compañía de George Lucas, donde ayudó a instituir el departamento de pre-visualización y crear diseños de concepto para muchas películas, incluyendo 101 Dalmatians [101 dálmatas], Twister [Tornado] y The Lost World: Jurassic Park. A Rothbart se le hizo realidad un sueño que tuvo de niño cuando le pidieron que animara la Millenium Falcon volando a través de Cloud City para Star Wars V: The Empire Strikes Back (edición especial) [La Guerra de las Galaxias V: El Imperio contraataca]. En 1996, Rothbart ayudó a darle origen a Rebel Mac Group, división de ILM que transformó la industria, donde creó tomas para películas tales como Star Trek: First Contact [Viaje a las estrellas: Primer contacto], Men In Black [Hombres de negro], Star Wars I: Phantom Menace [Star Wars: Episodio I – La amenaza fantasma] y Sleepy Hollow [La leyenda del jinete sin cabeza].
Rothbart ha sido asesor técnico y desarrollador de varios paquetes de software de efectos visuales y producción digital, incluyendo Final Cut Pro (Apple), Commotion (Pinnacle Systems) y After Effects (Adobe). Contribuye para varias revistas de la industria.
En 1993, Rothbart se graduó de la Universidad de Arizona con una maestría en literatura inglesa.

En la actualidad, HENRY JACKMAN (Compositor) se ha establecido como uno de los compositores más importantes al fusionar su preparación clásica junto con su experiencia como exitoso productor musical y compositor de música electrónica. Su versatilidad musical ha incrementado la tensión en Captain Phillips, de Paul Greengrass [por la que recibió una nominación al BAFTA]; dotado de una gran fuerza a éxitos basados en comics, tales como X-Men: First Class [X-Men: Primera generación] y Captain America: Winter Soldier [Capitán América y el soldado de invierno]; provocado grandes emociones en Kingsman: The Golden Circle [Kingsman: El servicio secreto] y Kick-Ass; e infundido vida a legendarios personajes animados, como Winnie The Pooh, Puss In Boots [El gato con botas], Wreck-It Ralph [Ralph, el demoledor] y la ganadora del Oscar Big Hero 6 [Grandes héroes]. Su obra más reciente puede ser escuchada en la secuela de Jumanji que se vale por sí sola, Jumanji: Welcome To the Jungle [Jumanji: En la selva], el exitazo taquillero de Marvel Captain America: Civil War (Capitán América: Guerra Civil), la versión más reciente de Naughty Dog de Uncharted: The Lost Legacy, parte de la franquicia de videojuegos de Uncharted, y la secuela de aventuras Kong: Skull Island, protagonizada por Brie Larson y Tom Hiddleston, para Warner Bros.
Sus otros créditos diversos incluyen las películas animadas Monsters Vs. Aliens y Turbo, el drama de época Henry IV [Enrique IV], la aventura familiar Gulliver’s Travels [Los viajes de Gulliver], [protagonizada por Jack Black], el thriller criminal Man On A Ledge [Al borde del abismo], la fantasía de terror Abraham Lincoln: Vampire Hunter [Abraham Lincoln: Cazador de vampiros], y las comedias de Seth Rogen/James Franco This Is The End [Este es el fin] y la controversial The Interview [La entrevista]. Después, Jackman trabajará en Ralph Breaks the Internet.
Jackman creció al sudeste de Inglaterra, donde comenzó a componer su primera sinfonía a los seis años de edad. Estudió música clásica en Oxford y cantó en el coro de la catedral de St. Paul —pero al mismo tiempo se involucró en el ambiente de los raves clandestinos, y comenzó a producir música electrónica popular y remixes para bailar, que lo llevó a la postre a trabajar con artistas tales como Seal y The Art of Noise. En el 2006, llamó la atención de los compositores de cine Hans Zimmer y John Powell, y comenzó a componer música adicional para ambos en Kung Fu Panda, y después para Zimmer en The Dark Knight [El caballero de la noche], The Da Vinci Code [El código Da Vinci] y las tres películas de The Pirates Of The Caribbean [Los piratas del Caribe], que rápidamente lo llevaron a componer, ahora sí de manera individual, música para grandes éxitos taquilleros.
“He pasado mucho tiempo trabajando en la industria disquera”, comenta Jackman, “y, en mi opinión, ser compositor de cine es mucho más divertido. Puedes estar trabajando en X-Men y después en un set de cine en la Italia del siglo XVII. No se trata de enseñar algo que creas que sea genial o lo que tú quieras escuchar, sino, más bien, ver de qué trata la película y qué le vendría mejor. Ese proceso simplemente te lleva a lugares extraños y extraordinarios”.

El interés de TISH MONAGHAN (Diseñadora de Vestuario) se avivó después de haberse topado con una clase de teatro en la universidad. Ahí, estudió tanto actuación como confección de vestuario, lo que la llevó más adelante a especializarse en diseño de vestuario debido a su pasión tanto por la investigación como por el diseño. Cree firmemente que estudiar actuación le ha dado un proceso efectivo para analizar guiones y comunicarse de manera efectiva tanto con actores como con directores. Obtuvo una licenciatura en bellas artes de la Universidad de Victoria y a ello le sumó un curso de estudios de vestuario de la Universidad de Dalhousie en Nova Scotia, donde el enfoque era el corte y la fabricación de atuendos de época.
Después de trabajar como cortadora para varias producciones teatrales, Monaghan entró de golpe a la floreciente industria cinematográfica de Columbia Británica en la década de los ’80. Al principio, trabajó como asistente de diseñadora de vestuario y fue capaz de ver trabajar a una buena cantidad de diseñadores respetados. Entre los proyectos en los que asistió se encuentran películas aclamadas, tales como Snow Falling On Cedars, Cousins, The Accused [Acusados] y Roxanne.
Cuando se le dio la oportunidad de comenzar a diseñar, descubrió una pasión por la investigación y recrear el mundo real, lo que la llevó a descubrir que la exposición continua de personajes únicos de todas las condiciones sociales era una fuente constante de gozo y estimulación.
Su variado legado cinematográfico incluye los géneros de la fantasía, comedia, thriller, animales de acción en vivo y ciencia ficción [un nuevo amor]. Entre sus proyectos cinematográficos memorables, se encuentran la serie de Twilight de Summit Entertainment, New Moon y Eclipse [Robert Pattinson y Kristen Stewart], Words & Pictures [Juliet Binoche y Clive Owen], Insomnia [Al Pacino y Robin Williams], de Christopher Nolan, An Unfinished Life [Robert Redford, Jennifer Lopez y Morgan Freeman], de Lasse Hallström, The Exorcism Of Emily Rose [El Exorcismo de Emily Rose] [Laura Linney y Tom Wilkinson] y el clásico de todos los tiempos Happy Gilmore [Adam Sandler].
Entre sus créditos en televisión favoritos se incluyen Wayward Pines, High Moon, Arrow, Traffic y The Five People You Meet In Heaven.
Tish Monaghan vive en Vancouver, Canadá.

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Yesica Floreshttp://www.elblogdeyes.com
Soy Yes, blogger desde hace más de 5 años. Me he especializado en el viejo y olvidado arte de divagar

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